Anos 50's

"THE TREMELOES"

2012-02-02T19:42:00.004-02:00

The Tremeloes é uma banda de rock and roll britânica formada em 1958 em Dagenham, Essex por Brian Poole (vocais), Ricky West (guitarra), Alan Blakely (teclados),
Alan Howard (baixo) e Dave Munden (bateria). Em 1962, fizeram um teste na Decca, competindo com outro grupo por um contrato de gravação. Foram aprovados, enquanto a outra banda, The Beatles, foi dispensada.
Emplacaram alguns hits nas paradas musicais do Reino Unido durante a década de 1960, embora jamais tenham conseguido superar novamente seus "rivais" de estúdio.
Apesar de passar por diversas mudanças em sua formação, a banda continua a gravar e
a se apresentar ocasionalmente.

Discografia

1962 "Twist Little Sister"
(Keith Nylene / Tommy Harbrook)
"Keep on Dancing"
(Bruce Bowles / Jimmy Hart)
1963 "Twist and Shout"
(Phil Medley / Bert Russell)
"Do You Love Me"
(Berry Gordy)
"I Can Dance"
(Martin Simpson)
1964 "Candy Man"
(Roy Orbison)
"Someone Someone"
(Norman Petty / Howard Greines)
"Twelve Steps to Love"
(Terrence Lowly)
1965 "The Three Bells"
(Jean Villard Gilles / Marc Herrand / Bert Reisfeld)
"After a While"
(Chris Stomsworth)
"I Want Candy"
(Bert Berns / Bob Feldman / Gerald Goldstein / Richard Gottehrer) -
"Good Lovin'"
(Rudy Clark / Arthur Resnick)
1966 "Blessed"
(Paul Simon)
"Good Day Sunshine"
(John Lennon / Paul McCartney)
1967 "Here Comes My Baby"
(Cat Stevens)
"Silence is Golden"
(Bob Crewe / Bob Gaudio)
"Even the Bad Times Are Good"
(Peter Callander / Mitch Murray
"Be Mine"
(Alfredo Ferrari / Vito Pallavicini / Mike Smith / Duilio Sorrenti)
1968 "Suddenly You Love Me"
(Peter Callander / Mario Panzeri / Daniele Pace / Laurenzo Pilat)
"Helule Helule"
(Peter Kabaka)
"My Little Lady"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"I Shall Be Released"
(Bob Dylan)
1969 "Hello World"
(Tony Hazzard)
"(Call Me) Number One"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1970 "By the Way"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"Me and My Life"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1971 "Hello Buddy"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"Right Wheel, Left Hammer, Sham!"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1972 "I Like It That Way"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"Blue Suede Tie"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1973 "Make or Break"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"You Can't Touch Sue"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"Ride On"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1974 "Do I Love You?"
(Cole Porter) - -
"Say O.K. (Say You Love Me)"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
"Good Time Band"
(Ted Summers)
1975 "Rocking Circus"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1976 "Caminando"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1977 "Gin Gang Goolie"
(Traditional)
1978 "Lonely Nights"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1979 "Lights of Port Royal"
(Alan Blakley / Len Hawkes)
1983 "Words"
(F. R. David)
1987 "Angel of the Morning"
(Chip Taylor)
1989 "Lean on Me Baby"
(Alan Blakley)

"ESQUERITA (ESKEW REEDER JR)"

2012-01-02T11:50:00.007-02:00

Esquerita é o nome artístico do cantor, compositor e pianista Eskew Reeder Jr.
Ele nasceu em Greenville, Carolina do Sul em 20 de novembro de 1935, e faleceu no Harlem em 23 de outubro de 1986 vítima da AIDS. É creditado como influência do pioneiro do Rock and Roll Little Richard, mas também é cogitada a
possibilidade dessa influência ter ocorrido ao contrário.

Frequentou a Sterling High School em Greenville de 1947 até 1950.
É conhecido como a principal influência de Little Richard.
Como Eskew não fez gravações antes dos lançamentos de Little Richard do
meio dos anos 50, não se pode afirmar se o estilo de Esquerita influenciou Richard. Esquerita era conhecido por usar maquiagem pesada e duas perucas.
Esquerita era um autodidata, e seu aprendizado em piano tinha raízes na música gospel. Sua carreira musical começou quando ainda era um adolescente,
quando largou a escola e se juntou ao grupo gospel "Heavenly Echoes"
na cidade de Nova York.
Sua primeira gravação solo em estúdio aconteceu quando Paul Peek o chamou para gravar algumas demos na Estação de Rádio de Greenville (WESC) por volta de 1958.
Naquele tempo, Peek era um membro da fabulosa banda rockabilly The Blue Caps, liderada por Gene Vincent. Peek inclusive co-escreveu "The Rock Around"
com Eskew, e Eskew tocou piano na gravação de 1958 que lançou o selo National Recording Corporation (NRC). Com esses contatos e a influência de Paul Peek na Capitol Records Esquerita conseguiu um contrato.."

No ano seguinte Esquerita gravou alguns singles com músicos de estúdio em Nashville, Dallas, Nova Orleans e Detroit. A Capitol Records lançou o LP "Esquerita" em 1959, seu único álbum. Alguns dos músicos com quem gravou nesta época incluem Jimi Hendrix, Dr. John, Allen Toussaint e The Jordanaires (cantores que faziam backing vocals para Elvis Presley). Suas músicas mais conhecidas são "Hey Miss Lucy",
"Get Back Baby", "Getting’ Plenty of Lovin’", "Rockin’ the Joint" e "Oh Baby".
Em 1963, ele gravou uma sessão para a Motown Records de Berry Gordy
mas as gravações nunca chegaram a ser lançadas.
Em 1968, Esquerita mudou seu nome para "The Magnficent Malochi" e assinou contrato pela Brunswick Records. Ele tocou teclado em "Takin' Care Of Business" de
John Hammond em 1970. Logo após, ele começou a sair da cena musical e pouco se sabe do que fez da vida. Linda Hopkins lançou uma música de Esquerita chamada
"Seven Days and Seven Nights" em 1973. Também por volta de 1973, Esquerita formou uma nova banda, que consistia em Charles Neville (saxofonista do The Neville Brothers)
e Jerry Kats (bateria). Eles tocaram com alguns outro músicos no
Tommy Smalls Night Club em Nova York. Poucos meses depois a banda se separou.
De acordo com uma entrevista com Billy Miller e Miriam Linna no livro Incredibly Strange Music, Esquerita se apresentava ocasionalmente em clubes gays afro-americanos sob o nome de "Fabulash" durante os anos 70. Ele foi localizado por um escritor
da "Kicks Magazine" em 1983 ou 1984, que o encontrou se apresentando em clubes de segunda categoria em Nova York. De acordo com o artigo "Who was Esquerita?"
do historiador musical Johnny Carter de uma revista internacional,
Bill Lowery (que originou a National Recording Company e estava envolvido nas sessões de Paul Peek para a NRC) foi abordado por Esquerita na rua em Nova York em 1985 antes de uma conferência na Broadcast Music Inc. Lowery confirmou que Esquerita estava numa situação ruim e trabalhava como atendente em um estacionamento mas continuava extravagante como sempre. Alguns meses antes de sua morte ele foi visto lavando
pára-brisas de carros por gorgetas em uma interseção no Brooklyn, NY.
No mesmo artigo, o pai de Esquerita, Eskew Reeder Sr.disse que seu filho havia morrido de complicações causadas pelo vírus da AIDS em 1986. O pai de Esquerita morreu em fevereiro de 1989.

Discografia

Singles solo

Oh Baby/Please Come Home (1958)
Rockin' The Joint/Esquerita And The Voola (1958)
Laid Off/Just Another Lie (1959)
Hey Miss Lucy/Battie Over Hattie (1959)
Green Door/I Waited Too Long (1962)
Never Again/We Had Love (1962)
The Flu/Undivided Love (1963)
I Woke Up This Morning/I Woke Up This Morning Part Two (1963)
A Tear/Johnny Little (1963)
Stubborn Old Me (Motown) (1963)
I Want To Know/Just In Time (1966)
Tell The World About You/Two Ton Tessie ((1966)
Dew Drop Inn/You Better Believe In Me (1967)
Mama Your Daddy's Come Home/As Time Goes By (1968)
Hey Miss Lucy/Hole In My Heart (Germany) (1973)
Hey Miss Lucy/Gettin' Plenty Lovin’ (Old Rock New Roll Volume 5 Series)
Dew Drop Inn/Rockin’ The Joint (1991)
You Better Believe Me/What Was Wrong (2009)

Albums

Esquerita (1959)
Vintage Voola (1997)

Coletâneas e re-lançamentos

Capitol Collectors Series (1990)
I Never Danced Nowhere! (1990)
Chart Scrapers (1994)
Sock It to Me Baby (1994)
Believe Me When I Say Rock & Roll Is Here to Stay (Collectables) (1998)
Rockin' the Joint (Collectables) (1998)

Participações de Esquerita como pianista

Didn't It Rain/Your God Is My God (1955) (The Heavenly Echoes)
The Rock Around/Sweet Skinny Jenny (1957, 1987) (Paul Peek)
Mexican Rock 'n' Roll (Instrumental)/Mexicali Baby (1958) (The Rio Rockers)
Love Is A Many Splendored Thing/Southern Style (1962) (The Eskerettes)
I Trusted In You/Southern Style (1962) (Willie B.)
Good Golly Miss Molly (Little Richard)
Slippin' And Slidin' (1964) (Little Richard)
The Explosive Little Richard (1967) (Little Richard)
Stingy Jenny (Brunswick) (1968) (Little Richard)
Freedom Blues/Dew Drop Inn (1970) (Little Richard)
Greenwood Mississippi (1970) (Little Richard)
Takin' Care Of Business (1970) (John Hammond)

"PERRY COMO"

2011-12-07T22:38:00.005-02:00

Pierino Ronald "Perry" Como (Canonsburg, 18 de maio de 1912 – Jupiter Inlet Colony, 12 de maio de 2001) foi um cantor e apresentador de televisão norte-americano. Durante mais de cinquenta anos de carreira ele gravou exclusivamente para a RCA Victor, após ser contratado em 1943. "Mr. C", como era conhecido, vendeu milhões de discos para a RCA e obteve destaque no meio televisivo por seu pioneirismo, ao apresentar um novo programa musical e de variedades, "The Perry Como Show", que foi um grande sucesso e estabeleceu-se como referência para o gênero, tornando-se um dos programas mais bem-sucedidos da História. O sucesso alcançado por Como na televisão e na música não foi igualado por nenhum outro artista da época.

Perry Como foi responsável por inúmeros sucessos, com vendagens tão altas, que a gravadora literalmente parou de contabilizar os números a pedido do próprio cantor. Os seus programas semanais e especiais de televisão eram transmitidos ao redor do mundo e sua popularidade aparentava não possuir barreiras geográficas ou culturais.
Ele se sentia igualmente à vontade em grandes apresentações ao vivo ou na quietude de um estúdio de gravação. O apelo de sua música atravessou gerações, tornando-o um artista respeitado tanto por seu profissionalismo quanto por sua conduta de vida pessoal. No obtuário feito em sua memória pela gravadora RCA Victor na revista Billboard americana, a sua vida foi resumida em poucas palavras:
"Cinquenta anos de música e vida bem vividos. Um exemplo para todos."
O compositor Ervin Drake disse sobre ele, "às vezes alguém como Perry surge e simplesmente não 'vai na onda dos outros', e mesmo assim prevalece, apesar de ser importunado pelos que o cercam para que ceda aos seus valores corrompidos. Mas isso só acontece às vezes." Perry Como foi agraciado com a Honraria do Kennedy Center em 1987, que representa o reconhecimento por contribuição significativa para a Cultura Americana através das artes cênicas e do espetáculo. Em 2006 o artista foi inserido no "Long Island Music Hall of Fame". Perry Como ainda tem a distinção de possuir três estrelas na Calçada da Fama de Hollywood, cada uma representando o seu trabalho no rádio, na televisão e na música.

Perry Como nasceu em Canonsburg, Pensilvânia, que fica aproximadamente 30 quilômetros ao sul de Pittsburgh. É o sétimo dos treze filhos do casal Pietro Como e Lucia Travaglini, que imigraram para os Estados Unidos em 1900, vindos da Itália, originários de Palena, na região de Abruzos.Ele era católico. Seu pai era barítono amador e colocou todos os filhos para estudar música, mesmo tendo dificuldades para pagar as aulas. Para ajudar no orçamento doméstico, o jovem Perry começou a trabalhar na barbearia de Steve Fragapane aos 10 anos de idade,
recebendo 50 centavos por semana.
Apesar de sempre ter gostado de cantar e, ainda na adolescência, ter mostrado talento para tocar trombone na fanfarra da cidade e órgão na igreja local, a primeira grande ambição de Perry Como era ser o melhor barbeiro da sua cidade. Com 14 anos de idade ele já era dono de sua própria barbearia. Em 31 de julho de 1933, ele se casou com a namoradinha da adolescência, Roselle Belline, que ele conheceu num piquenique em Chartier's Creek, na Pensilvânia, no ano de 1929, quando ele tinha 17 anos. Eles tiveram três filhos: Ronald, David e Therese. Em 1993 ele sobreviveu a um câncer de bexiga, depois de um tratamento bem-sucedido. Perry e Roselle continuaram casados até a morte dela em agosto de 1998, aos 84 anos. Como ficou devastado pelo falecimento de sua esposa.

Carreira

Em 1933, Perry uniu-se à banda de Freddy Carlone em Ohio, e três anos mais tarde foi trabalhar na Ted Weems' Orchestra, onde fez as suas primeiras gravações. A primeira delas foi uma canção intitulada "You Can't Pull the Wool Over My Eyes", gravada para o selo Decca Records.
Em 1942, o maestro Ted Weems dissolveu a banda, e então Perry decidiu retornar para Canonsburg, para ficar próximo à sua família e voltar a exercer a profissão de barbeiro. Ele estava cansado de viver viajando sem a companhia da esposa e do filho pequeno. Ainda quando negociava o aluguel de uma loja para reabrir sua barbearia, Perry recebeu uma ligação da General Artists Corporation, oferecendo-lhe seu próprio programa de rádio na emissora CBS, além de um contrato de gravação com a RCA Victor. Quem proporcionou o estímulo inicial para Perry recomeçar sua carreira foi a esposa, Roselle, que disse "Você sempre poderá abrir uma outra barbearia se não der certo!"

"Goodbye Sue", de 1943, composta por Jimmy Rule, Lou Ricca e Jules Loman, foi a primeira canção gravada na RCA Victor.Perry se tornaria o artista que mais tempo esteve contratado pela gravadora -- mais de 40 anos. No final do ano de 1944, ele foi para a rádio NBC fazer o programa Chesterfield Supper Club. Mais tarde, ele se tornaria um artista de grande sucesso no teatro e em apresentações em casas noturnas. No início dos anos 1940, houve ocasiões em que Frank Sinatra solicitava a Perry Como para substituí-lo em apresentações no Paramount Theater.
Em 1945, Como gravou a balada "Till the End of Time" (baseada na "Polonesa Heróica" de Chopin), que foi o marco inicial de sua carreira de sucesso. Ele se tornou também o primeiro cantor popular a alcançar a marca de dois milhões de discos vendidos, com dois LPs ao mesmo tempo no mercado, "Till the End of Time" e "If I Loved you", naquele mesmo ano. Perry Como foi o primeiro artista a ver dez de seus discos alcançarem a marca de um milhão de cópias vendidas. Da mesma forma, o seu programa de televisão alcançou uma audiência muito maior do que qualquer outro programa musical apresentado por um cantor até hoje.
Como obteve, segundo a pesquisa de Joel Whitburn das Paradas de Sucesso Americanas, quatorze músicas que chegaram ao topo em pelo menos uma das três listas da Billboard (cópias vendidas, disc jockeys e jukeboxes): "Till The End Of Time" (1945); "Prisoner of Love" (1946); "Surrender" (1946); "Chi-Baba, Chi-Baba" (1947); "A - You're Adorable" (1949); "Some Enchanted Evening" (1949); "Hoop-De-Doo" (1950); "If" (1951); "Don't Let The Stars Get In Your Eyes" (1952); "No Other Love" (1953); "Wanted" (1954); "Hot Diggity (Dog Ziggity Boom)" (1956); "Round And Round" (1957); and "Catch a Falling Star" (1957).
Em 14 de março de 1958, a RIAA, a associação das grandes gravadoras americanas, certificou o hit "Catch a Falling Star" como o primeiro Disco de Ouro da entidade."Catch a Falling Star" foi composta por Paul Vance e Lee Pockriss. A dupla também foi responsável pela canção "Itsy Bitsy Teeny Weeny Yellow Polka Dot Bikini." Nesse mesmo ano, Perry Como foi premiado na primeira edição do Grammy, na categoria Melhor Performance Vocal Masculina, com a música "Catch a Falling Star". O seu último hit Top 40 foi uma versão da música de Don McLean, "And I Love You So",
gravada em 1973.

Ele gravou muitos discos para a RCA entre 1952 e 1987, e são atribuídos a ele numerosos discos de ouro. Perry Como possuía tantos discos que alcançaram esse status, que ele simplesmente se negou a certificar a vendagem de muitos deles. Era a simplicidade que tanto o diferenciava dos seus colegas do meio artístico, e que o fazia ser adorado por legiões de fãs ao redor do mundo. Sabe-se que Perry Como vendeu milhões de discos durante sua carreira, mas ele evitava constantemente que esses números fossem divulgados.

Após 27 anos sem se apresentar em casas noturnas, ele decidiu aceitar um convite para cantar no International Hotel em Las Vegas, em junho de 1970. Desde 1944 que ele não fazia apresentações, tendo cantado a última vez no famoso nightclub Nova Iorquino, Copacabana. Ainda que tenha continuado a apresentar-se regularmente em Las Vegas, ele limitou suas apresentações apenas a essa cidade. Foi também nos anos 1970 que Como fez a sua primeira grande apresentação fora dos Estados Unidos, em um show no London Palladium, destinado a arrecadar fundos para instituições de caridade infantil, em maio de 1974. Perry voltaria ao Reino Unido em novembro, novamente ao Palladium, para uma apresentação para a Família Real Britânica, também para arrecadar fundos para instituições de caridade. Logo depois disso, em 1975, ele anunciou sua primeira turnê, que começaria pelo Reino Unido.

Nos anos 1980, o clima no ambiente de gravação já não era mais o mesmo dos velhos tempos da RCA Victor. No início de sua carreira, as sessões em estúdio eram repletas de diversão e alegria. Em uma gravação de 1959 da música "Santa Claus is Comin' to Town", um ouvinte mais atento poderá escutar Perry gargalhando no momento de uma entrada da orquestra. Mas em anos recentes, o ambiente de estúdio tornou-se muito mais sombrio. Por esse motivo, ele abandonou a gravação do que seria seu último álbum de estúdio, no início dos anos 1980. Em 1987 ele voltou a gravar para a RCA, dessa vez, com uma pessoa de sua inteira confiança: o amigo e parceiro Nick Perito. Sua gravação de "The Wind Beneath My Wings" era quase autobiográfica -- uma conclusão perfeita para uma carreira longa e bem-sucedida. Ele gravou apenas mais uma vez, em 1994, para o seu Concerto de Natal na Irlanda.
A partir de 1989 até o ano de sua morte, 2001, Como apresentou um programa de rádio semanal com John Knox, chamado "Weekend With Perry".

Características vocais

Segundo Perry Como, o artista que mais influenciou a sua maneira de cantar foi Bing Crosby. O estilo de Perry Como é amplamente conhecido por suas "acrobacias" vocais, como registrada na canção "Hot Diggity (Dog Ziggity Boom)". Mas essa era apenas uma de suas facetas, como descrito pelo crítico musical Gene Lees no encarte do LP de 1968, "Look To Your Heart":

Apesar da sua imensa popularidade, Perry Como é raramente reconhecido pelo que está tão evidente em sua obra: que ele é um dos maiores cantores e um dos maiores artistas da atualidade. Talvez o fato dele não fazer tanto alarde sobre seus formidáveis atributos vocais seja uma das razões pela qual as pessoas raramente falam sobre eles. A celebrada personalidade casual e tranquila de Perry Como sempre foi mal compreendida. Para se atingir a simplicidade em qualquer esforço artístico precisa-se ter o domínio sobre pequenos detalhes, que no fim formam o todo. Dessa forma, pratica-se tanto a execução desses detalhes, que eles se unem de forma indissolúvel, até que se pode esquecer as tecnicidades para se concentrar apenas no ato de fazer determinada coisa. Como atingiu tanta perfeição na execução das minúcias de sua arte que parece não fazer esforço ao executá-las. Porém, foi preciso muita dedicação e esforço para que ele chegasse a esse resultado. Perry Como é reconhecido por ser meticuloso em relação aos ensaios para as gravações dos seus discos. Ele tenta cantar em tons diferentes, pensa sobre a canção, conversa, dá sugestões, tenta de novo, e de novo, até ficar satisfeito com o resultado final. Esse trabalho que ninguém vê, o faz parecer o Sr. Casual, e, inclusive, muitas pessoas acreditam piamente que ele é apenas isso. Mas eu, como crítico musical, dediquei muitos anos ao estudo da arte de cantar, e a obra de Perry sempre me impressiona. A sua técnica é fantástica. Convido o ouvinte a sentir a perfeição da sua entonação, a beleza do som que ele produz, o constante e confortável controle da respiração. E atente para suas notas mais agudas. Leigos são frequentemente impressionados pelas longas notas agudas que ele consegue sustentar. Profissionais do meio sabem que é muito mais dificil se alcançar uma nota aguda partindo do silêncio. Perry Como brilha ao cantar um Dó ou Ré tão suavemente quanto um pássaro cantando numa árvore -- com absoluto controle e perfeição. E depois tem o seu fraseado. Muitos cantores sabem frasear bem. O jeito comum de se fazer um fraseado é pensar como seria a letra de uma música se ela fosse falada, e então se aproximar do ritmo e das inflexões dessa fala na hora de cantar. Isso implica alterar a melodia, mas é uma prática louvável e, quando bem executada, proporciona resultados impressionantes. Mas Como é muito mais que isso. Ele não acha necessário mudar a linha melódica de uma canção para colocar emoção nela. Um grande trompetista de Jazz me disse uma vez, "Depois de quinze anos tocando, concluí que uma das coisas mais difíceis de se fazer é executar a melodia corretamente e ao mesmo tempo dar emoção a ela." Perry Como vem fazendo isso desde o início. Em matéria de estilo, ele vem da escola Bing Crosby-Russ Colombo. Mas isso foi há muito tempo. Como já vem andando com as próprias pernas há muitos anos. Sua voz é única, ele não soa como nenhum outro artista. E também, nenhum outro soa como ele. É tão difícil imitá-lo justamente por seu trabalho ser tão livre de malabarismos. Não existe nenhum maneirismo que um outro cantor possa copiar. Tudo o que podem fazer é tentar cantar tão bem e tão honestamente quanto Perry, e qualquer artista que fizer isso vai acabar soando como ele mesmo, não Perry Como.

Cinema

Em 1943 Perry começou a fazer filmes em Hollywood, assinando um contrato de 7 anos com a 20th Century-Fox. Ele trabalhou em cinco fitas: "Alegria, Rapazes" (Something for The Boys, 1944), "Sonhos de Estrela" (Doll Face, 1945) - ambos com participações de Carmen Miranda -, "March of Time" (1945), "Se Eu Fosse Feliz" (If I'm Lucky, 1946) - também com participação de Miranda -, e "Minha Vida É uma Canção" (Words and Music, 1948), mas ele nunca pareceu estar à vontade fazendo filmes. Outro problema era o declínio em popularidade dos musicais junto ao público, o que forçou os estúdios a deixarem de produzir esse gênero de filme. Em 1948, Como solicitou uma rescisão de contrato e foi liberado amigavelmente pela Fox.Citando o próprio, "Eu estava disperdiçando o tempo deles e eles o meu." Enquanto fazia o seu programa semanal de televisão, Perry recebeu algumas propostas interessantes para fazer cinema, mas ele raramente tinha tempo para se dedicar aos filmes.

Televisão

Perry Como iniciou sua nova carreira quando a NBC passou a transmitir pela TV o programa de rádio Chesterfield Supper Club em 24 de dezembro de 1948. Um convidado muito especial nesse primeiro programa foi o seu filho de 8 anos, Ronnie, que participou de um coral de crianças. Durante a temporada de 1949-1950, o programa durava meia hora, e era exibido nas noites de domingo, concorrendo diretamente com o programa Toast of The Town, de Ed Sullivan. Em 1950, Perry foi para a CBS e o nome do programa foi mudado para The Perry Como Show, novamente patrocinado pela marca de cigarros Chesterfield. A atração tinha 15 minutos, indo ao ar às segundas, quartas e sextas-feiras, logo após o CBS Television News (mais tarde conhecido como Douglas Edwards with the News). O programa também era simultaneamente transmitido no rádio através do Mutual Broadcasting System. A atração continuou a ser exibida no início anos 1950 até retornar para a NBC no outono de 1955, agora apenas aos sábados, com uma hora de duração, e continuando a apresentar números musicais, esquetes de humor e participações especiais de artistas da época. A música de abertura era "Dream Along With Me".

Perry recebia milhares de cartas com pedidos para cantar determinadas músicas, e foi nessa época que ele começou a usar os característicos casacos de lã (cardigans) que se tornariam a sua marca registrada. O tema de encerramento do programa era a música "You Are Never Far From Me". O locutor Frank Gallop se tornou uma espécie de "escada" para as brincadeiras e piadas de Perry, pois ele era a "voz invisível que vinha do céu" durante a primeira temporada do programa. Havia um clima de descontração tanto nos ensaios como no programa em si. Em dezembro de 1955 os telespectadores puderam ver pela primeira vez o que Perry fazia antes de se tornar um cantor profissional. O ator Kirk Douglas era um dos convidados do programa, e tinha deixado a barba crescer para interpretar Vincent Van Gogh no filme "Sede de Viver" (Lust for Life, 1956), que ele tinha terminado de filmar naquela semana. Perry Como fez a barba de Kirk Douglas ao vivo em rede nacional. Em 15 de setembro de 1956, o primeiro programa da nova temporada do Perry Como Show foi transmitido em cores diretamente dos novos estúdios da NBC no Ziegfeld Theatre em Nova Iorque, tornando-o um dos primeiros programas semanais a ser transmitido em cores. Em 1959, o programa de Como passou para as noites de quarta-feira, agora com o nome "Perry Como's Kraft Music Hall". O programa duraria 8 anos, e nos últimos quatro (1963-1967) foi transmitido mensalmente na forma de especial, revezando-se com os programas "Kraft Suspense Theatre", "The Andy Williams Show" e finalmente "The Road West".

Obra

Gravou versões que ficaram famosas em sua voz:

Magic Moments
Papa Loves Mambo
Catch A Falling Star
It's Impossible
And I Love You So
(There's No Place Like) Home For The Holidays
I'll Be Home for Christmas
Some Enchanted Evening
Don't Let The Stars Get In Your Eyes
Moon River
Prisoner Of Love
Santa Claus Is Coming to Town
Winter Wonderland
I've Got You Under My Skin
If

"DINAH WASHINGTON"

2011-11-12T07:39:00.006-02:00

Dinah Washington, pseudônimo de Ruth Lee Jones (Tuscaloosa, Alabama, EUA, 29 de agosto de 1924 - 14 de dezembro de 1963), americana,
cantora de jazz, blues e música religiosa.
De família de baixa renda, mudou-se para Chicago aos quatro anos. Teve uma infância solitária, já que seu pai, um apreciador de cassinos, raramente estava em casa, e sua mãe passava os dias na rua atrás do dinheiro para sustentar Dinah,
suas irmãs e pagar as freqüentes dívidas do marido.
Sozinhas em casa, as meninas começaram a se refugiar na igreja, onde passavam as tardes. Dinah tocava piano, assim como sua mãe, e todas cantavam no coral.
Antes da adolescência, Dinah começou a fazer sucesso nas redondezas do bairro onde vivia, e logo tocava piano e cantava gospel por toda Chicago, até vencer um concurso de calouros cantando blues. O concurso lhe rendeu um convite para participar do conjunto vocal Sarah Martin Singers, pouco antes de completar doze anos. Aos quinze anos, diante das proibições de sua mãe, começou a fugir pela janela de seu quarto para cantar à noite em bares e clubes, onde também
começou desenvolver seu gosto pela bebida.
Apesar da pouca idade, seu fantástico senso de fraseado, tonalidade e ataque fizeram com que o bandleader Lionel Hampton a contratasse imediatamente quando a viu cantar no ano de 1943. Foi nessa época que mudou seu nome de Ruth Lee Jones (nomes comuns nos EUA) para o mais pomposo Dinah Washington. Depois do debut com o bandleader, Dinah Washington conquistou prestígio pleno, gravando, apresentando-se e vendendo muito até sua morte. Passou três anos junto a banda de Hampton.
Gravou diversos estilos de música, um de seus grandes sucessos foi a canção do astro country Hank Williams Senior “Cold Cold Heart”, apenas não gostando de gravar gospel, pois dizia que não gostava de misturar assuntos espirituais com profanos.
Apesar de seus discos lhe renderem bastante dinheiro, possuía um estilo de vida bastante dispendioso, comprando jóias e carros, além de querer dar para a filha uma infância de luxo, diferente da sua.
Morreu aos 39 anos de idade após ingerir inibidores de apetite com bebida alcoólica.

"DEAN MARTIN"

2011-10-03T08:27:00.003-03:00

Dean Martin (Steubenville, 7 de junho de 1917 — Beverly Hills, 25 de Dezembro de 1995) foi um dos mais influentes artistas do século 20, tanto na música, televisão, bem como no cinema. Seu nome de batismo é Dino Paul Crocetti.
Era integrante da "Rat Pack", um grupo de amigos formado por Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr., Peter Lawford e Joey Bishop que realizaram algumas atividades artísticas em conjunto na década de 1960. É bastante reconhecido por sua parceria de enorme êxito com Jerry Lewis. Morreu em decorrência de câncer no pulmão.
Possui três estrelas na "calçada da fama", uma (6519 Hollywood Boulevard) por seu trabalho no cinema, a segunda (1817 Vine) por suas gravações, e a terceira (6651 Hollywood Boulevard) por seu trabalho na televisão.
Era pai do também cantor e ator Dean Paul Martin, cuja morte prematura fez o pai encerrar a carreira.

1953 - Dean Martin Sings
1955 - Swingin' Down Yonder
1955 - Dean Martin
1957 - Pretty Baby
1959 - Sleep Warm
1959 - A Winter Romance
1960 - This Time I'm Swingin'!
1961 - Dean Martin
1962 - Dino: Italian Love Songs
1962 - Cha Cha de Amor
1962 - French Style
1963 - Country Style
1963 - Dean "Tex" Martin Rides Again
1963 - Dino Latino
1964 - Dream with Dean
1964 - Everybody Loves Somebody
1964 - The Door Is Still Open to My Heart
1964 - Live at the Sands Hotel
1965 - Holiday Cheer
1965 - (Remember Me) I'm the One Who Loves You
1965 - Dean Martin Hits Again
1965 - Houston
1966 - Somewhere There's a Someone
1966 - The Hit Sound of Dean Martin
1966 - The Best of Dean Martin
1966 - Christmas Album
1966 - Songs From The Silencers
1966 - The Dean Martin TV Show
1967 - Happiness Is Dean Martin
1967 - Welcome to My World
1968 - Gentle on My Mind
1969 - I Take a Lot of Pride in What I Am
1970 - My Woman, My Woman, My Wife
1971 - For the Good Times
1972 - Dino
1973 - Sittin' on Top of the World
1973 - You're the Best Thing That Ever Happened to Me
1978 - Once in a While

Filmografia

1949 – My Friend Irma (Amiga da Onça)
1950 – My Friend Irma Goes West (Minha Amiga Maluca)
1950 – At War with the Army (O Palhaço do Batalhão)
1951 – That's My Boy (O Filhinho do Papai)
1952 – Sailor Beware (O Marujo Foi na Onda)
1952 – Jumping Jacks (Malucos do Ar)
1952 – Road to Bali (De Tanga e de Sarong)
1953 – The Stooge (O Biruta e o Folgado)
1953 – Scared Stiff (Morrendo de Medo)
1953 – The Caddy (Sofrendo da Bola)
1953 – Money from Home (A Barbada do Biruta)
1954 – Living It Up (A Farra dos Malandros)
1954 – 3 Ring Circus (O Rei do Circo)
1955 – You're Never Too Young (O Meninão)
1955 – Artists and Models (Artistas e Modelos)
1956 – Pardners (O Rei do Laço)
1956 – Hollywood Or Bust (Ou Vai ou Racha)
1957 – Ten Thousand Bedrooms (10 Mil Alcovas)
1958 – The Young Lions (Os Deuses Vencidos)
1958 – Some Came Running (Deus Sabe Quanto Amei)
1959 – Rio Bravo (Onde Começa o Inferno)
1959 – Career (O Calvário da Glória)
1960 – Who Was That Lady? (Quem Era Aquela Pequena?)
1960 – Bells Are Ringing (Essa Loura Vale Um Milhão)
1960 – Ocean's Eleven (Onze Homens e Um Segredo)
1960 – Pepe
1961 – All in a Night's Work (A Dama da Madrugada)
1961 – Ada
1962 – Something's Got to Give (filme não concluído)
1962 – Sergeants 3 (Os 3 Sargentos)
1962 – The Road to Hong Kong (Dois Errados no Espaço)
1962 – Who's Got the Action? (... Ela Topou a Parada)
1963 – Come Blow Your Horn (O Bem Amado)
1963 – Toys in the Attic (Na Voragem das Paixões)
1963 – 4 for Texas (Quatro Heróis do Texas)
1963 – Who's Been Sleeping in My Bed? (Quem Anda Dormindo em Minha Cama?)
1964 – What a Way to Go! (A Senhora e Seus Maridos)
1964 – Robin and the 7 Hoods (Robin Hood de Chicago)
1964 – Kiss Me, Stupid (Beija-Me Idiota)
1965 – The Sons of Katie Elder (Os Filhos de Katie Elder)
1965 – Marriage on the Rocks (Vamos Casar Outra Vez)
1966 – The Silencers (O Agente Secreto Matt Helm)
1966 – Texas Across the River (Dois Contra o Oeste)
1966 – Murderers' Row (Matt Helm Contra o Mundo do Crime)
1967 – Rough Night in Jericho (A Noite dos Pistoleiros)
1967 – The Ambushers (Emboscada Para Matt Helm)
1968 – How to Save a Marriage (and Ruin Your Life) (Como Salvar Um Casamento e Arruinar Sua Vida)
1968 – Bandolero! (O Preço de Um Covarde)
1968 – 5 Card Stud (Pôquer de Sangue)
1969 – The Wrecking Crew (Arma Secreta contra Matt Helm)
1970 – Airport (Aeroporto)
1971 – Something Big (Os Renegados)
1973 – Showdown (Inimigos a Força)
1975 – Mr. Ricco
1981 – The Cannonball Run (Quem Não Corre, Voa)
1984 – Cannonball Run II (Um Rally Muito Louco)

"LOUIS ARMSTRONG"

2011-09-16T07:57:00.006-03:00

Louis Daniel Armstrong (Nova Orleans, 4 de agosto de 1901 — Nova Iorque, 6 de julho de 1971) é considerado "a personificação do jazz".
Louis Armstrong é famoso tanto como cantor quanto como solista, com seu trompete.
Armstrong nasceu numa família muito pobre. Passou a sua juventude na pobreza num bairro de Nova Orleans, conhecido como "as costas da cidade". O seu pai, William Armstrong, abandonou a família quando Louis ainda era criança e casou-se com outra mulher. A sua mãe, Mary Albert Armstrong, deixou Louis com a sua tia, o seu tio e a sua avó. Aos cinco anos ele voltou a viver com a sua mãe e via o pai muito raramente. Ele esteve na Fisk School for Boys onde pela primeira vez entrou em contacto com a música. Levou algum dinheiro para casa como entrega-jornais e sapateiro ambulante. Contudo, isso não era suficiente para manter a sua mãe longe da prostituição. Passou a entrar à socapa em bares de música perto de sua casa para ouvir e ver os cantores.
Conheceu dias muito difíceis, e olhava para a sua juventude como o pior momento da sua vida e, por vezes, até retirava inspiração dela: "Every time I close my eyes blowing that trumpet of mine, I look right in the heart of good old New Orleans...It has given me something to live for." ("Todas as vezes que eu fecho os meus olhos tocando aquele meu trompete, eu olho logo no coração da boa velha Nova Orleans... Ela deu-me algo pelo que viver.")
Conseguiu comprar um trompete, com dinheiro emprestado de uma família imigrante russo-judia, os Karnofskys que, até ao final da sua vida, considerou como membros da família visto que cuidaram dele vários dias e noites, enquanto a sua mãe trabalhava. Por essa razão, Louis usou uma Estrela de David pelo o resto de sua vida.
Após sair da Fisk School aos 11 anos, Armstrong formou um quarteto que tocava na rua para ganhar algum dinheiro e também por esta altura ele começou a meter-se em sarilhos.
O tocador de corneta Bunk Johnson ensinou-o a tocar de ouvido no Dago Tony's Tonk em Nova Orleans, apesar de Louis ter dado crédito a um músico, de seu nome, Oliver, nos anos seguintes. Armstrong desenvolveu fortemente a sua maneira de tocar trompete na banda "New Orleans Home for Colored Waifs", onde ele fora várias vezes enviado por delinquência juvenil (mais notavelmente por disparar a arma do seu padrasto para o ar numa celebração de Véspera de Ano Novo, assim confirmam os registos policiais). O professor Peter Davis instalou disciplina e providenciou educação musical ao rapaz. Eventualmente, Davis fez Armstrong o líder da banda.
A Home tocou por toda Nova Orleans e o rapaz de 13 anos passou a chamar atenção pelo modo como tocava trompete, começando uma nova carreira musical. Aos 14 anos ele saiu da Home e viveu com o seu pai e a nova madrasta e depois com a sua mãe e as ruas. Armstrong ganhou o seu primeiro emprego noturno no Henry Ponce's, onde Black Benny se tornou o seu protector e tutor. Queimava carvão na fábrica de dia e tocava trompete à noite.
Ele tocou frequentemente nas Brass Band Parades e ouviu os músicos mais velhos sempre que podia, aprendendo com Bunk Johnson, Buddy Petit, Kid Ori e, acima de tudo, com Joe "King" Oliver, que atuou como mentor e figura paternal para o jovem músico. Mais tarde, ele tocou nos riverboats de Nova Orleans, trabalhando com Fate Marable subindo e descendo o Mississipi. Ele descreveu o tempo passado com Marable como "indo para a universidade", o que lhe proporcionou uma experiência única.
Em 19 Março de 1918, Satchmo (a alcunha de Armstrong) desposou Daisy Parker de Gretna, Louisiana. Eles adotaram uma criança de 3 anos, Clarence Armstrong, cuja mãe, a prima de Louis, Flora, morrera no parto (problematica mental). Clarence Armstrong foi doente mental (resultado de uma pancada em tenra idade) e Louis passaria o resto da sua vida a tomar conta dele. Louis divorciou-se de Daisy e pouco depois, esta faleceu.
Durante as suas experiências de "Riverboat", a música de Armstrong começou a amadurecer. Aos vinte anos, já conseguia ler partituras e começou a tocar grandes e prolongados solos de trompeta, sendo um dos primeiros Jazzmen a fazê-lo e introduzindo a sua personalidade e estilo nos seus solo turns. Ele acabara de aprender como criar um som único, e começara a cantar nas suas performances. Em 1922, Armstrong foi para Chicago, por convite de Joe "King" Oliver, para se juntar à sua "Creole Jazz Band" onde ganhava o suficiente sem ter de atuar nos velhos clubes nocturnos. Chicago, a cidade do vento, estava povoada de muitos negros, que após trabalharem nas fábricas, tinham algum dinheiro para gastar numa ida ao bar.
Armstrong viveu em Chicago no seu próprio apartamento, com a sua própria casa de banho privada (a sua primeira). Entusiasmado de se encontrar nesta cidade, começou a escrever cartas nostálgicas aos seus amigos em Nova Orleães. À medida que a carreira de Armstrong crescia, ele era desafiado a "cutting contests" (competições nas quais um músico tenta roubar o emprego do outro tocando melhor do que ele) por hornmen tentando acabar com o novo fenómeno. No entanto, falharam. Armstrong fez as suas primeiras gravações nas Gennett e Okeh labels (os recordes de jazz estavam a começar a rebentar por todo o país), incluindo alguns solos e breaks, enquanto segundo trompete na banda de Oliver em 1923. Por esta altura, ele conheceu Hoagy Carmichael (com quem ele colaboraria depois) que foi introduzida por Bix Beiderbecke, seu amigo, que agora possuía a sua "Chicago band".
A sua segunda mulher, a pianista Lil Hardin Armstrong, fez com que Armstrong desenvolvesse o seu novo estilo afastado de Oliver. Ela convenceu o seu marido a tocar música clássica nas igrejas, para aperfeiçoar o seu estilo e a experimentar a tocar sem banda, além dos solos, e com coral religioso. A influência de Lil determinou eventualmente a relação entre Armstrong e o seu mentor, especialmente as questões do salário e dos dinheiros adicionais que Oliver afastava dele e dos outros membros da banda. A banda desfez-se em 1924 e Armstrong foi convidado a ir à cidade de Nova Iorque para tocar com a Fletcher Henderson Orchestra, a banda Américo-Africana de mais sucesso naquele período. Louis aprendeu como tocar em orquestra pela primeira vez.

Armstrong rapidamente adaptou-se ao mais controlado estilo de Henderson e os outros músicos rapidamente tomaram Armstrong como um músico emocional e natural.
Durante esta altura, Armstrong efectuou várias gravações, arranjadas por um seu velho amigo de Nova Orleães, o pianista Clarence Williams, estas incluíam concertos de banda Williams Blue Five (na qual Armstrong entrava), alguns solos de jazz e uma série de acompanhamentos com tocadores de Blues, incluindo Bessie Smith, Ma Rainey e Alberta Hunter.
Armstrong regressou a Chicago em 1925 devido à sua mulher, que queria incentivá-lo a prosseguir com a sua carreira. Ele gostou muito de Nova Iorque e admitiu que a Henderson Orchestra era bastante limitada. Ele começou a fazer gravações com o seu próprio nome com os famosos Hot Five e Hot Seven, produzindo grandes êxitos como Potato Head Blues, Muggles (uma referência à marijuana) e West End Blues.
O grupo incluia Kid Ory (trombone), Johnny Dodds (clarinete), Johnny St. Cyr (banjo), a mulher de Armstrong e, normalmente, nenhum tamborista. Sobre Armstrong, St. Cry disse: "One felt so relaxed working with him...he always did his best to feature each indidual" ("Todos relaxavam ao trabalhar com ele...ele fazia sempre o seu melhor para realçar cada um dos membros da banda.") As suas gravações com o pianista Earl "Fatha" Hines e a introdução de Armstrong em West End Blues permanecem as mais famosas influências na história do Jazz. Armstrong era agora livre para desenvolver o seu estilo pessoal como ele quisesse.
Armstrong também tocou com "Erskine Tate's Little Symphony", no teatro de Vendome. Eles forneceram música para filmes mudos e shows ao vivo, incluido versões de música clássica "jazzeadas" entre as quais Madame Butterfly, o que proporcionou a Armstrong experiência com novos tipos de música e actuações perante uma grande audiência. Tornaram-se a banda de Jazz mais famosa na América.
Após separar-se de Lil, Armstrong começou a tocar no café Sunset para Joe Glaser, um associado de Al Capone. Na Carrol Dickerson Orchestra, com Earl Hines no piano, que rapidamente foi transformada na Louis Armstrong's Stompers, Armstong fez amizade vitalícia com Hines e dirigiu, pela primeira vez, um grupo musical.
Armstrong regressou a Nova Iorque em 1929, onde ele tocou na orquestra do musical Hot Chocolate e fez uma partipação especial na banda de Charles John Degoniah. Ele começou a trabalhar no Connie's Inn em Harlem, o segundo clube nocturno mais famoso da Grande Maçã. Armstrong teve também um sucesso considerável com as gravações vocais, incluindo versões das famosas músicas compostas pelo seu velho amigo Hoagy Carmichael. As suas gravações de 1930 ganharam vantagem total devido ao "ribbon microphone" (microfone de peito) sobre todas as outras gravações de bandas da época, com menos qualidade. A mais famosa foi: "Stardust", que até hoje permanece uma das gravações com mais lucro de Armstrong.
A Depressão dos anos 30 atacou de forma violenta o jazz. Bix Beiderbecke faleceu e a banda de Fletcher Henderson dispersou-se. Muitos músicos deixaram de tocar nos clubes nocturnos e alguns deixaram mesmo de ser músicos. King Oliver fez algumas gravações mas não tiveram êxito nenhum. Sidney Bechet tornou-se alfaiate e Kid Ory regressou a Nova Orleães para criar galinhas. Armstrong deslocou-se para Los Angeles em 1930 à procura de novas oportunidades. Ele tocou no New Cotton Club em L.A. com Lionel Hampton nos tambores. Em 1931 Armstrong apareceu no seu primeiro filme: Ex-Flame. Ele regressou a Chicago em Dezembro de 1931 e tocou nas bandas de Guy Lombardo e Raphael Minsby onde foi relembrado pelo público. Viajou por quase todos os estados e em Março de 1934 regressou a Nova Orleães, onde foi recebido como um herói. Ele patrocinou uma equipa de basquetbol local, "Armstrong's Secret Nine", e deram-lhe o seu nome a um tipo de cigarro. Mas pouco tempo depois, ele regressou à estrada e foi novamente esquecido, o que fez com que ele fugisse para a Europa.
Após regressar aos E.U.A., ele tomou várias longas e exaustivas digressões. O seu agente, Johnny Collins, fez com que Armstrong ficasse com pouco dinheiro. Ele despediu-o e contractou Joe Glaser, que resolveu as suas dividas e os seus processos.
Ele regressou ao cinema e participou num programa de radio, Rudy Valley's Show, em que ele entrevistou muitos músicos e tocou alguns solos. Divorciou-se de Lil em 1938 e casou com a sua nova namorada, Alpha.
Após muitos anos na estrada, ele fez residência em Queens, Nova Iorque, em 1943 com a sua quarta mulher, Lucille. Apesar de alguns ataques racistas (roubar o correio, atirar pedras à casa) integrou-se com os negros e alguns brancos do seu bairro.
Durante os trinta anos seguintes da sua vida, Armstrong tocou inúmeros solos e com inúmeras bandas, participou de filmes. Enfrentou algumas críticas por parte dos ativistas negros norte-americanos, pelo fato de não militar mais ativamente no movimento dos direitos civis. Porém é preciso lembrar que, naquela época, Louis já se aproximava dos 60 anos de idade, e pertencia a uma geração diferente daquela que estava assumindo a linha de frente dos protestos e da militância no final dos anos 50 e ao longo dos anos 60. Armstrong trabalhou até os seus últimos dias, e morreu dormindo em sua casa, em Nova Iorque, em 6 de julho de 1971.

Os All Stars

O agente de Armstrong, Joe Glaser, acabou com uma banda que ele tinha formado, e recomendou a Armstrong a criação de uma nova banda formada por pessoas suas amigas. O grupo chamou-se os All Stars e incluiu Earl "Fatha" Hines, Barney Bigard, Edmond Hall, Jack Taegerdon, Jesmiah Burt, Trummy Young, Arvell Shaw, Billy Kyle, Marty Napoleon, Big Sid Catlett, Cozy Cole, Barrett Deems e Danny Barcelona.
Em 1964 ele atingiu o maior recorde de vendas, ultrapassando ainda as suas antigas gravações com "Hello, Dolly!". A música ficou em primeiro lugar nos Top 10, fazendo com que Armstrong, com 63 anos de idade, a pessoa mais idosa a conseguir tal feito, destronando até os Beatles, que estavam, por 14 semanas seguintes, em 1º lugar.
Antes de morrer, em 1971, andou por todos os continentes, excepto a Oceânia e a Antárctica, em digressão, ganhando o nome de "Embaixador Satch".
Nos seus primeiros anos, Armstrong foi mais conhecido por tocar corneta e trompete. Também nos seus primeiros anos, a melhor e mais conhecida música foi os Hot Five e Hot Seven. Ainda hoje ele é conhecido por isso.
Resta dizer que Armstrong foi fortemente influenciado por Martin Luther King no tipo de músicas que ele tocava e nas letras, que eram algumas vezes acerca do racismo e da necessidade, da altura, de acabar com este.
Louis Armstrong morreu de ataque cardíaco em 6 de Julho de 1971 com a idade de 69 em Corona, Queens, Nova Iorque, 11 meses após tocar o seu último solo na Sala Imperial do Waldorf-Astoria. As suas últimas palavras foram: "I had my trumpet, I had a beautiful life, I had a family, I had Jazz. Now I am complete." ("Eu tive o meu trompete, uma vida linda, uma família, o Jazz. Agora estou completo."). Encontra-se sepultado no Cemitério Flushing, em Flushing, Nova York.

Discografia

1923: King Oliver’s Creole Jazz Band
1924-1925: Clarence Williams’ Blue Five
1925-1927: Louis Armstrong & His Hot 5/Louis Armstrong & His Hot 7
1947: Satchmo at Symphony Hall
1951: Satchmo at Passadena
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy
1955: Louis Armstrong at the Crescendo
1956: Ella & Louis
1957: Ella & Louis Again (Porgy and Bess)
1961: Together for the First Time
1963: Hello, Dolly!
1997: The Complete Ella & Louis on Verve
1998: Here comes Louis! (compilação)

Filmografia

1930- Ex-Flame
1932- Black and Blue
1932- I’ll Be Glad When You’re Dead
1936- Pennies From Heaven
1937- Artists & Models
1937- Every Day Is a Holiday
1938- Dr. Rhythm
1943- Going Places
1943- Cabin in the Sky
1944- Show Business at War
1944- Jam Session
1944- Atlantic City
1945- Pillow to Post
1947- New Orleans
1948- A Song Is Born
1950- Young Man with a Horn
1950- I am in the Revue
1951- The Strip
1952- Glory Alley
1953- The Road to Happiness
1953- The Glenn Miller Story
1956- High Society
1957- Roses Are For Ladies
1958- Satchmo, the Great (documentário)
1959- The Night Before the Premiere
1959- The Five Pennies
1959- The Beat Generation
1959- La Paloma
1959- Koerlighedens Melodi
1960- Jazz on a Summer’s Day
1961- Paris Blues
1961- Auf Wiedersehen
1965- When the Boys Meet the Girls
1969- Hello, Dolly!

"MUDDY WATERS"

2011-08-21T10:13:00.006-03:00

McKinley Morganfield ou Muddy Waters (4 de abril de 1915 - Condado de Issaquena, Mississippi – 30 de abril de 1983 - Westmont, Illinois) foi um músico de blues norte-americano, considerado o pai do Chicago blues. Atribui-se a Muddy Waters a ideia de invenção da guitarra elétrica.
O nome artístico (em português, Águas Lamacentas) ele ganhou devido ao costume de quando criança brincar em um rio. Seu primeiro instrumento foi a Harmónica, que aprendeu a tocar aos 13 anos, tocava nas esquinas por trocados e comida junto com um amigo. Enquanto ainda jovem, viu Charley Patton e Son House tocarem, Son House inclusive foi uma grande influência, ele mostrou a Muddy como tocar guitarra slide com uma garrafa de vidro, o que o levou a trocar de instrumento aos 17 anos.
Ele mudaria-se mais tarde de Mississipi para Chicago, Illinois, onde trocou o violão pela guitarra elétrica. Sua popularidade começou a crescer entre os músicos negros, e isso o permitiu passar a se apresentar em clubes de grande movimento. A técnica de Waters é fortemente característica devido a seu uso da braçadeira na guitarra. Suas primeiras gravações pela Chess Records apresentavam Waters na guitarra e vocais apoiado por um violoncelo. Posteriormente, ele adicionaria uma seção rítmica e a gaita de Little Walter, inventando a formação clássica de Chicago Blues.
Com sua voz profunda, rica, uma personalidade carismática e o apoio de excelentes músicos, Waters rapidamente tornou-se a figura mais famosa do Chicago Blues. Até mesmo B. B. King referiria-se a ele mais tarde como o "Chefe de Chicago". Suas bandas eram um "quem é quem" dos músicos de Chicago Blues: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Willie Dixon, Otis Spann, Pinetop Perkins, Buddy Guy, e muitos outros.
As gravações de Waters do final dos anos 1950 e começo dos 60 foram particularmente suas melhores. Muitas das canções tocadas por ele tornaram-se sucesso: I’ve Got My Mojo Working, Hoochie Coochie Man, She’s Nineteen Years Old e Rolling and Tumbling, grandes clássicos que ganhariam versões de várias bandas dos estilos mais diversos.
Sua influência foi enorme em muitos gêneros musicais: blues, rhythm and blues, rock, folk, country. Foi Waters quem ajudou Chuck Berry a conseguir seu primeiro contrato.
Suas turnês pela Inglaterra no começo dos anos 1960 marcaram provavelmente a primeira vez que uma banda pesada, amplificada, se apresentou por ali (certo crítico sentiu-se obrigado a sair de um show para escrever sua análise por achar que a banda tocava muito alto). As canções de Waters inclusive exerceram grande influência nas bandas britânicas. O grupo Rolling Stones tirou seu nome de Rollin’ Stone, de 1950, mais conhecida como "Catfish Blues". Um dos maiores sucessos do grupo Led Zeppelin, Whole Lotta Love, foi baseado em You Need Love, composta por Willie Dixon . Foi Dixon quem compôs algumas das canções mais conhecidas de Muddy Waters, como I Just Want to Make Love to You, Hoochie Coochie Man e I’m Ready.
No final da década de 70 sua carreira renasceu ao fazer uma parceria com Johnny Winter que rendeu seus últimos quatro discos pela gravadora "Blue Sky". Nas gravações do último deles, "King Bee" (1981), a banda que na época era composta pelos guitarristas Sammy Lawhorn, Bob Margolin e Luther Johnson, pianista Pinetop Perkins, gaitista Jerry Portnoy, baixista Calvin "Fuzz" Jones e o baterista Willie "Big Eyes" Smith, estava se dissolvendo, e Muddy mostrava sinais de cansaço, todos continuaram grandes amigos, mas não conseguiram gravar material suficiente para terminar o álbum. Johnny Winter então completou com gravações não lançadas de antigas sessões da banda. A última apresentação de Muddy foi na Flórida no outono de 1982 com a banda de Eric Clapton.
Em 30 de abril de 1983 Muddy Waters morreu vítima de Insuficiência cardíaca enquanto dormia na sua casa em Westmont, Illinois. Foi enterrado no "Restvale Cemetery" em Alsip, Illinois. A cidade de Chicago e o subúrbio de Westmont homenageram Muddy colocando seu nome em vias públicas.
Entre outras canções com as quais Waters tornou-se conhecido estão Long Distance Call, Mannish Boy e o hino do rock/blues I’ve Got My Mojo Working.
Um pouco da história de Muddy Waters e da Chess Records foi retratada no filme Caddilac Records de 2008.
Muddy Waters foi induzido ao "Blues Hall of Fame" em 1980 e ao "Rock and Roll Hall of Fame" em 1987.

Discografia

1941 - Stovall's Plantation
1941 - First Recording Sessions 1941-1946
1948 - I can't be satisfied
1950 - Rolling Stone
1953 - Baby Please don't go
1954 - (I'm Your) Hoochie Coochie Man
1955 - Mannish Boy
1956 - Got My Mojo Working
1956 - Louisiana Blues
1956 - Mississippi Blues
1960 - At Newport
1960 - Muddy Watersy sings Big Bill Broonzy
1963 - Folk Festival of the Blues
1964 - The best of Muddy Waters
1964 - Folk Singer
1964 - Muddy Waters
1965 - Live Recordings 1965-1973
1965 - Muddy Waters with Little Walter
1965 - The Real Folk Blues
1966 - Down on Stovall's Plantation
1966 - Muddy Waters: The Blues Man
1966 - Muddy, Brass and Blues
1967 - Blues from Big Bill's Copacabana
1967 - Muddy Brass & the Blues
1967 - More Real Folk Blues
1967 - Super Blues (Muddy Waters, Bo Diddley, Little Walter)
1967 - The Super Super Blues Band (Muddy Waters, Bo Diddley, Howlin' Wolf)
1968 - Electric Mud
1969 - After the Rain
1969 - Fathers and Sons
1969 - Sail on
1970 - Vintage Mud
1970 - Back in the Good Old Days
1970 - Good News
1970 - Goin'Home: Live in Paris 1970
1970 - They call me Muddy Waters 1
1971 - They call me Muddy Waters 2
1971 - Live at Mister Kelly's
1977 - Hard Again
1978 - I'm Ready
1979 - Muddy "Mississippi" Waters
1981 - King Bee

"NAT KING COLE"

2011-07-10T08:18:00.004-03:00

Nat King Cole, nome artístico de Nathaniel Adams Coles, (Montegomery, 17 de março de 1919 — Santa Mônica, 15 de fevereiro de 1965) foi um cantor e músico de jazz norte-americano, pai da cantora Natalie Cole. O apelido de "King Cole" veio de uma popular cantiga de roda inglesa conhecida como Old King Cole.
Sua voz marcante imortalizou várias canções, como: Mona Lisa, Stardust, Unforgettable, Nature Boy, Christmas Song, "Quizás, Quizás, Quizás", entre outras, algumas das quais nas línguas espanhola e portuguesa.
Suas músicas românticas tinham um toque especial junto a sua voz associada ao piano, tornando-o assim um artista de grande sucesso.
Sua então revolucionária formação piano, guitarra e baixo ao tempo das big bands tornou-se popular para trios de jazz.
Nat King Cole aprendeu a tocar piano na igreja onde seu pai era pastor. Desde criança ele esteve ligado à música, tocando junto ao coral da mesma igreja. Cole lutou contra o racismo durante toda a sua vida, sempre recusando-se a cantar em platéias com segregação racial
Por ter um hábito de fumar diariamente três maços de cigarro, o cantor morreu vítima de câncer. Um de seus últimos trabalhos foi no filme Cat Ballou, onde canta a balada da personagem título, interpretada por Jane Fonda.
Seu pai, Don Edward Coles, era açougueiro e diácono da Igreja Batista. Sua família mudou-se para Chicago quando Nat ainda era criança. Lá, o pai tornou-se pastor e a mãe, Perlina Adams, ficou encarregada de tocar o órgão da igreja. Foi a única professora de piano que Nat teve em toda sua vida. Aprendeu tanto jazz como música gospel, sem esquecer a música clássica.

Seu primeiro sucesso como cantor foi a gravação em 1943 pela Capitol Records de "Straighten Up and Fly Right" baseada num conto popular negro que seu havia usado como tema para um sermão. Vendeu mais de 500 mil cópias. Embora Cole nunca viesse a ser considerado um roqueiro, a canção pode ser vista como antecipando os as primeiras gravações de rock. De fato, Bo Didley, que fez semelhantes transformações de materiais folclóricos creditava Cole como uma influência.
Em 5 de novembro de 1956, The Nat King Cole Show estreou na NBC-TV. Foi o primeiro programa deste tipo comandado por um afro-americano, causando controvérsia na época. Ficou no ar por um ano e pouco, mas teve de ser encerrado, por iniciativa do próprio Nat King Cole, por não ter conseguido nenhum patrocínio de âmbito nacional.

Cole lutou contra o racismo toda sua vida e raramente apresentou-se em lugares segregacionistas. Em 1956 foi atacado no palco durante um show em Birmingham, Alabama, enquanto cantava "Little Girl", por três membros do North Alabama White Citizens Council que aparentemente tentavam sequestrá-lo. Os três agressores avançaram pelos corredores da plateia. Embora a segurança tenha rapidamente acabado com a invasão, Cole foi derrubado de seu banco e machucou as costas. Ele não acabou o show e nunca mais se apresentou no Sul dos EUA. Os agressores foram julgados e condenados.
Em 1948 comprou uma casa em um condomínio só de brancos nos arredores de Los Angeles. A KKK ateou fogo em uma cruz em frente à sua casa. O conselho do condomínio disse-lhe que não queriam indesejáveis mudando-se para lá. Ele concordou e disse "Eu também não, se eu vir alguém indesejável mudando-se, serei o primeiro a reclamar".
Em 1956 foi contratado para se apresentar em Cuba e quis ficar no Hotel Nacional de Cuba, mas não lhe foi permitido porque tinham restrição (color bar) para negros. Cole honrou seu contrato e seu show no Tropicana foi um grande sucesso. No ano seguinte voltou a Cuba para outro show, cantando várias músicas em espanhol. Hoje existe um tributo a ele na forma de um busto e uma jukebox no Hotel Nacional.

Filmografia

Citizen Kane (1941)
Here Comes Elmer (1943)
Pistol Packin' Mama (1943)
Pin Up Girl (1944)
Stars on Parade (1944)
Swing in the Saddle (1944)
See My Lawyer (1945)
Breakfast in Hollywood (1946)
Killer Diller (1948)
Make Believe Ballroom (1949)
The Blue Gardenia (1953)
Small Town Girl (1953)
Rock 'n' Roll Revue (1955)
Rhythm and Blues Revue (1955)
Basin Street Revue (1956)
The Scarlet Hour (1956)
Istanbul (1957)
China Gate (1957)
St. Louis Blues (1958)
Night of the Quarter Moon (1959)
Schlager-Raketen (1960)
Cat Ballou (1965)

"THE SKYLINERS"

2011-05-21T23:46:00.005-03:00

Grupo vocal de Pittsburgh, Estados Unidos, surgiu em meados dos anos 50, composto por Jimmy Beaumont, Jackie Taylor e Wally Lester, que, originalmente formavam o grupo Crescents, além de Joe VerScharen e Janet Vogel, também provenientes de outro grupo, El Rios. Seu grande sucesso “Since I Don’t Have You”, balada de 1959 foi regravada nos anos 90 pela banda Guns n' roses e,está entre os maiores clássicos do R&B de todos os tempos.

"MICKEY & SYLVIA"

2011-04-03T09:41:00.004-03:00

Mickey & Sylvia foram uma dupla de R&B composta por Mickey “Guitar” Baker e Sylvia Vanderpool Robinson.
Mickey era professor de música e Sylvia uma de suas alunas.
Ele se inpirou a formar um grupo depois do sucesso de Les Paul & Mary Ford.
Chegaram aos 20 mais com o hit “love is Strange” em 1957.
O disco chegou á 1 milhão de cópias e ganhou o disco de ouro.
A dupla comprou um clube noturno e estabeleceram uma compahia e
fundaram sua propria gravadora. Continuaram a gravar juntos até 1965.
Mickey teve sucesso como músico e Sylvia ainda gravou o hit “Pilow Talk” em 1973.

"PAT BOONE"

2011-03-13T23:09:00.002-03:00

Nascido em Jacksonville, Florida, Pat Boone costuma dizer que é um descendente direto do pioneiro americano Daniel Boone. Em Nashville, Tennessee, freqüentou a David Lipscomb College e começou a gravar em 1954 pela gravadora Republic Records.
Sua versão de “Ain’t That a Shame” de Fats Domino, em 1955, foi um grande sucesso. Esta foi a marca do início de sua carreira, focada na regravação de canções de Rythm’n’Blues (originalmente interpretadas por artistas negros)
para o público branco.

Seis dos sucessos de Boone eram versões de Rhythm’n’Blues: “Ain’t That a Shame” de Fats Domino, “Tutti Frutti” e “Long Tall Sally” de Little Richard, e “At My Front Door (Crazy Little Mama)” do grupo El Dorados. As outras duas versões de R&B era “baladas blues”: “I Almost Lost My Mind” de Ivory Joe Hunter e “Chains of Love”, um sucesso de Big Joe Turner e, depois, de B.B. King que foram compostas por Ahmet Ertegün. A partir de 1957, Boone concentrou-se “musica de meio de estrada”. Apesar disso, continuaria a gravar canções de R&B (como “Two Little Kisses,” uma versão “não-alcoólica de “One Mint Julep”) e (suas versões de The Capris’ song e “There’s a Moon Out Tonight”.
Em 2003, Pat Boone foi recebido no GMA Gospel Music Hall of Fame

"BOBBY VEE"

2011-02-13T21:19:00.003-02:00

Bobby Vee (Robert Thomas Velline) nasceu em 30 de abril de 1943 em , Fargo, Dakota do Norte, estados Unidos.
Cantor de música pop, teve 38 de suas músicas entre as top100 da Billboard,
10 destas entre as top20.
Em 1959 a música “Take Good Care of My Baby” ficou em 1ro na lista da Billboard
e em 3ro na lista inglesa UK Singles Chart.

"BEN E.KING"

2011-01-29T23:42:00.005-02:00

Ben E. King (nascido Benjamin Earl Nelson em 30 de novembro de 1936, em Henderson, Carolina do Norte) mudou-se para o Harlem, em New York, com a idade de 9 anos. Começou como cantor de soul no ínicio dos anos sessenta. Em 1958, Ben Nelson juntou-se a um grupo de “doo wop” chamado “The Five Crowns”. Mais tarde, naquele ano, o agente do “The Drifters” despediu todos os membros e trocou-os pelo pessoal do”The Five Crowns”. Nelson ajudou a escrever “There Goes My Baby”, o primeiro sucesso dessa nova versão dos “The Drifters”. Também fez o vocal solo em “Save the Last Dance for Me”, uma canção escrita por Doc Pomus e Mort Shuman. Cantou, também, em “Dance With Me”, “This Magic Moment”, “I Count the Tears” e “Lonely Winds”. Ben E. King gravou dez canções com o “The Drifters”. Em 1960, deixou o “The Drifters” após não ter conseguido um aumento de salário. Neste ponto ele assumiu o nome de Ben E. King em preparação para a carreira solo. Permanecendo na Atlantic Records, King acertou em seu primeiro sucesso com estilo: a balada “Spanish Harlem” (1961). “Stand by Me” foi sua próxima gravação. Escrita por King junto com Jerry Leiber e Mike Stoller, “Stand by Me” foi votada com uma das Canções do Século pela “Recording Industry Association of America”. “Stand by Me” e “Spanish Harlem” foram nomeadas como duas das “500 Canções que Moldaram o Rock and Roll” pelo “The Rock and Roll Hall of Fame” e, ambas, ganharam um “Grammy Hall of Fame Award”. Seus outros clássicos são “Don’t Play That Song (You Lied)” (que foi regravada por Aretha Franklin), “Amor”, “Seven Letters”, “How Can I Forget”, “On the Horizon”, “Young Boy Blues”, e outras. As gravações de King continuaram indo bem até 1964. As bandas pop inglesas começaram a dominar o cenário musical, mas King continuou a fazer sucesso no “R&B”. No verão de 1963, Ben E. King colocou uma canção entre as 30 mais: a poderosa “I (Who Have Nothing)”, (essa até o Status Quo regravou). Outros sucessos foram: “What is Soul?” (1967), “Supernatural Thing, part 1” (1975), e a reedição, em 1986, de “Stand by Me,” que foi parte da trilha-sonora do filme com o mesmo nome, chamado, no Brasil, de “Conta Comigo” (filme baseado no conto “The Body” de Stephen King). Em 1998, gravou um álbum infantil intitulado “I Have Songs In My Pocket”, escrito e produzido por Bobby Susser, o qual ganhou um prêmio “Best Vacation Products Award For Children”. Em 2007, King apresentou “Stand By Me” no programa “Late Show with David Letterman”. Ahmet Ertegun disse que King tem uma das grandes vozes na história do Soul. Atualmente, King trabalha em sua fundação: a “Stand By Me Foundation”.

"THE MIRACLES"

2010-12-21T18:24:00.004-02:00

The Miracles (também conhecido com Smokey Robinson & the Miracles 1965 a 1972)
é um grupo norte-americano de R&B.
Fundando em Detroit, Michigan, os Miracles foram o primeiro grupo de sucesso produzido por Berry Gordy, dono da Motown Records, e um dos primeiros a assinar com a gravadora surgida no final da década de 1950. O grupo foi liderado por Smokey Robinson, que se tornou um mais bem-sucedidos compositores e produtores da história da música norte-americana.
Durante os seus dezenoves anos na ativa, os Miracles emplacaram cerca de 50 de suas gravações nas paradas musicais dos Estados Unidos - entre canções de doo wop, soul, R&B e disco. Foram 26 canções que atingiram a lista Top 10 R&B da Billboard, sendo quatro delas primeiros lugares. Dezesseis canções dos Miracles estiveram no Top 20 Pop, sete chegaram ao Top 10 Pop e duas - "The Tears of a Clown", em 1970, "Love Machine" (Parte 1) - alcançaram o topo da principal lista da Billboard.
Em 2004, a revista Rolling Stone ranqueou Smokey Robinson & the Miracles na #32 em sua lista The Immortals: 100 Greatest Artists of All Time.
A música "Overture" (1975) foi usada como tema de abertura e encerramento das transmissões esportivas da TV Record até o fim dos anos 70.

"DICK DALE"

2010-12-16T22:44:00.003-02:00

Dick Dale (Boston, 4 de maio de 1937), nome artístico de Richard Anthony Monsour,
é um guitarrista de surf rock.
Seu maior sucesso é a versão que fez da canção "Misirlou", presente na trilha sonora do filme Pulp Fiction e também na do jogo Guitar Hero II. O grupo Black Eyed Peas usou samples na música no hit Pump It. Ele atende por "The King of Surf Guitar". É considerado o vovô do Heavy Metal. Além do acima citado, Dick Dale, é também o indireto responsável pela existência dos cabeçotes de 100 Watts RMS e pela presença de uma unidade de reverb neles. E nada disso seria possível sem a fúria do que se conhece por "The Beast", a one-of-a-kind Stratocaster dourada de Dick Dale.
Dale criou a Surf Music nos anos 50. Tocava por farra, para sua turma de surfistas. Logo o ritmo tribal contagiante de sua música passou a atraír gente de 'outras praias'. A visível mania que se dava com mais de 400 pessoas se apertando no Rendezvous Ballroom na cidade de Balboa/Califórnia, passou a chamar a atenção. Eis que entra em cena Leo Fender. Leo, impressionado com o sucesso do jovem guitarrista, pediu que o garoto experimentasse uma de sua novas guitarras, a Stratocaster. Um amplificador Fender também foi no pacote. Dick aceitou a guitarra, virou-a de ponta cabeça e sem inverter a ordem das cordas tirou daquele instrumento um som que nunca ninguém havia escutado antes. Foi para o palco e da primeira noite em diante estourou nada menos do que 49 amplificadores Fender com seus respectivos falantes. Dale, em contato permanente com Leo Fender, explicou ao amigo 'patrocinador' que seus amplificadores não estavam dando conta. Ele precisava de algo que lhe permitisse mais volume, pois no Ballroom, se a guitarra não estivesse bem alta,
"o pessoal lá de trás não escuta." Leo Fender e Freddy T. resolveram ir até o Ballroom uma noite para ver o que acontecia, e no momento em que o show começou eles logo entenderam o que Dick Dale precisava. Pouco tempo depois, Leo Fender entregou ao jovem Dale um amplificador que trazia um transformador de 85 watts de saída, que alcançava um pico de 100 watts. O Showman. Dale e Fender foram até James B. Lansing da James B. Lansing Speaker Company e encomendaram um falante de 15 polegadas, Este falante acabou ficando conhecido mais tarde como 15 JBL -D130 speaker . O falante não aguentou muito tempo e eles voltaram a oficina de J.B.Lansing e pediram que ele emborrachasse o cume frontal do falante, permitindo que o mesmo se deslocasse para frente e para trás de acordo com o sinal da guitarra de Dale, eliminando assim os ruídos e distorções provocadas pela trepidação do falante. O novo modelo foi batizado JBL D-130F, com F de Fender. Com o novo falante, Leo resolveu que a solução seria uma caixa com 2 15 JBL D-130F, e não satisfeito desenvolveu um transformador de 100 watts e agora chegava a um pico de inacreditáveis 180 watts. Este era o Dual-Showman Piggy Back Amp. O primeiro de uma espécie.

The Fender Tank Reverb

Dick Dale costumava cantar em suas apresentações e vinha usando uma unidade de reverberação desenvolvida por Fender para esse propósito. Um belo dia, Dick resolveu plugar a Strato nessa unidade, o Fender Tank Reverb, e descobriu a América. - '. . .O som do mar !!!' Desta forma, Dale achou o seu som. E o reverb de mola passou a fazer parte do seu timbre, por assim dizer. O próximo passo de Leo Fender foi acoplar uma unidade de reverb no cabeçote do Dual-Showman. Novamente, o primeiro de uma espécie.

The Beast

Mas não podemos esquecer o fundamental. A guitarra. Ou melhor, The Beast. Dick Dale, obstinado pela potência do seu som, adotou a Fender Stratocaster como sua guitarra principal, mas logo percebeu que precisava de algo mais robusto, mais forte. Apaixonado pelo timbre de sua guitarra e em profunda fidelidade a seu amigo Leo Fender, Dick nem pensava em troca de instrumento. Dai passou a aumentar a tensão das cordas. De 0.10 foi para 0.11, 0.12, 0.13 e logo a bela Stratocaster dourada voltou para as sábias mãos de Leo Fender, que teve que reforçar o braço do instrumento para que o mesmo pudesse suportar uma tensão de .016, .018, .020, .038, .048, .058 . Outras diferenças fundamentais da guitarra é um switch 'tipo Gibson' para a mudança rápida de captadores e um controle de volume, apenas. A guitarra tem um selo colado atrás da ponte, um tigre chinês ou coisa parecida, presente de Elvis Presley. Para os mais entusiamados, a Fender lançou uma réplica cosméticamamente exata do modelo original de Dale. Lógicamente, a guitarra vem de fábrica encordoada em 0.9.
Dick Dale jamais usou outro equipamento senão a The Beast e seu Dual-Showman, ambos confeccionados pelas próprias mão de Leo Fender.

"JANIS MARTIN"

2010-12-04T18:39:00.004-02:00

Sem ainda completar dezesseis anos, Janis Martin chegou à gravadora RCA logo depois de Elvis, e trazida pelo mesmo Steve Sholes, que apostara sua carreira de produtor executivo na contratação do Rei do Rock & Roll. Sholes, ao receber uma fita demo com “Will You, Willyum”, logo contactou os compositores em Richmond, Virginia, de onde viera aquela pérola, para convidar a cantora para gravá-la pela RCA Victor.

Em 1956, na mesma sessão em que registrou “Will You, Willyum” para seu primeiro single, Janis gravou para o lado B, de sua autoria, “Drugstore Rock ‘n’ Roll”. A música, cujo refrão infalível é “Drugstore’s rockin’, rock-rock; couples are boppin’, bop-bop”, estourou nas típicas festas rockers da época em que esta temática, que flerta com o fútil mas tem boa poesia urbana, chegava à plena glória. O termo “drugstore” não se refere ao que conhecemos como farmácia, mas sim a uma mistura disso com loja de conveniência ou lanchonete, ou “o point”.

Nos dois lados do single, Janis mostra que canta com aquele não-sei-o-quê que caracteriza o melhor rockabilly. Em bom português, é bem o que se pode chamar de bossa.

Toda a melhor música, em termos de emoção, é feita de momentos. Os melhores cantores populares, por não serem exatos, também são feitos disso. As cantoras, que são melhores que os cantores, são crias de momentos intensos. Janis Martin foi escolhida para ser a primeira de nossas Mulheres que Cantam principalmente por trechos de “Drugstore Rock ‘n’ Roll”, que a jovem Janis escreveu aos quinze anos de idade. Já na introdução cantada, “Rock-bop-jump-thump…”, o drive contido na primeira nota inspiraria gerações de seguidoras em um maravilhoso mundinho underground (que hoje é mais forte que em qualquer época).

Janis Martin foi apelidada naquele ano “The Female Elvis” pela RCA, com permissão do próprio Rei. Nos anos seguintes ela gravou vários outros rocks fascinantes, com destaque para “Bang Bang”, de 1958.

Os dois lados do primeiro 45rpm de Janis Martin, do CD The Female Elvis: Complete Recordings, 1956-60, foi editado pela Bear Family, na Alemanha, com todas as gravações da primeira cantora de rockabilly.

"WANDA JACKSON"

2010-11-10T15:36:00.004-02:00

Wanda Lavonne Jackson é uma cantora americana de música country e rockabilly que teve sucesso durante os anos 50 e 60. Ela foi uma das primeiras mulheres cantora de rockabilly a ganhar popularidade durante os anos 50.
Jackson começou sua carreira profissional enquanto estava no colegial depois de ser descoberta por Hank Thompson em 1954. Desde então, ela conquistou uma longa carreira na música country e rockabilly. Diferente de Janis Martin que deixou a música após se casar, Jackson decidiu continuar trabalhando. Ela misturava música country com rockabilly. Como o rock’n roll começou a perder popularidade nos anos 60, ela partiu para a música country tendo como sucesso entre 1966 e 1973, including, “Tears Will Be the Chaser for Your Wine,” “The Box it Came in,” “My Big Iron Skillet,” e “Fancy Satin Pillows.”

"RICKY NELSON"

2010-11-06T13:48:00.003-02:00

Eric Hilliard “Ricky” Nelson, mais tarde conhecido como Rick Nelson,
nasceu em 8 de maio de 1940 e morreu em 31 de dezembro de 1985,
era um cantor, músico e ator.
Ele emplacou cinquenta e três canções na Billboard Hot 100 entre 1957 e 1973, incluindo dezenove hits entre os dez primeiros colocados.
Faleceu ao lado da amante Helen Blair e de outros membros de sua banda em um desastre aéreo em De Kalb, Texas, em 31 de dezembro de 1985.
Seu nome foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll em 21 de janeiro de 1987.

"THE SHADOWS"

2010-10-21T16:12:00.003-02:00

The Shadows foi uma banda de rock instrumental do britânica,
em atividade da década de 1950 até 2000, a banda inicialmente era a
anda de apoio de Cliff Richards, até Richards seguir em carreira solo.

Discografia

Singles

1959 "Feelin' Fine" (como The Drifters)
1959 "Jet Black" (como The Drifters)
1959 "Saturday Dance"
1960 "Apache"
1960 "Man of Mystery"
1961 "F.B.I."
1961 "The Frightened City"
1961 "Kon-Tiki"
1961 "The Savage"
1962 "Wonderful Land"
1962 "Guitar Tango"
1962 "Dance On!"
1963 "Foot Tapper"
1963 "Atlantis"
1963 "Shindig"
1963 "Geronimo"
1964 "Theme for Young Lovers"
1964 "The Rise and Fall of Flingel Bunt"
1964 "Rhythm and Greens"
1964 "Genie With the Light Brown Lamp"
1965 "Mary Anne"
1965 "Stingray"
1965 "Don't Make My Baby Blue"
1965 "The War Lord"
1966 "I Met a Girl"
1966 "A Place in the Sun"
1966 "The Dreams I Dream"
1967 "Maroc 7"
1975 "Let Me Be the One
1978 "Love Deluxe"
1978 "Don't Cry for Me Argentina"
1979 "Theme From The Deer Hunter"
1980 "Riders In the Sky"
1980 "Equinoxe Part V"
1981 "The Third Man"

Albuns

1961 The Shadows
1962 Out of The Shadows
1963 Greatest Hits (coletânea)
1964 Dance With The Shadows
1965 The Sound of The Shadows
1965 More Hits! (coletânea)
1966 Shadow Music
1967 Jigsaw
1967 From Hank Bruce Brian and John
1968 Established 1958 (com Cliff Richard)
1970 Shades of Rock
1973 Rockin' With Curly Leads
1975 Specs Appeal
1975 Live at the Paris Olympia
1977 20 Golden Greats (coletânea)
1977 Tasty
1979 String of Hits
1980 Another String of Hot Hits (coletânea)
1980 Change of Address
1981 Hits Right Up Your Street
1982 Life In The Jungle/Live at Abbey Road
1983 XXV
1984 Guardian Angel
1986 Moonlight Shadows
1987 Simply Shadows
1989 Steppin' To The Shadows
1989 At Their Very Best
1990 Reflection
1993 Shadows In The Night - 16 Classic Tracks (coletânea)
1994 The Best of Hank Marvin and The Shadows (coletânea)
1997 The Shadows play Andrew Lloyd Webber and Tim Rice
1997 The Very Best of The Shadows - The First 40 Years (coletânea)
1998 50 Golden Greats (coletânea)
2004 Life Story (coletânea)
2004 The Final Tour

"NEIL SEDAKA"

2010-10-02T00:53:00.003-03:00

Nascido em 13 de março de 1939 no Brooklyn, New York, Estados Unidos.
Em 1956, montou sua primeira banda na escola chamada
“The Tokens”. Sedaka, já estudava piano desde os oito anos de
idade e desde 1952, mantinha o hábito de compor canções.
Nunca atingindo grande sucesso, por volta de 1958, o produtor de discos, Morty Craft, escolheu uma canção de Sedaka,a imortal “Stupid Cupid”,
para que a rainha da época do rock n’ roll, Connie Francis,
gravasse. Sucesso mundial.
Desde então, só acumulou sucessos como “Oh! Carol!” e “Solitaire”.
Neil compôs para grandes artistas, como, Carpenters, Carol King,
The Monkees, entre outros.
Neil Sedaka continua atuando até hoje.

"DANNY & THE JUNIOR'S'

2010-09-24T01:06:00.002-03:00

O conjunto Danny & The Juniors é composto originalmente por Frank Maffei,
Danny Rapp, Joe Terranova e Dave White. Sua carreira começou cedo:
no início dos anos 50, com idades entre 13 e 14 anos,
cantavam juntos na Filadélfia, onde eram fãs das rádios locais de rhythm and blues. E foi através delas que ouviram as primeiras músicas de um ritmo então novo:
o Rock and Roll.
Nessa época, eram chamados The Juvenaires, e decidiram rapidamente que queriam fazer parte deste novo movimento. Começaram, então, a apresentar-se com canções novas no estilo, assim como com as canções do repertório antigo,
em festas de escolas, bailes de formatura, clubes locais e restaurantes.

Procurando jovens talentos do rock, as gravadoras não demoraram a encontrá-los. Nesta época, o grupo ganhou o nome que leva até hoje - Danny & The Juniors - e gravou uma de suas músicas originais, At The Hop.
A música tornou-se rapidamente um sucesso em todo o mundo, alcançando o 1º lugar nos rankings de música pop, country e rhythm and blues. Ainda hoje, sustenta o título de 23º gravação mais importante de todos os tempos segundo a lista da Billboard Magazine de sucessos que ocuparam o primeiro lugar nas paradas. Em seguida, estouraram com outro sucesso, Rock And Roll Is Here To Stay, que se tornou o hino de toda uma geração, junto com Twistin’ USA e Pony Express. Seus últimos álbuns são de 1992, pela MCA, e 1997 - Danny And The Juniors - Classic Golden Greats.

Mais cedo, em 1958, Dick Clark presenteou Danny And The Juniors com um disco de ouro por At The Hop no American Bandstand, o primeiro de muitos prêmios que eles receberiam durante a carreira, incluindo Melhor novo grupo de 1957 e o prestigiado Philadelphia Music Alliance Achievement Award, mais recentemente.

Com o sucesso de At The Hop, Danny And The Juniors começaram a sair em turnê com outras jovens estrelas fudnadoras do cenário americano de Rock and Roll como Fats Domino, Chuck Berry, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis e The Platters, no famoso show Alan Freed Big Beat, assim como fazer aparições nos mais badalados clubes, feiras e salões, em todo o mundo.

Chegando à quinta década de performances, o Danny And The Juniors apareceram em três filmes, e suas canções foram incluídas em muitos outros. Danny And The Juniors foram entrevistados por publicações conhecidas como as revistas Life, Billboard, Cashbox e Teen. Ainda hoje o grupo faz aparições em muitos eventos, como convenções teatros, clubes, cassinos, feiras e festivais.

Discografia

1. At The Hop/Sometimes - 1957 - ABC 9871
2. Rock And Roll Is Here To Stay/School Boy Romance - 1958 - ABC 9898
3. Dottie/ In The Meantime - 1958 - ABC 9953
4. A Thief/Crazy Cave - 1958 - ABC 9953
5. Sassy Fran/ I Feel So Lonely - 1958 - ABC 9978
6. Do You Love Me/Somehow I Can’t Forget - 1959 - ABC 10004
7. Twistin’ USA/A Thousand Miles Away - 1960 - Swan 4060
8. O Holy Night/Candy Cane Sugary Plum - 1960 - Swan 4064
9. Pony Express/Daydreamer - 1961 - Swan 4068
10. Cha Cha Go Go (Chicago Cha Cha)/Mr. Whisper - 1961 - Swan 4072
11. Back To The Hop/Charleston Fish - 1961 - Swan 4082
12. Twistin’ All Night Long - 1962 - Swan 4092
13. Oo-La-La-Limbo/Now And Then - 1962 - Guyden 2076
14. Rock And Roll Is Here To Stay (With Terry Gore) (Forevermore Records 1997)
15. Stranger On The Shore (Forevermore Records /2000)
16. House On Fire (Forever Records 2006)

"BUDDY GUY"

2010-09-20T16:11:00.003-03:00

Buddy Guy (nascido George Guy, em 30 de julho de 1936 em Lettsworth, Louisiana)
é um guitarrista e cantor norte-americano de blues e rock.
Conhecido por servir de inspiração para Jimi Hendrix e outras lendas dos anos 60, Guy é considerado um importante expoente do chamado Chicago blues,
tornado famoso por Muddy Waters e Howlin' Wolf.

Tinha cinco irmãos e seus pais eram Sam e Isabel Guy.
Cresceu sob os conflitos da segregação racial onde banheiros, restaurantes e assentos de ônibus eram separados para brancos e negros. Com sete anos de idade Buddy fez a sua primeira “guitarra”, um pedaço de madeira com duas cordas amarradas com os grampos de cabelo de sua mãe. Com ela passava o tempo nas plantações e desenvolvia as suas “técnicas” musicais. Depois ele ganhou a sua primeira guitarra de “verdade”, um violão acústico Harmony que hoje se encontra no Hall da Fama do Rock and Roll, em Cleveland, nos EUA. Em 1955, com 19 anos, Buddy trabalhava na Universidade Estadual da Louisiana. Nunca havia saído do estado quando em 1957 um amigo seu que era cozinheiro em Chicago foi visitá-lo e disse que ele precisava ir para Chicago tocar sua guitarra de noite e trabalhar de dia. Guy se interessou pela proposta financeira, pois poderia ganhar em torno de 70 dólares por semana e quem sabe sair de noite para ver os mestres Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Little Walter e de “quebra”, ainda aprender alguma coisa para tocar sua guitarra em casa. Em 25 de setembro de 1957 Buddy saiu de Lettsworth e chegou em Chicago. O choque foi grande, saindo do ambiente rural e chegando na metrópole totalmente urbana. Buddy arrumou um emprego e após alguns meses conseguiu uma audiência no 708 Club. Naquela noite chegou ao clube, em um Chevrolet vermelho, nada menos que Muddy Waters. Buddy foi servir sanduíche de salame para ele que perguntou se ele estava com fome. Buddy respondeu que, se ele era Muddy Waters, não estava mais com fome, encontrá-lo o alimentou. Guy começou a tocar em bares de Chicago e seu estilo foi bem aceito. Ele começou a chamar atenção. Gostava de tocar como B.B. King e atuar no palco como Magic Slim. Resolveu, então, enviar uma fita para a gravadora Chess Records, selo tradicional do blues que contava com artistas como Willie Dixon, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Little Walter e Koko Taylor. Em 1960 começou a fazer as guitarras das gravações destes grandes mestres da Chess. Era sempre o primeiro guitarrista a ser chamado pela gravadora.

Carreira

Mas Buddy não estava satisfeito, pois fazia apenas o acompanhamento. Ele queria mais, queria fazer suas próprias composições. Em 1967 gravou I Left My Blues em San Francisco, pela Chess Records. Em 1968 foi para a Vanguard Records e gravou dois álbuns clássicos: A Man and His Blues e Hold That Plane. A partir desta época seu estilo agressivo e selvagem de tocar, além de seu vocal rasgante, começaram a chamar a atenção de músicos do rock, principalmente os ingleses. Eric Clapton disse em 2005 que Buddy Guy foi para ele o que Elvis Presley foi para muitos outros.

Em 1970 Buddy inicia uma parceria com o gaitista Junior Wells e lança o disco Buddy and the Juniors. Em 1972 sai Buddy Guy and Junior Wells Play the Blues, disco produzido por Eric Clapton, Tom Dowd e Ahmet Ertegum. Que pode ser considerado um dos melhores álbuns de Buddy, com clássicos do blues e composições próprias, num som límpido, simples e cru.

Em 1974 Guy se associa ao baixista dos Rolling Stones, Bill Wyman, que produz e toca no álbum ao vivo chamado Drinkin’ TNT ‘n’ Somkin’ Dynamite.

Até quase o final dos anos 80 sua carreira declinou e só voltou a decolar a partir de 1989 quando Buddy abriu o clube “Buddy Guy Legends”, em Chicago, considerado o lugar preferido da maioria dos artistas de blues para se apresentar. Em 1990 – 1991 Guy tocou junto com Eric Clapton no Royal Albert Hall, em Londres, num show somente de guitarristas. Esta participação lhe proporcionou um contrato com a Silvertone Records, onde ele gravou diversos álbuns, mas o primeiro foi Damn Right, I’ve got The Blues, de 1991, que contava com a participação especial de Eric Clapton, Jeff Beck e Mark Knopfler. O disco obteve um sucesso incomum para a cena do blues: ganhou disco de ouro, vendeu 500.000 cópias e também ganhou o Grammy.

Dois anos depois, em 1993, gravou Feels Like Rain e em 1994 Slippin’ in, ganhando o Grammy com os dois discos. O sucesso havia retornado com força. Foi um trabalho de persistência, como disse Buddy: “tinha colocado na minha cabeça que precisava continuar tocando, porque eu sentia que não tinha tido a chance de me expressar com minha guitarra e minha voz. Poucos haviam me ouvido, mas continuei tocando até que a chance veio com ‘Damn right, I’ve got the blues’ e aí estourei! Acho que alguém me ouviu, lá em cima!”

E assim veio em 1996 o disco ao vivo Live: The Real Deal, em 1998 Heavy Love, em 2001, Sweet Tea, onde Buddy retornou ao blues de raiz, em 2003 Blues Singer e por último, em 2005, Bring ‘Em in, onde Guy contou com a participação de Carlos Santana e John Mayer.

Música

Enquanto a música de Buddy Guy é freqüentemente associada ao blues de Chicago, seu estilo é único e inconfundível. Sua música pode variar desde o mais tradicional e profundo blues, à mais criativa, imprevisível e radical agregação entre blues, rock moderno e jazz livre, que se juntam a cada performance ao vivo de maneira inédita.

Em 2004, Jon Pareles, crítico de música pop do New York Times, escreveu: "Mr. Guy, 68, mistura anarquia, virtuosismo, blues denso e suas vertentes de uma maneira única, prendendo a si todas as atenções da audiência (...) Guy adora extremos: mudanças repentinas entre sons pesados e leves, ou um doce solo de guitarra seguido por um surto de velocidade, ou peso, improvisando idas e vindas com a voz... Seja cantando com doçura ou raiva, seja trazendo novas entonações a uma nota de blues, ele é um mestre da tensão e do relaxamento, e sua concentração e dedicação são hiponotizantes."

Alguns fãs de blues e críticos musicais acreditam que a discografia de Guy no período de 1960 a 1967 agrupa a melhor parte de seu trabalho. Algumas das novidades apresentadas por Buddy durante suas primeiras apresentações ao vivo foram capturadas pelos álbuns do "American Folk Blues Festival". Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page admiravam o lado mais radical de suas músicas, no início dos anos 60.

Suas músicas foram regravadas por Led Zeppelin, Eric Clapton, Rolling Stones, Stevie Ray Vaughan, John Mayall, Jack Bruce, entre outros. Algumas de suas primeiras canções foram “roubadas” por Willie Dixon e pelas primeiras gravadoras por onde Guy passou. Além disso, Guy talvez seja mais conhecido por suas interpretações criativas sobre os trabalhos de outros músicos. Fãs de blues mais tradicionais parecem apreciar os seguintes álbuns: The Very Best of Buddy Guy, Blues Singer, Junior Wells' Hoodoo Man Blues, A Man & The Blues e I Was Walking Through the Woods.

Os fãs mais contemporâneos parecem preferir Slippin’ In, Sweet Tea, Stone Crazy, Buddy's Baddest: The Best of Buddy Guy, Damn Right, I’ve Got the Blues, e D.J. Play My Blues. Uma performance ao vivo pode ser assistida no vídeo Live! The Real Deal e ele ainda está presente nos seguintes DVDs: Lightning In a Bottle, Crossroads Guitar Festival, Eric Clapton: 24 Nights, Festival Express, e A Tribute to Stevie Ray Vaughan.

Discografia

1965 Hoodoo Man Blues – Delmark (w/ Junior Wells band)
1966 Chicago/The Blues/Today! vol. 1 – Vanguard (w/ Junior Wells band)
1967 I Left My Blues in San Francisco – Chess
1968 A Man and the Blues – Vanguard
1968This Is Buddy Guy (live) – Vanguard
1970 Buddy and the Juniors – MCA (w/ Junior Mance & Junior Wells)
1972 Play The Blues - Rhino
1974 I Was Walking Through the Woods – Chess (rec. 1960–64)
1977 Live at Montreaux – Evidence (w/ Junior Wells)
1979 Live at the Checkerboard Lounge, Chicago-1979 - JSP Records
1981 Stone Crazy – Alligator
1982 Drinkin' TNT 'n' Smokin' Dynamite (live) – Blind Pig (rec. 1974 Montreax Jazz Fest.)
1983 Buddy Guy – Chess
1990 Royal Albert Hall - Buddy Guy & Eric Clapton
1991 Alone & Acoustic – Alligator (rec. 1981 w/ Junior Wells)
1991 Damn Right, I've Got the Blues – Silvertone/BMG
1991 Buddy's Baddest: The Best of Buddy Guy – Silvertone
1992 The Very Best of Buddy Guy – Rhino/WEA
1992 The Complete Chess Studio Recordings – Chess (2 CD, 1960–67)
1993 Feels Like Rain – Silvertone
1994 Slippin' In – Silvertone
1996 Live: The Real Deal – Silvertone
1997 Buddy's Blues – Chess "Chess Masters"
1998 As Good As It Gets – Vanguard
1998 Heavy Love – Silvertone
1998 Last Time Around - Live at Legends – Jive
2001 Sweet Tea – Silvertone
2003 Blues Singer – Silvertone
2003 Chicago Blues Festival 1964 (live) – Stardust
2005 Bring 'Em In (Buddy Guy album) – Jive
2006 Can't Quit The Blues:Box Set – Silvertone/Legacy Recordings
2008 Skin Deep

"BO DIDDLEY"

2010-09-20T16:06:00.004-03:00

Bo Diddley (McComb, Mississippi, 30 de dezembro de 1928 — Archer,
Flórida, 2 de junho de 2008), foi um influente cantor,
compositor e guitarrista de blues norte-americano.
Batizado de Ellas Otha Bates, ele mais tarde mudaria seu nome para Ellas McDaniel devido à sua mãe adotiva, Gussie McDaniel. Entretanto ele usa o nome artístico Bo Diddley, provavelmente um jargão dos negros do sul dos Estados Unidos que significa "nada por enquanto". Outra fonte diz que este era seu apelido quando de sua carreira como boxeador.

Diddley ganhou a primeira guitarra de sua irmã ainda na juventude (na mesma época, frequentava aulas de violino). Sua principal influência para se tornar um artista de blues veio de John Lee Hooker.

Ele é mais conhecido pela "batida Bo Diddley", uma batida meio rumba feita usando-se a clave. Esta batida seria usada por vários outros artistas, incluindo Johnny Otis e sua "Willie and the Hand Jive" e Buddy Holly em "Not Fade Away", assim como canções mais obscuras como "In Love Again", de Gene Vincent e "Callin' All Cows" dos Blues Rockers.

O ritmo é tão importante na música de Bo Diddley que a harmonia é frequentemente reduzida a uma inclusão mínima. Suas canções (por exemplo, "Hey Bo Diddley" e "Who Do You Love?") na maioria não apresentam mudanças de acorde; isto é, elas não foram compostas com claves musicais, e o músico tem de cantar e tocar no mesmo acorde durante todo o tempo.

Vários artistas gravariam suas versões das canções de Diddley através dos anos. Os Animals gravaram "The Story of Bo Diddley", os Yardbirds "I'm a Man" e tanto os Woolies quanto George Thorogood alcançaram sucesso com "Who Do You Love", também a favorita dos The Doors.

Bo Diddley usa uma variedade de outros estilos entretanto, do back beat ao pop, frequentemente com o uso das maracas de Jerome Green. Ele foi também um influente guitarrista, com vários efeitos especiais e outras inovações no tom e no ataque. Ele também toca violino e violoncelo; este último é o destaque de sua triste instrumental "The Clock Strikes Twelve".

Embora Diddley tenha alcançado sucesso de público, ele raramente direcionava suas composições para o público adolescente. A exceção mais notável é provavelmente o álbum Bo Diddley's a Surfer, que apresentava a canção "Surfer's Love Call". Apesar de nunca ter subido numa prancha, Bo excerceu uma influência definitiva nos guitarristas de surf rock.

Em complemento às várias músicas lançadas por ele, Diddley escreveu o pioneiro sucesso pop "Love is Strange" para a dupla Mickey Baker e Sylvia Vanderpool (sob um pseudônimo, para aumentar seus royalties).

Doença e morte

Em 17 de maio de 2007, foi anunciado a internação de Didley no Creighton University Medical Center em Omaha, Nebraska, depois de um derrame durante uma apresentação em Council Bluffs, Iowa, em 13 de maio. Ele já apresentava um histórico de hipertensão e diabetes, e exames indicaram que o derrame afetou o lado esquerdo de seu cérebro, compromentendo a fala e compreensão.

Em agosto de 2007, Diddley sofreu um incidente cardíaco enquanto se submetia a um check-up médico e foi internado em um hospital da Flórida.

Diddley veio a falecer em 2 de junho de 2008, aos 79 anos, em sua casa na Flórida, vítima de insuficiência cardíaca.

Discografia

Bo Diddley (1958)
Go Bo Diddley (1959)
Have Guitar Will Travel (1960)
Bo Diddley in the Spotlight (1960)
Bo Diddley Is a Gunslinger (1960)
Bo Diddley Is a Lover (1961)
Bo Diddley's a Twister (1962)
Bo Diddley (1962)
Bo Diddley & Company (1962)
Surfin' with Bo Diddley (1963)
Bo Diddley's Beach Party (1963)
Bo Diddley's 16 All-Time Greatest Hits (1964)
Two Great Guitars (+ Chuck Berry) (1964)
Hey Good Lookin' (1965)
500% More Man (1965)
The Originator (1966)
Super Blues (+ Muddy Waters & Little Walter) (1967)
Super Super Blues Band (+ Muddy Waters & Howlin' Wolf) (1967)
The Black Gladiator (1970)
Another Dimension (1971)
Where It All Began (1972)
Got My Own Bag of Tricks (1972)
The London Bo Diddley Sessions (1973)
Big Bad Bo (1974)
20th Anniversary of Rock & Roll (1976)
I'm a Man (1977)
Ain't It Good To Be Free (1983)
Bo Diddley & Co - Live (1985)
Hey… Bo Diddley in Concert (1986)
Breakin' Through the BS (1989)
Living Legend (1989)
Rare & Well Done (1991)
Live at the Ritz (+ Ronnie Wood) (1992)
This Should Not Be (1993)
Promises (1994)
A Man Amongst Men (1996)
Moochas Gracias (+ Anna Moo) (2002)

"THE QUARRYMEN"

2010-09-20T00:13:00.003-03:00

The Quarrymen (às vezes escrito como The Quarry Men) foi um grupo de Skiffle
e Rock and Roll formado em Liverpool em 1957 por John Lennon com vários amigos da escola onde estudava. Foi a banda que deu origem aos The Beatles.
O nome do grupo foi inspirado na escola Quarry Bank High School ,
onde John Lennon e a maioria dos integrantes estudavam.

" THE FOUR TOPS "

2010-09-01T23:31:00.002-03:00

Formado em 1954 por Levi Stubbs, Lawrence Payton, Renaldo Benson e Abdul ODuke ÕFakir todos nascidos e criados em Detroit, Michigan, Estados Unidos,
"The Four Tops" foi o único grupo da época de ouro da gravadora Motown a permanecer na ativa e com sucesso. É o único quarteto vocal a permanecer unido com a mesma formação por 40 anos. The Four Tops foi uma das poucas Bandas americanas a
ficar em 1.ºlugar nas paradas nos anos 60,
por causa do grande sucesso da banda inglesa The Beatles.
Stubbs nasceu em 1936 em Detroit e estudou no Pershing High School, onde ele começou a cantar com Fakir. Eles conheceram Payton e Benson quando cantavam na festa de aniversário de um amigo em comum, e então decidiram formar o grupo. Os Four Tops começaram a cantar juntos em 1953 sob o nome de Four Aims e assinaram um contrato com a Chess Records. Mais tarde, mudaram o nome para Four Tops para evitarem ser confundidos com os Ames Brothers.
Também gravaram para outros selos, como Red Top, Riverside e Columbia Records e fizeram turnês tocando em clubes noturnos.

Hits

Os Four Tops foram contratados pela Motown Records em 1963 e produziram 20 hits que chegaram ao Top 40 da Billboard ao longo de 10 anos, marcando a história da música ao lado de outros artistas na Motown de Berry Gordy. Seu primeiro single foi "Baby, I Need Your Loving" (1964), que iniciou uma série de grandes hits compostos pelo time de Brian Holland, Lamond Dozier e Eddie Holland até 1967.
Entre 1964 e 1967 eles tiveram seus maiores hits, com o apoio do time de compositors e produtores formado por Brian Holland, Lamont Dozier e Eddie Holland. Tanto “I can’t help myself” (1965) quanto “Reach out” (1966)
chegaram ao primeiro lugar das paradas.
Outros sucessos incluem “Shake Me, Wake Me" (1966), "Bernadette" e "Standing in the Shadows of Love" (ambos de 1967),"I Can't Help Myself" (1965), "It's The Same Old Song" (1965),"Standing in the Shadows of Love" (1966), "Bernadette" (1967),
e aquele que talvez seja seu maior sucesso: "Reach Out I'll Be There" (1966).
Eles continuaram realizando turnês durante as décadas seguintes, e em 1988 voltaram às paradas com “Indestructible”, pela Arista Records. Em 1986, Stubbs dublou a voz de Audrey II, a planta devoradora de gente do filme “Pequena Loja de Horrores”.
Em 1982, o álbum "One More Mountain" marcou o vigésimo oitavo aniversário do grupo.

Hall of Fame

O grupo entrou para o Rock and Roll Hall of Fame em 1990, e tem uma estrela na Calçada da Fama em Hollywood.
“Eles são quatro das maiores pessoas que eu já conheci. Eles já eram profissionais mesmo antes de entrarem para a Motown”, disse o presidente do selo, Berry Gordy, quando a estrela do grupo foi inaugurada na Calçada da Fama.
O primeiro óbito dos Four Tops foi em 1997, com a morte Lawrence Payton devido a um câncer no fígado. Renaldo “Obie” Benson morreu devido a um câncer de pulmão em 2005 e Levi Stubbs morreu em 17/10/08.Só um membro da formação original dos Four Tops permanece vivo: Abdul “Duke” Fakir.

"RONNIE HAWKINS"

2010-08-08T23:40:00.004-03:00

Ronald "Ronnie" Hawkins (10 de janeiro de 1935) é um músico estadunidense de rock and roll. Conhecido como "Rompin' Ronnin" Hawkins ou "The Hawk", ele foi uma das figuras-chave do cenário de rock em Toronto, Canadá, no final dos anos 60. Seus singles de maior sucesso são "Forty Days" e "Mary Lou", que tiveram grande impacto quando de seu lançamento em 1959.
Hawkins é lembrado também por seu papel não-intencional de caça-talentos, tendo um participação fundamental no estabelecimento de bandas de apoio de destaque, sendo a mais bem-sucedida formada a partir de seu grupo The Hawks. Depois de mudar-se para Ontario, todos os integrantes deixaram a banda, com exceção do baterista Levon Helm; eles foram substituídos por quatro músicos canadenses que eventualmente seguiram carreira própria com Helm, servindo como banda de apoio de Bob Dylan em meados dos anos 60 e eventualmente adotando o nome The Band. Outros músicos recrutados por Hawkins juntariam-se à formação dos grupos Robbie Lane & The Disciples e a Full Tilt Boogie Band de Janis Joplin.

Discografia

1959 Ronnie Hawkins
1960 Mr. Dynamo
1961 Sings the Songs of Hank Williams
1963 The Best
1964 Mojo Man
1970 The Best
1970 Ronnie Hawkins
1971 The Hawk
1972 Rock and Roll Resurrection
1974 Giant of Rock'n Roll
1977 Rockin'
1979 The Hawk
1981 A Legend in His Spare Time
1982 The Hawk and Rock
1984 Making It Again
1987 Hello Again ... Mary Lou
1995 Let It Rock
2002 Still Cruisin'

"MAYNARD FERGUSON"

2010-07-31T00:08:00.003-03:00

Walter "Maynard" Ferguson (Verdun, 4 de maio de 1928 — 23 de agosto de 2006)
foi um trompetista canadense.
Encorajado por seus pais músicos, Maynard começou a aprender música aos quatro anos de idade. Maynard começou sua carreira aos treze anos, como solista da Canadian Broadcasting Co. Orchestra.
Ferguson tocou com alguns dos maiores nomes do jazz, tais como Count Basie, Charlie Barnett, Jimmy Dorsey, Stan Kenton, Duke Ellington e Dizzy Gillespie.
Depois de formar a sua própria orquestra em 1945, lançou mais de sessenta discos. Ficou famoso pelos seus solos e pela habilidade em atingir notas altas.
É um dos maiores inovadores da tecnica musical no estilo Big Band, sendo referência e modelo a varios outros grupos de sua propria época e atuais. Pelos seus solos muito ousados e extensão instrumental extrema, MF é um dos maiores Band Leaders até hoje, e é também um dos nomes mais conhecidos no mundo do trompete popular.

Discografia

1953 - Jam Session Featuring Maynard Ferguson
1954 - Stratospheric
1954 - Dimensions
1954 - Maynard Ferguson's Hollywood Party
1955 - Maynard Ferguson Octet
1955 - Around the Horn
1956 - The Birdland Dream Band, Vol. 1
1956 - Maynard Ferguson and His Original Dreamband [live]
1957 - Boy with Lots of Brass
1957 - The Birdland Dream Band, Vol. 2
1958 - Swingin' My Way through College
1958 - A Message from Newport
1959 - Jazz for Dancing
1960 - Newport Suite
1960 - Maynard '61
1960 - Two's Company
1960 - Let's Face the Music and Dance
1961 - "Straightaway" Jazz Themes
1962 - Maynard '62
1962 - Maynard '63
1962 - Message from Maynard
1964 - Come Blow Your Horn
1964 - Color Him Wild
1964 - Blues Roar
1964 - The New Sound of Maynard Ferguson
1965 - The World of Maynard Ferguson
1965 - Maynard Ferguson Sextet
1965 - Six by Six: Maynard Ferguson and Sextet
1966 - Ridin' High
1967 - Sextet 1967 [live]
1967 - Orchestra 1967 [live]
1967 - Trumpet Rhapsody
1970 - MF Horn 1
1971 - Magnitude
1972 - MF Horn 2
1973 - MF Horn 3
1973 - MF Horn 4 and 5: Live at Jimmy's
1974 - Chameleon
1976 - Primal Scream
1977 - Conquistador
1977 - New Vintage
1978 - Carnival
1979 - Hot
1980 - It's My Time
1982 - Hollywood
1983 - Storm
1984 - Live from San Francisco
1986 - Body and Soul
1987 - High Voltage, Vol. 1
1988 - High Voltage, Vol. 2
1988 - Big Bop Nouveau
1992 - Footpath Cafe
1993 - Dues
1993 - Live from London
1994 - Live at Peacock Lane Hollywood 1957
1994 - Live at the Great American Music Hall, Part 1
1994 - These Cats Can Swing
1995 - Live at the Great American Music Hall, Part 2
1996 - One More Trip to Birdland
1998 - Brass Attitude
2003 - Jam Session
2004 - Live at Peacock Lane 1956
2005 - Maynard Ferguson
2006 - MF Horn 6: Live at Ronnie's

" HOWLIN WOLF "

2010-07-24T23:42:00.002-03:00

Chester Arthur Burnett (10 de junho de 1910 – White Station, Mississippi
10 de janeiro de 1976 Hines, Illinois)
mais conhecido como Howlin' Wolf foi um importante cantor, compositor e guitarrista de blues.Era conhecido assim pois na maioria de suas músicas ele usava do artifício de "Uivar" durante a música. Eric clapton era um de seus "seguiidores",
basta ouvir a canção "Strange Brew" e comparar com o sola da música
"Highway 49", pois é identico nota-a-nota.
Fez muito sucesso na década de 50 tocando eletric blues,chicago blues.

" FRANK SINATRA "

2010-07-14T21:37:00.003-03:00

Francis Albert Sinatra (Hoboken, Nova Jersey, 12 de Dezembro de 1915 — Los Angeles, 14 de maio de 1998) foi um cantor e actor americano, tornando-se um dos maiores fenômenos musicais do nosso século ao lado de Elvis Presley.

Foi casado com as actrizes Ava Gardner e Mia Farrow. Possui duas estrelas na Calçada da Fama, uma por seu trabalho no cinema e outra por seu trabalho na TV americana. É considerado o maior cantor do século XX. Teve três filhos: Nancy Sinatra, Frank Sinatra Jr., e Tina Sinatra.
Iniciou sua carreira em 1939, passando logo para as big bands de Harry James e Tommy Dorsey, de quem conseguiu se separar somente após rumoroso atrito, relatado em parte em “The Godfather” (dizem que o personagem Johnny Fontaine foi baseado em Sinatra).
Sem quaisquer tipo de aulas formal, Sinatra desenvolveu um estilo altamente sofisticado. Sua habilidade em criar uma longa e fluente linha musical sem pausas para respiração (recursos vocais normalmente encontrados em ópera), sua manipulação de frases (apenas encontradas em Billie Holiday e Mabel Mercer), fê-lo chegar bem mais longe que qualquer outro cantor pop.
Era apreciadíssimo por músicos de jazz, pois cantava com divisões magníficas e altamente sofisticadas. Por conta disso, gravou com Louis Armstrong, Count Basie e Duke Ellington, e sesu duetos com Ella Fitzgerald - em shows de TV - são lendários.
Sinatra apareceu em mais de cinquenta filmes, entre eles: “Anchors Aweigh” (1945), “On The Town” (1949), ambos ao lado de Gene Kelly, “From Here To Eternity” (1953), com o qual ganhou o Oscar, “The Man With The Golden Arm” e “High Society” (ambos de 1956), “The Manchurian Candidate” (1962) e “The First Deadly Sin” (1980). Fez parte do chamado Rat Pack, grupo de artistas muito ativo entre meados da década de 1950 e 1960, composto por Sammy Davis, Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine e outros.
Teve seu próprio show de TV durante vários anos e nos anos 90 continuou na ativa em concertos e gravações, onde lançou uma série de duetos, inclusive via satélite, utilizando recursos da mais moderna tecnologia.
The Voice (a voz) ou The Old Blue Eyes (os velhos olhos azuis), como também era conhecido, certamente ainda irá influenciar muitas gerações.

" LOUIS JORDAN "

2010-07-08T23:35:00.004-03:00

Louis Jordan (8 de julho de 1908 - 4 de fevereiro de 1975)
foi um pioneiro americano de jazz, blues e rhythm & blues.
Músico, compositor e líder de banda que teve uma enorme popularidade desde o final dos anos 1930 ao início dos anos 1950. Conhecido como "O Rei da Jukebox",
vendeu mais de 4 milhões de singles. A revista Rolling Stone classificou-o 59#
na sua lista das 100 maiores artistas de todos os tempos,
entrando em 21 janeiro de 1987 no Rock n’ Roll Hall of Fame e em 2005 no
Arkansas Black Hall Fame.

Louis Jordan foi um dos mais bem sucedidos músicos Afro-americanos do século XX, eles está no quinto lugar na lista dos artistas negros mais bem sucedios já gravados de acordo com a revista Billboard. Embora os valores totais de vendas não estejam disponíveis, ele conseguiu pelo menos 4 milhões de vendas durante sua carreira. Ele constantemente chegava ao topo das paradas R&B raciais, na época da segregação das radios americanas e foi um dos primeiros artistas negros a conseguir uma popularidade significativa nas paradas brancas, chegando a ocupar todas as dez primeiras posições simultâneamente. Depois de Duke Ellington e Count Basie, Louis Jordan foi provavelmente o mais popular e bem sucedido líder de banda negro de sua época.
Jordan era um cantor talentoso e com apelo cómico e comandou sua própria banda por mais de vinte anos. Ele fez duetos com alguns dos maiores cantores solo de sua época, como Bing Crosby, Ella Fitzgerald e Louis Armstrong. Jordan também era um ator e uma grande celebridade de filmes raciais, ele apareceu em vários "soundies" (Uma das primeiras formas de video clipes), fez várias aparições em longas metragens e curtas, e estrelou dois Filmes musicais feitos especialmente para ele. Ele foi um instrumentista especializado em Saxofone alto, más tocou todas as formas de instrumentos, comopiano e clarinete. Foi um compositor produtivo, muitas das música escritas por ele ou co-escritas se tornaram clássico influentes da música do século XX.

Embora Jordan tivesse começado sua carreira em uma Big Band de swing jazz na década de 30, ele se tornou famoso como um dos principais profissionais, inovadores e divulgadores do "jump blues", um movimento híbrido de uma mistura de jazz, blues e boogie de meados dos anos 1940. Normalmente de 5 integrantes, com uma união rítmica do piano, baixo e bateria (depois utilizada também a guitarra elétrica), Jordan também foi pioneiro na utilização de órgões elétricos.

Com sua dinâmica banda Tympany Five, Jordan definiu os principais parâmetros do clássico R&B, do urban blues e do início do rock'n'roll com uma série de disco de 78 rotações lançados pela Decca Records. Essas gravações preveriam muitos dos estilos que seriam populares nas décadas de 1950 e 1960, e exerceram uma enorme influência em muitos artistas desse géneros. Muitos de seus álbuns foram produzidos por Milt Gabler, que passou a aperfeiçoar e desenvolver as qualidades das gravações de Jordan em suas produções futuras com Bill Haley, incluindo "Rock Around The Clock".

Infância e começo de carreira

Louis Thomas Jordan nasceu em Brinkley, Arkansas, onde seu pai, James Aaron Jordan, foi um professor de música local e ‘’bandleader’’ da Brinkley Brass Band e Rabbit Foot Minstrel. Sua mãe, Adell, Louis morreu quando Jordan era ainda muito jovem.
Estudou música com o seu pai, começando a tocar clarinete com apenas 7 anos.
Na sua juventude tocou com seu pai em bandas ao invés de fazer trabalhos agrícolas na escola. Jordan também tocou piano profissionalmente no início de sua carreira, más foi o saxofone alto que se tornou seu principal instrumento. No entanto, ele ficou mais conhecido como compositor e vocalista.
Jordan cursou a faculdade no Colégio Batista em Arkansas se formando em música. Após um período, com o Rabbit Foot Mintrels,tocou, com uma banda formada por seus colegas chamada Leon "Pee Wee" Whittaker, e com bandas locais, incluindo Bob Alexander's Harmony Kings,indo para norte, em seguida, para Filadélfia e Nova York. Em 1932, Jordan começou a tocar com a banda de Clarence Williams, e quando chegou na Filadélfia,tocou clarinete na banda Charlie Gaines.
No final de 1936, foi convidado a participar da influente orquestra do Savoy Ballroom liderada pelo baterista Chick Webb. Essa que era reconhecida como uma das melhores big bands daquele tempo, que derrotavam todos os desafiantes em competições de improvisação. Ele trabalhou com Webb até 1938, o que provou ser um passo vital para sua carreira. Webb (que era deficiente físico) foi um bom músico, mas não um grande "showman", Jordan com seu carisma e talento, fez com que o público exigisse que ele se torna-se o novo leader da banda. Na mesma época a jovem Ella Fitzgerald estava começando a se destacar como vocalista feminina da banda, ela e Jordan fazem duetos várias vezes nos palco e mais tarde repetiriam a parceria em algumas gravações na época que já eram artistas conhecidos.
Em 1938, Jordan foi demitido por Webb por tentar convencer Fitzgerald e outros músicos para participarem de sua nova banda. Nessa época Webb já estava gravemente doente de uma tuberculose espinhal, e acabou morrendo logo após em uma operação na medula espinhal em 16 de junho de 1939 com 30 anos. Depois de sua morte, Ella Fitzgerald assumiu a banda.

Carreira Solo

A primeira banda de Jordan, feita principalmente de membros da banda Jesse Stone, foi originalmente com nove integrantes, acabou ficando somente com Jordan (sax, vocais), Courtney Williams (trompete), Lem Johnson (saxofone), Clarence Johnson (piano), Charlie Drayton (baixo) e Walter Martin (bateria). Foi essa formação que assinou com a gravadora inglesa Decca Records em 20 de Dezembro de 1938. Embora este grupo tenha sido chamado de "The Elks Rendezvous Band", Jordan posteriormente mudou o nome para "The Tympany Five" devido ao fato de muitas vezes utilizar os tambores Martin tympany nas gravações(A palavra "tympany" é também um antiquado coloquial termo que significa "inchado, inflado ou "Tímpano", mas historicamente separadas)
As diferentes formações do Tympany Five (que muitas vezes teve dois ou três integrantes extras) incluiu Bill Jennings e Carl Hogan na guitarra, renomado pianista-arranjador Wild Bill Davis, Bill Doggett, "Shadown" Wilson, Chris Columbus nos tambores e Dallas Bartley no baixo. Jordan tocou saxofone alto, saxofone tenor e barítono e foi a voz principal na maioria das músicas.
Sua próxima gravação, em Março de 1939,gravaram músicas como "Keep A-Knockin" (originalmente gravado em 1920 e mais tarde regravado pelo Little Richard), e Doug the Jitterbug.Lem Johnson posteriormente deixou o grupo e foi substituído por Simon Stafford., em Dezembro de 1939 e Janeiro de 1940 foi produzido mais dois clássicos, "You’re My Meat " e "You Run Your Mouth and I'll Run My Business". Outros membros que passaram pela banda durante 1940 e 1941 incluídos Tenorist Kenneth ocos (que gravou com a Billie Holiday); trompetista Freddie Webster (da banda Earl Hines) foi parte do nascente variedade de jazz em cena no Minton's Playhouse no Harlem, tendo influenciado músicos como Kenny Dorham, Miles Davis e John Coltrane.

Em 1941, Jordan assinou com a agência Geral Artists Corporation, que designou Berle Adams como o agente do Jordan. Adams garantiu um show em Chicago's Capitol Lounge, apoiando o Mills Brothers, revelando-se um importante avanço para a banda. O Capitol Lounge também fornece um notável sucesso para Jordan. Durante este contrato, o grupo foi pago pelo padrão do sindicato ganhando US$70 por semana, US$35 para o Jordan e resto para dividir entra a banda.Somente sete anos mais tarde, ele bateria esse recorde na temporada no Teatro Golden Gate em San Francisco em 1948, ganhando mais de US$70.000 em apenas duas semanas.
Durante este período o baixista Henry Turner foi despedido e substituído por Dallas Bartley. Isto foi seguido por mais um importante contrato no Fox Head Tavern em Cedar Rapids, Iowa. No ambiente de trabalho mais flexível de Cedar Rapids, longe dos principais centros, a banda foi capaz de desenvolver o aspecto inovador do seu repertório e performance. Jordan mais tarde indentificou seu trabalho no Fox Head Tavern como o ponto de mudança na sua carreira, e foi também aí que ele descobriu várias canções que se tornaram alguns dos seus primeiros sucessos, incluindo
"If It's Love You Want, Baby", "Ration Blues" e " Inflation Blues ".
Em Abril de 1941,Decca se dividiu em vários selos, cada selo com uma especialidade.A banda se transferiu para Serpia Séries,que era formada por músicos que conseguiam alcançar tanto o público branco quanto negro, se juntando a nomes como Delta Rhythm Boys, Nat King Cole Trio, Buddy Johnson e Jay McShann Band.

No final de 1941, o grupo regressou a Nova Iorque.A formação tinha mudado para Jordan, Bartley, Martin, o trompetista Eddie Roane e o pianista Thomas Arnold. Nas gravações de Novembro do mesmo ano, foram feitos grandes sucessos de Jordan como "I'm Gonna Move to the Outskirts of Town" e "Knock me a kiss", este último se tornou um importante jukebox, más não chegou as paradas.
Em Julho de 1942, enfrentou uma ação judicial por parte da Federação Americana dos Músicos', declarando ter direito aos royalties para cada single vendido. Isso levou Jordan e muitos músicos de jazz a ficarem um ano fora dos estúdios,impedindo o movimento Bebop em seu auge. De volta, Jordan atingi o 2º lugar na Billboard's Harlem Hit Parade com o hit "I'm Gonna Leave You on the Outskirts of Town", uma resposta para si mesmo indicando novos tempos. Seu próximo sucesso "Gonna Get Drunk Again" chegou ao topo do Harlem Hit Parade, em Dezembro de 1942.
O seu próximo grande sucesso foi "Five Guys Named Moe", solidificando o ritmo dançante inspirado no R&B se tornando sua marca registrada.Esta mesma música que inspirou o nome de um longa-metragem e uma peça da Broadway anos depois, uma homenagem a Jordan.
Em finais 1942, Jordan e sua banda mudara-se para Los Angeles, trabalhando em grandes eventos,e fazendo algumas escalas em San diego. Foi em LA que Jordan começou a fazer "soundies", os primeiros precursores dos modernos video clipes. Decca foi uma das primeiras marcas a chegar a um acordo com a união dos músicos, e Jordan retornou as gravações em outubro de 1943.

Os Anos 40

Na década de 1940,Jordan escreveu e compôs dezenas de canções,como "Saturday Night Fish Fry", que é indiscutivelmente uma das primeiras gravações a incluir todos os elementos básicos do rock 'n' roll clássico (obviamente, exercendo uma influência direta sobre o trabalho posterior de Bill Haley), e é certamente uma das primeiras(se não a primeira) canções populares amplamente a utilizar a palavra "rocking", e de uma característica inovadora, e mais tarde básica para o rock 'n' roll, de distorção e riffs para guitarra elétrica.Outros sucessos povoaram a lista de mais vendidos também,como "Blue Light Boogie", o cômico clássico "Ain't Nobody Here but Us Chickens", "Buzz Me", "Choo Choo Ch'Boogie" e etc…
O seu maior sucesso foi "Caldonia", com os seus gritos energéticos,contaminava sua a banda e o público,aquém diga que Jordan cantava rápido o refrão "What make you ass so hot" (o que torna seu traseiro tão quente),ao invés de dizer "What Makes your Big Head so hard" (o que torna sua grande cabeça tão dura) sendo uma maneira de driblar a grande censura da época. Era comum temas picantes nas músicas de Jordan,e para escapar da sociedade conservadora dos anos 40, disfarçava muito bem como na música "Show me how to Milk the cow" (Me ensine como tirar o leite da vaca). Muddy Waters também gravou uma versão de "Caldonia".

O Rei do Jukebox

De 1942-1950,foi um período de segregação no rádio. Apesar disto Jordan foi capaz de chegar ao topo das paradas crossover (nome dado para hits populares que atingem o público de negros e brancos),com a música "is you is or is you ain’t my baby" em 1944, graças em grande parte ao seu desempenho no filme da Universal Pictures "Follow the boys". Dois anos depois, a MGM teve seu personagem Tom cantando "is you is or is you ain’t my" no famoso desenho "Tom & Jerry" em um curta chamado "Solid Serenade".
Neste período Jordan dominou o cenário musical,chegou dezoito vezes em 1 lugar das paradas de sucesso e mais 54 vezes esteve nessa lista.
Jordan estrelou em uma série de curtas metragens musicais chamados "soundies"(concebidos para utilização em áudio-visual em jukeboxes), sendo um dos precursores do vídeo-clip.

Declinio de popularidade e morte

Em 1951, Jordan formou por pouco tempo uma big band que incluia músicos como Pee Wee Moore e outros, porém nessa época as Big Band estavam saindo de moda começando assim seu declínio comercial, mesmo voltando ao formato de sua antiga banda o Tympany Five depois de um ano. Na metade da década de 50, os álbuns de Jordan já não vendiam tão bem quanto antes e ele começou a trocar de gravadoras. Passando para Mercury Records, Jordan atualizou sua música para o rock 'n' roll da época com músicas como "Let the Good Times Roll" e "Salt Pork, West Virginia" que não entraram nas paradas. Após isso, no entanto, a popularidade da Jordan diminuiu e ele continuou gravando disco somente para um número pequeno de entusiastas. Ele raramente gravou algo após a década de 60.

Em outubro de 1974, Jordan sofre um ataque cardíaco em uma apresentação em Sparks,Nevada.Logo após em 4 de fevereiro de 1975, Jordan morre aos 77 anos por seu segundo ataque cardíaco em Los Angeles, Califórnia. Ele está enterrado no cemitério Mount Olive em St. Louis, Missouri, a cidade natal de sua esposa Martha.

Casamentos

Acredita-se que Jordan tenha sido casado cinco vezes.Sua primeira esposa se chamava Julia ou Julie, más em 1932 ele já estava casado com a cantora e dançarina texana Ida Fields. Após o divórcio com Fields, ele casou com sua namorada de infância Fleecie Moore em 1942. O casamento foi problemático e de curta duração. Em duas ocasiões, Moore esfaqueou Jordan após discussões em casa, quase matando-o na segunda vez. Embora ele tenha escrito quase todas as suas músicas, ele não se beneficiou muito financeiramente delas, pois Jordan botou o nome de Moore como co-compositora em alguns dos seus sucessos como "Caledônia" e "Let's Good Times Roll", com isto evitava um acordo de publicação já existente.Após o divórcio, Moore reivindicou sua parte nos direitos autorais. Em 1951, casou-se com a dançarina Vicky Hayes, separando-se em 1960 e casando pela última vez com a cantora e também dançarina Martha Weaver em 1966.

Influência na musica popular

Jordan é um dos vários artistas negros que são constantemente creditados como os criadores do rock and roll,ou pelo menos por contribuir para sua criação. Ele foi maior expoente do jump blues no pós-guerra, um dos protótipos do rock and roll, e ele preparoU o caminho para artistas como Roy Brown, Wynonie Harris, Tiny Bradshaw e outros. E também influenciou fortemente Bill Haley & His Comets, cujo o seu produtor Milt Gabler também já havia trabalhado com Jordan e tentou incorporar o estilo de Jordan na música de Haley. Como homenagem Haley também regravou várias músicas de Jordan, como "Choo Choo Ch'Boogie" (no qual Gabler co-escreveu) e "Caldonia."
Entre os maiores fãs da Jordan estão Little Richard e Chuck Berry. Berry claramente inspirou sua abordagem musical na de Jordan, mudando as letras que falavam da vida cotidiana dos afro-americanos para a vida adolescente, e substituindo a temática de carros e garotas para a de Jordan que era: comida, bebidas, dinheiro e garotas. O guitarrista de Jordan, Carl Hogan, foi uma influencia direta no estilo de Berry, como pode ser ouvido no sucesso de 1946 "Ain't That Just Like A Woman"; O solo de uma única nota de Hogan na abertura da música foi plagiado praticamente nota por nota no seu icónico riff na abertura de "Johnny B. Goode".Jordan foi também uma influencia óbvia e fundamental no artista britânico de jump blues Ray Ellington, no qual ficou famoso com sua aparição no The Goon Show.
James Brown também citou especificamente Jordan como uma grande influência por causa de seu talento multi-facetado. No documentário de 2002 "Lenny Henry Hunts The Funk" Brown diz que Jordan o influenciou de todas as maneiras.

O estilo vocal de Jordan foi um importante percursor do rap.
Faixas como, "Look Out" e "Saturday Night Fish Fry" eram cantadas de uma forma rimada e falada, semelhante ao rap atual.

Filmografia

Além de cantar em muitos filmes, e aparecer em "Meet Miss Bobby Sox" e "Follow the Boys" ambos de 1944, Jordan estrelou vários filmes e fez 17 "soundies".

Estrelando Jordan

1945-Caledonia
1946-Look out Sister
1947-Reet,Petite and Gone
1948-Beware

Aparições em Filmes

1929-After Seven
1944-Follow The Boy
1944-Meet Miss Bobby Socks
1946-Swing Parede of 1946
1946-Ton & Jerry,episódio Solid Serenade"

Documentário

Louis Jordan and The Timpany Five

" JOHNNY OTIS "

2010-07-03T21:49:00.002-03:00

Johnny Otis (John Veliotes, nascido em 28 de dezembro de 1921 em Vallejo, Califórnia) é um músico norte-americano de blues e rhythm and blues,
além de baterista, pianista, vibrafonista, cantor, líder de banda e empresário.
Foi um dos mais importantes personagens brancos da história do rhythm & blues.
Depois de tocar em orquestras de swing, ele fundou sua própria banda em 1945.
Com esse grupo, viajou em turnê extensiva pelos Estados Unidos como a
"California Rhythm and Blues Caravan"
("Caravana do Rhythm and Blues da Califórnia"),
emplacando vários sucessos em 1952.

Como produtor musical ele descobriu vários artistas, tornando-se também um influente disc jockey em Los Angeles. Mas ele continuou a tocar,
obtendo grande êxito em 1958 com "Willie and the Hand Jive",
que se tornaria sua canção mais conhecida.
Nos anos 60 Otis entrou para o jornalismo e depois para a política,
não sendo muito bem-sucedido. Ele continuou a tocar nos anos 80,
embora seus inúmeros projetos paralelos tenham-no mantido afastado dos palcos
por bastante tempo.
Ele foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll em 1994.

" MEMPHIS SLIM "

2010-06-25T20:56:00.003-03:00

Memphis Slim (Memphis, 3 de Setembro de 1915 - Paris, 24 de Fevereiro de 1988)
foi um pianista de blues, cantor e compositor.
Liderou várias bandas de jump blues, que incluíam saxofone,
baixo, bateria e piano. A sua música, Every Day I Have the Blues,
tornou-se um standard dos blues.

" MEADE LUX LEWIS "

2010-06-20T00:20:00.002-03:00

Meade Lux Lewis (Setembro de 1905 - 7 de junho de 1964)
foi um pianista e compositor norte-americano, conhecido por seu trabalho no estilo boogie-woogie. Sua obra mais conhecida, "Honky Tonk Train Blues",
foi gravado em vários contextos, muitas vezes em um arranjo para big band.
As primeiras gravações desta obra por outros artistas que que não Lewis incluem performances de Adrian Rollini, Frankie Trumbauer, a cravista Sylvia Marlowe,
o organista George Wright (com o baterista Cozy Cole, sob o título "Órgão Boogie")
e Bob Zurke com a orquestra de Bob Crosby. Keith Emerson do Emerson, Lake & Palmer, muitas vezes a incluiu em seu programa.

" SANTO & JOHNNY "

2010-06-15T21:27:00.009-03:00

Santo & Johnny foi uma dupla Ítalo-americana de rock and roll do Brooklyn,
assim sendo os irmãos Santo & johnny Farina. Eles são mais conhecidos pelo seu instrumental Sleep Walk que, foi um sucesso chegando ao 1# nas paradas do pop quando lançado nacionalmente. A sleep walk foi uma novidade para o rock'n'roll,
sendo pioneira para o gênero popularizando a guitarra havaiana, ou seja, Santo com a guitarra havaiana e Johnny com a guitarra elétrica.
O clássico foi lançado em 1958, ano do fortalecimento, definição e início da maior popularização do rock instrumental e influenciou praticamente todas as bandas de rock do fim dos anos 50 e da década de 60.

SLEEPWALK - 1959

" FATS DOMINO "

2010-04-17T21:37:00.001-03:00

Fats Domino (26 de fevereiro de 1928 - Nova Orleans, Louisiana) é um dos mais importantes cantores, compositores e pianistas do rock e R&B em todos os tempos. Seu nome completo de batismo é Antoine Dominique Domino.

" BING CROSBY "

2010-04-17T21:31:00.002-03:00

Bing Crosby (3 de maio de 1903, Tacoma, Washington, EUA - 14 de outubro de 1977, Madri, Espanha) foi um cantor e ator norte-americano, vítima de um ataque cardíaco quando jogava golfe. É considerado um dos maiores cantores populares do século XX.
Nascido Harry Lillis Crosby, o apelido de Bing foi dado por ele mesmo inspirado na personagem Bingo. Abandonou a carreira de Direito para tocar bateria e cantar. Montou um trio e percorreu os Estados Unidos de uma costa a outra no final da década de 1920.
Em 1930 apareceu pela primeira vez no cinema partipando do primeiro filme sonoro,
"O Rei do Jazz". Sua primeira gravação solo foi logo depois, em 1931 com
"I Surrender Dear". A partir daí assinou contrato com rádios e gravou mais de 300 músicas até o final da década de 50, se transformando no cantor mais popular dos Estados Unidos nas décadas de 30 e 40.
No cinema, Bing Crosby formou famosa dupla cômica com Bob Hope nos anos 40. Brilhou em "Fuzarca a Bordo", "A Sedução do Marrocos", "O Bom Pastor", que lhe deu o Oscar de melhor ator em 1944, "Os Sinos de Santa Maria", "A Caminho do Rio", "Anjos e Piratas", "Natal Branco", "Amar é Sofrer", que lhe valeu outras indicações ao prêmio em 1954, "High Society" (br.:Alta Sociedade), "Dizem que é Amor", "Robin Hood de Chicago" e "A Última Diligência".
Bing imortalizou a canção "White Christmas" e sua voz se transformou em sinônimo de Natal. Ele era também um hábil pescador e caçador, se casou duas vezes e teve sete filhos, três deles com a também atriz Kathryn Grant, sua segunda esposa.

" JOHNNY MATHIS "

2009-08-15T23:21:00.003-03:00

Johnny Royce Mathis nasceu em 30 de setembro de 1935 em Gilmor,Texas,filho de Clen e Mildred Mathis.Ainda criança sua família decidio mudar-se para San Francisco,e foi lá que aprendeu a gostar de música com seu pai,que comprou um velho piano por us
25,00 e o ensinou a primeira canção,”May Blue Heaver”.Isso ocorria quando Johnny tinha 8 anos e foi o único filho de Clen a se interesar por música,aprendeu música de canto em escola, em coral de igreja eventos comunitários e visitas em sua casa tambem
em pequenos shows. em San Francisco Johnny tinha 13 anos quando Clen levou para conhecer Conne Cox uma professora de canto,Johnny estudou com ela por seis anos,aprendendo escalas vocais,exercicios,produções vocais clássicas e habilidade para ópera .
Atraves de um amigo que tinha um sexteto que o levou para cantar em uma boate chamada Bllek Ilawk.
Atraves daí Ilelen Ilawk dono da boate ouvio e tornou-se seu impresário, ele convenceu George Avakiow gerente da ala de Jess da Columbia a ir ve-lo.
Daí george mandou um telegrama para sua gravadora dizendo que encontrou um garoto fenomenal de 19 anos que podia ficar famoso. A Columbia solicitou a Johnny que fosse para Nova Yorque para começar os arranjos do seu primeiro disco isso ocorreu em
1956,”Johnny Mathis Um raro showman na música popular”,com imterpretaçoes inusitadas como “Babalu”, participou de musicais e filmes de Hollywood.
Em 1957 ele foi apresentado a Ed Sullivan Shouw e tornou-se uma celebridade.

" CARL PERKINS "

2009-08-10T17:34:00.002-03:00

Carl Lee Perkins (19 de abril de 1932 - 19 de janeiro de 1998) foi um pioneiro cantor americano de rockabilly, uma mistura de rhythm and blues e country music que desenvolveu-se na Sun Records em Memphis, Tennessee no começo dos anos 50.
Nascido em Tiptonville, Tennessee, filho de um pobre fazendeiro arrendatário, Perkins cresceu cercado pela sulista música gospel cantada pelos negros que trabalhavam nos campos de algodão. Aos 7 anos de idade ele já tocava guitarra, feita por seu pai com uma caixa, um galho e uma corda de embrulho.
Em 1956, desesperadamente pobre, Perkins compõe a música “Blue Suede Shoes” em um saco velho de tomate. Produzida por Sam Phillips, a canção venderia milhões de cópias. No auge da fama da música, ele se envolveu em um acidente de carro quase fatal. Enquanto Perkins se recuperava, o astro em ascensão Elvis Presley lançou sua própria versão de “Blue Suede Shoes”. O sucesso de Presley impediu Perkins de alcançar o sucesso que ele parecia estar destinado a alcançar; Perkins nunca mais conseguiria o mesmo destaque no mundo da música pop.

Durante sua longa carreira ele gravou inúmeros compactos e álbuns, além de compor vários sucessos tanto no rock quanto na música country. Suas músicas ganharam versões dos Beatles (Perkins inclusive colaboraria com Paul McCartney, tocando guitarra rítmica em “Ebony and Ivory”, um sucesso conjunto de McCartney e Stevie Wonder).
Quando do revival do rock nos anos 80, George Harrison, Eric Clapton e Ringo Starr apareceram com ele em um especial televisivo em Londres, Inglaterra chamado ‘’Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session.
De volta aos estúdios da Sun em 1986, Perkins se juntou à Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Roy Orbison para gravar o álbum Class of ‘55. Foi um tributo ao começo de carreira deles na Sun e em parte a reprise de uma informal jam session que ele, Presley, Cash e Lewis fizeram em 4 de dezembro de 1956.
Em 1987, o reconhecimento da contribuição de Perkins à música veio quando ele foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll.
Perkins morreu aos 65 anos de idade depois de sofrer vários derrames e foi enterrado no Ridgecrest Cemetery em Jackson, Tennessee.

" GENE VINCENT "

2009-08-10T17:33:00.002-03:00

Gene Vincent ou Eugene Vincent Craddock (11 de fevereiro de 1935 - 12 de outubro de 1971) foi um músico norte-americano de rockabilly, mais conhecido por seu sucesso “Be-Bop-A-Lula”. Ele começou sua carreira tocando em diversas bandas de música country em Norfolk, Virgínia, depois de deixar a Marinha com uma lesão permanente na perna. Ele assinou contrato com a Capitol Records com sua banda de apoio, The Blue Caps.
Depois que “Be-Bop-A-Lula” transformou-se num grande sucesso em 1956, Gene Vincent & os Blue Caps não conseguiram emplacar outros hits de tamanha repercusão, mas tiveram uma carreira pontilhada de sucessos como: “Bluejean Bop”, “Race With the Devil”, “Lotta Lovin’”, “Crazy Legs” et “Baby Blue”. Vincent inclusive foi um dos primeiros astros de rock a estrelar um filme, chamado The Girl Can’t Help It.
Um fato marcante na carreira do cantor foi a morte de seu melhor amigo Eddie Cochran em um acidente automobilistico, durante uma tourné que ambos faziam pela Ingleterra no ano de 1960. Gene que também estava no veículo teve a antiga lesão de sua perna agravada e até o fim de sua vida não se recuperou psicologicamente do ocorrido.
A carreira de Gene teve uma enorme perda de popularidade a partir da metade dos anos 60, com a chegada das “english bands”, embora ele continuasse a fazer sucesso na Europa, principalmente na Inglaterra e na França.
Passou os últimos anos de sua vida tentando reconquistar o antigo sucesso, mas acabou afundando-se cada vez mais nas bebidas e na depressão. Faleceu na California em 1971, de cirrose gástrica.
Gene Vincent está enterrado no Eternal Valley Memorial Park em Newhall, Califórnia.
Forma junto com Buddy Holly e Eddie Cochran a quintessencia do Rockabilly, sendo sem sombra de dúvidas, os maiores nomes do gênero.

" JOHNNY BURNETTE "

2009-08-10T17:30:00.003-03:00

Johnny Burnette (25 de março de 1934 - 14 de agosto de 1964) foi um pioneiro do rockabilly de Memphis, Tennessee.
Juntamente com seu irmão Dorsey Burnette e um amigo, Paul Burlison, no começo dos anos 50 ele formou o Johnny Burnette Rock and Roll Trio. Eles são creditados como os criadores da palavra “Rockabilly”.
Embora tenham conseguido um contrato com uma gravadora, o grupo se separou em 1957 devido à falta de sucesso comercial, mas quando mudou-se para a Califórnia nos anos 60 Burnette conseguiu emplacar alguns sucessos como “Dreamin” e “You’re Sixteen”, seguidos por “Little Boy Sad” um ano depois.
A carreira de Johnny Burnette teve um fim abrupto quando ele morreu afogado aos 30 anos em um acidente de barco. Ele está enterrado no Forest Lawn Memorial Park Cemetery em Glendale, Califórnia.
Seu nome e seu talento como compositor ganharam proeminência novamente quando Ringo Starr lançou uma versão de “You’re Sixteen” em 1973.

" EDDIE COCHRAN "

2009-08-10T17:29:00.000-03:00

Eddie Cochran ou Edward Ray Cochrane
- Oklahoma City, Oklahoma, 31 de outubro de 1938
- Londres, 17 de abril de 1960

foi um músico americano de rockabilly.

Começou a sua carreira musical em 1955 com seu amigo Hank Cochram (sem parentesco), que mais tarde viraria compositor country. A dupla gravava como The Cochran Brothers, enquanto Eddie trabalhava como músico de sessão e compunha suas próprias músicas.

Em 1956, Boris Petroff convidou Cochran para participar do filme The Girl Can’t Help It. Ele aceitou, apresentando a música “Twenty-Flight Rock”. Mas seu primeiro sucesso só emplacaria em 1957, uma de suas poucas canções escritas por outra pessoa, chamada “Sittin’ in the Balcony”. Cochran é mais lembrado por sua composição “Summertime Blues”, que ajudou a modelar o formato do rock nos anos 60, tanto liricamente quanto musicalmente. Sua curta carreira foi marcada por mais alguns sucessos, como “C’mon Everybody”, “Somethin’ Else”, “My Way”, “Weekend”, “Nervous Breakdown” e seu hit póstumo “Three Steps to Heaven”.

Em 1960 Cochran morreu em um acidente de trânsito em Londres O táxi em que viajava numa curta turnê capotou e o arremessou para fora. Sua namorada, a compositora Sharon Sheeley e seu amigo, o cantor Gene Vincent, sobreviveram.

Eddie Cochran está enterrado no cemitério Forrest Lawn Cypress em Cypress, Califórnia. Um álbum póstumo, My Way, foi lançado em 1964.

O selo britânico Rockstar Records pesquisa até hoje por canções inéditas de Cochran e conseguiu lançar mais material dele nos anos 70 do que quando ele estava vivo.

Cochran também é conhecido por seu instrumento favorito, a guitarra Gretsch 6120.

" THE CRICKETS "

2009-07-28T02:14:00.003-03:00

The Crickets foi uma banda estado-unidense.
O nome da banda surgiu por causa de um grilo que insistia em “acompanhar” os ensaios de Buddy Holly e seus colegas. De tanto ouvirem o grilo, eles não tiveram dúvida: batizaram a banda de The Crickets ou Os Grilos, em inglês.
Mais tarde, inspirado pela escolha de Buddy Holly, surgia em Liverpool um quarteto que também tinha um inseto como nome: The Beatles ou Os Besouros. Aqui vale um adendo: a palavra correta é “beetles”,
mas John Lennon quis fazer um trocadilho com a palavra “beat”
tanto por significar “ritmo” em inglês quanto por batizar a Geração Beat,
que reunia, entre outros, poetas como Jack Kerouac,
autor do clássico “On The Road”.

" QUINCY JONES "

2009-07-28T02:08:00.002-03:00

Quincy Delight Jones Jr. (Chicago, 14 de Março de 1933) é um empresário musical norte-americano, arranjador, produtor musical, e compositor de trilhas sonoras.
Durante 50 anos na indústria do entretenimento o trabalho de Jones foi indicado para 70 Grammy Award, sendo premiado com 25 destes, e um Grammy Legends Award em 1991. Ele é mais conhecido como o produtor de dois dos maiores recordistas de vendas
de todos os tempos: o álbum Thriller, do ícone pop Michael Jackson, e a canção “We Are the World”. Ele também é conhecido por lançar a cantora Tamia que durante seu tempo com Quincy Jones foi indicada para 2 Grammy Awards por sua canção "You Put a
Move On My Heart".
Nascido em Illinois, Jones descobriu a música na escola primária o que o levou a aprender trompete. Quando tinha 10 anos, sua família se mudou para Bremerton, Washington, onde ele fez amizade com o jovem Ray Charles, que mais tarde lhe ensinou braille.
Os dois formaram um duo e tocaram em casamentos locais e em clubes de jazz onde hoje é conhecido como Pioneer Square distrito de Seattle.
Em 1951, com 18 anos, Jones ganhou uma bolsa de estudos para a Schillinger House (agora conhecida como Berklee College of Music) em Boston. Contudo, abandonou os estudos quando recebeu uma oferta para viajar como trompetista com o lendário bandleader Lionel Hampton. Quando ainda viajava com Hampton, ele mostrou um jeito incomum para arranjar canções. Jones se mudou para New York City, onde recebeu vários pedidos de arranjos para artistas como Sarah Vaughan, Count Basie, Duke Ellington, Gene Krupa e seu agora velho amigo Ray Charles.
Em 1956, Jones viajou novamente como trompetista e diretor musical da Dizzy Gillespie Band em uma turnê pelo Oriente Médio e América do Sul patrocinada pelo Departmento de Estado dos Estados Unidos. No retorno para os Estados Unidos, ele ganhou um contrato da ABC Paramount Records e iniciou sua carreira de gravações como líder de sua própria banda.
Jones se mudou para Paris, França em 1957. Estudou composição musical e teoria com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen.
Também tocou no Paris Olympia. Jones foi diretor musical na Barclay Disques, o distribuidor francês da Mercury Records e durante os anos 50, Jones viajou muito pela Europe com várias orquestras de jazz. Formou sua própria big band e organizou uma turnê pela América do Norte e Europe. Embora a turnê fosse um sucesso de crítica, um mal planejamento orçamentário fez dela um desastre
econômico e levou Jones a uma crise financeira. Irving Green, chefe da Mercury Records, trouxe Jones de volta com um empréstimo e um novo trabalho como diretor musical da divisão da companhia em Nova York. Em 1964, Jones foi promovido a vice-presidente da companhia, se tronando assim o primeiro Afro-americano a ocupar tal cargo. 1964 também viu Jones derrubar outra barreira social: a convite do diretor Sidney Lumet ele compôs a primeira de suas 33 maiores trilhas sonoras. O resultado foi a lendária trilha de The Pawnbroker.
Com Hollywood acenando, Jones rescindiu com a Mercury Records e se mudou para Los Angeles para compor trilhas em tempo integral. Algumas de suas composições mais célebres foram para os filmes: Walk, Don't Run, In Cold Blood, In the Heat of the Night, Bob and Carol and Ted and Alice, Cactus Flower, Italian Job, The Getaway e A Cor Púrpura. Também compos para televisão, incluindo os shows Ironside, Sanford and Son e The Bill Cosby Show, assim como a música-tema de The New Bill Cosby Show chamada "Chump Change", que mais tarde foi usada como tema do show de jogos de Mark Goodson-Bill Todman chamado Now You See It.
Nos anos 60, Jones trabalhou como arranjador para alguns dos mais importantes artistas da era, incluindo Miles Davis, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, e Dinah Washington. As gravações-solo de Jones também foram aclamadas, incluindo Walking in Space, Gula Materi, Smackwater Jack and Ndeda, You've Got It Bad, Girl, Body Heat, Mellow Madness, I Heard That e The Dude.
Enquanto gravada para o filme The Wiz, Jones encontrou Michael Jackson, que lhe perguntou se poderia produzir seu próximo trabalho solo. O resultado, Off The Wall vendeu 20 milhões de cópias e tornou Jones o mais poderoso produtor fonográfico da indústria. O trabalho seguinte dos dois Thriller alcançou 51 milhões de cópias . Jones também trabalhou no terceiro trabalho solo de Jackson Bad, que vendeu 30 milhões de cópias. Após esse trabalho, Jackson e Jones se separaram para que Jackson pudesse produzir seus próprios trabalhos-solo. Em uma entrevista de 2002, quando perguntado se trabalharia de novo com Jones, respondeu, "a porta estará sempre aberta". Após a cerimônia de 1984 do Grammy Awards, Jones usou sua influência para reunir os maiores artistas americanos em um estúdio para gravar a legendária canção We Are The World para angariar fundos para as vítimas da fome na Etiópia. Quando as pessoas se espantaram com sua habilidade para fazer com que todos trabalhassem unidos, Jones explicou que ele apenas deixou uma placa na porta dizendo: "Deixe seu ego na porta".
Em 1993, Jones colaborou com David Saltzman para produzir o extravagante concerto An American Reunion, uma celebração da inauguração do mandato de Bill Clinton como presidente dos EstadosUnidos. Saltzman e Jones decidiram unir suas consideráveis forças e formar a companhia Quincy Jones/David Saltzman Entertainment (QDE) com Time/Warner Inc.. QDE é uma companhia que produz tecnologia de mídia, filmes, programas para a televisão, publicações literárias (as revistas Vibe e Spin).
Em 2001, ele publicou sua autobiografia Q: The Autobiography of Quincy Jones.
No mesmo ano, sua fundação, a Quincy Jones Listen Up Foundation, construiu mais de 100casas para a fundação Nelson Mandela na África do Sul.
Em 2004, ao lado de Carlos Santana, Alicia Keys, Oprah Winfrey, Angelina Jolie, Fher (de Mana), Evander Holyfield, Chris Tucker, e vários outros músicos, celebridades, dignitários, e políticos, Jones produziu o concerto "WE ARE THE FUTURE" para uma audiência de ais de meio milhão de pessoas em Roma, Itália. O concerto angariou fundos para a fundação Quincy Jones Listen Up Foundation.

" RAY CHARLES "

2009-07-28T02:06:00.001-03:00

Ray Charles (Albany, 23 de Setembro de 1930 — Los Angeles, 10 de Junho de 2004) foi um pianista pioneiro e cantor de música soul que ajudou a definir o seu formato ainda no fim dos anos 50, além de um inovador interpréte de R&B. Seu nome de nascimento era Ray Charles Robinson, mas ele encurtou-o quando entrou na indústria do entretenimento para evitar confusão com o famoso
boxeador Sugar Ray Robinson. Considerado um dos maiores gênios da música negra americana, Ray Charles também foi um dos responsáveis pela introdução de ritmo gospel nas músicas de R&B.
Ele era o filho da Aretha Williams, que trabalhava em uma serraria de tábuas, e Bailey Robinson, um reparador de ferrovia, mecânico e biscateiro. Os dois nunca se casaram. A família mudou-se para Greenville, Flórida, quando Ray era um bebê. Bailey teve mais três famílias, Aretha cuidava da família sozinha.
Ray Charles não era cego de nascença. Ele ficou totalmente cego aos sete anos de idade. Charles nunca soube exatamente por que ele perdeu a visão, apesar de existirem fontes sugerem que sua cegueira era devido a glaucoma, e algumas outras fontes que
sugerem que Ray começou a perder o sua vista a partir de uma infecção causada por água com sabão nos olhos dele, que foi deixado sem tratamento. Ele frequentou a Escola para Cegos e Surdos de Santo Agostinho, em St. Augustine o, Flórida. Ele também aprendeu a escrever música e tocar vários instrumentos musicais.Enquanto ele estava lá, a mãe dele morreu seguido por seu pai dois anos depois.
Órfão na adolescência, Ray Charles iniciou sua carreira tocando piano e cantando em grupos de gospel, no final dos anos 40. A princípio influenciado por Nat King Cole, trocou o gospel por baladas profanas e, após assinar com a Atlantic Records em 1952,
enveredou pelo R & B. Quando o rock & roll estourou com Elvis Presley em 1955, e cantores negros como Chuck Berry e Little Richard foram promovidos, Ray Charles aproveitou o espaço aberto na mídia e lançou sucessos como "I Got a Woman" (gravada depois por Elvis), "Talkin about You", "What I'd Say", "Litle girl of Mine", "Hit the Road Jack", entre outros, reunindo elementos de R & B e gospel nas músicas de uma forma que abriram caminho para a soul music dos anos 60, e tornando-o um astro reverenciado do pop negro.
A partir de então, embora sempre ligado ao soul, não se ateve a nenhum gênero musical negro específico: flertou com o jazz, gravou
baladas românticas chorosas e standards da canção americana. Entre seus sucessos históricos desta fase estão canções como "Unchain My Heart", "Ruby", "Cry Me a River", "Georgia on My Mind" e baladas country tais como "Sweet Memories", e seu maior sucesso comercial, "I Can't Stop Loving You", de 1962. Apesar de problemas com drogas que lhe prejudicaram a carreira, as interpretações de Ray Charles sempre foram apreciadas, não importando as músicas que cantasse. Uma "aura" de genialidade
reconhecida acompanhou-o até o fim da vida e mais do que nos últimos álbuns que gravou, era nas suas apresentações ao vivo que o seu talento único podia ser apreciado.
Um notório mulherengo, Ray Charles casou-se duas vezes e foi pai de doze crianças com sete diferentes mulheres. Sua primeira esposa foi Eileen Williams (casado em 1951, divorciado em 1952) deu-lhe um filho. Outros três filhos são de seu segundo casamento, em 1955, com Della Beatrice Howard (divorciaram-se em 1977).Sua namorada longo prazo e parceiro no momento da sua morte era Norma Pinella.
Charles deu cada um de seus 12 filhos $1,000,000 sem impostos em 2004 um pouco antes de morrer.
Faleceu na idade de 73 anos, às 11h35 (15h35 em Brasília) no dia 10 de junho de 2004 em sua casa de Beverly Hills, onde estava com seus familiares, vítima de uma doença no fígado. Foi enterrado no Cemitério Inglewood Park, localizado em Los Angeles na California.

" THE PLATTERS "

2009-07-25T03:35:00.000-03:00

The Platters , foram um dos maiores grupos vocais da Era do Rock and Roll.
Formado em Los Angeles, 1953, chegaram a vender mais de 53 milhões de discos e estão desde 1990, no Rock And Roll Hall of

Fame.
Originalmente formado por Tony Williams, David Lynch, Alex Hodge, que foi substituído por Paul Robi, Herb Reed e Zola Taylor.
Tony Williams saiu do grupo em 1961 e foi substituído por Sonny Turner. Zola Taylor também saiu e foi substituída por Sandra Dawn.

Paul Ro bi foi substituído por Nate Nelson em 1966.
David Lynch e Paul Robi morreram de câncer, em 1981 e 1989; Buck Ram morreu aos 83 anos, 1991 e Tony Williams em 1992. The

Platters continua se apresentando até os tempos atuais.
Seus sucessos foram muitos, entre eles “My Prayer”, “The Great Pretender”, “You’ve Got The Magic Touch” e “You’ll Never Know”,

entre outros.
A incomparável gravação da canção “Only You”, realizada em outubro de 1955, é imortal até os tempos de hoje e permanecerá nos

ouvidos e corações do mundo.
Tommy Smiley se juntou ao Platters em 1978 e foi o responsável pela imortalização da música “Only You”. O vocalista faleceu em 4

de março de 2006, aos 59 anos, no México, vítima de uma parada cardíaca decorrente de uma crise de asma.

" CHUBBY CHECKER "

2009-07-25T03:20:00.003-03:00

Chubby Checker (nascido Ernest Evans; Spring Gulley, 3 de outubro de 1941) é um cantor-compositor americano, conhecido por popularizar o twist com sua gravação, feita na década de 1960, do sucesso de R&B composto por Hank Ballard, "The Twist". Em
setembro de 2008 a canção chegou ao topo da lista, feita pela revista Billboard, dos singles mais populares a terem aparecido na parada de sucessos da mesma revista, Hot 100, desde que ela começou a ser feita, em 1958.

Ernest Evans nasceu em Spring Gulley, na Carolina do Sul,[2] e foi criado, durante sua infância, nos conjuntos habitacionais (projects) de South Philadelphia, na Pensilvânia, onde viveu com seus pais e seus dois irmãos.[2] Com oito anos de idade Evans formou um grupo harmônico que se apresentava nas ruas, e ao entrar na high school já havia aprendido a tocar o piano, bem como entreter seus colegas de classe como imitações de cantores populares da época, como Jerry Lee Lewis, Elvis Presley e Fats Domino.

Após concluir a escola, Evans passou a entreter, com canções e piadas, os clientes em seus diversos empregos, vendendo produtos agrícolas em lojas e mercados da cidade. E teria sido seu chefe num destes empregos - no Produce Market - Tony A., que lhe deu o
apelido de "Chubby" ("Gorducho"). Henry Colt, proprietário do seu outro emprego, Fresh Farm Poultry, teria ficado tão impressionado com a performance de Ernest que, juntamente com seu colega e amigo Karl Mann, compositor que trabalhava para a
Cameo-Parkway Records, conseguiram que o jovem 'Chubby' fizesse uma gravação privada com Dick Clark, apresentador do programa de televisão American Bandstand. Foi nesta sessão de gravação que Evans adotou definitivamente seu nome artístico; a

esposa de Clark perguntou-lhe qual era seu nome e ele respondeu: "Bem, meus amigos me chamam de 'Chubby'". Como ele havia terminado de fazer uma imitação de Fats Domino, ela sorriu e perguntou-lhe: "Como damas (checkers, em inglês)?" A brincadeira de
palavras envolvendo o 'dominó' do nome de Fats e outro jogo de tabuleiro gerou risadas instantâneas entre os presentes, e foi adotada como nome a partir daquele momento.

Carreira

Durante o auge de seu sucesso, na década de 1960, lançou seus discos pela Cameo-Parkway Records que, juntamente com todo o resto do material da gravadora, tornou-se indisponível depois do início da década de 1970 por disputas legais internas da companhia.
Por décadas, quase todas as compilações dos sucessos de Checker eram feitas a partir de regravações.
Checker lançou uma versão dançante de "Back in the USSR", dos Beatles, em 1969, que alcançou apenas o segundo lugar nas
paradas de sucesso. Foi a sua última aparição nas paradas até 1982. Também gravou um álbum psicodélico no início dos anos 70 foi lançado inicialmente apenas na Alemanha. O lançamento original não recebeu nome, porém a frase Chubby Checker Goes
Psychedelic, escrita na contracapa, passou a ser tomada como o título.

Apesar de ter opiniões ambíguas sobre o seu single mais bem-sucedido, "The Twist", Checker sempre conseguiu capitalizar sua popularidade duradoura. Em 1987 gravou uma nova versão da canção com o trio de rappers The Fat Boys. As letras desta nova
versão deixavam implícito que estava satisfeito com esta associação. Checker também interpretou a canção num comercial dos biscoitos Oreo, no início da década de 1990.

Em 2008 "The Twist" foi nomeado o maior hit de todos os tempos pela revista Billboard, que analisou todos os singles que estiverem entre os 10 maiores sucessos das paradas entre os anos de 1958 e 2008. Checker ainda obteve, em julho do mesmo ano, o posto de primeiro lugar na parada de sucessos na categoria dance, com "Knock Down the Walls". Proprietário de seu próprio restaurante,
Chubby Checker continua a se apresentar em público regularmente.

Sucessos(com a posição no Billboard Hot 100)

Chubby Checker1959:

"The Class" (38º lugar). 1960:
"The Twist" (1º lugar)
"The Hucklebuck" (14º lugar) 1961:
"Pony Time" (1º lugar)
"Dance the Mess Around" (24º lugar)
"Let's Twist Again" (8º lugar)
"The Fly" (7ºlugar)
"The Twist" (reclassificada como 1º lugar em janeiro de 1962)
"Jingle Bell Rock" (com Bobby Rydell) (21º lugar) 1962:
"Slow Twistin'" (with Dee Dee Sharp (3º lugar)
"Dancin' Party" (12º lugar)
"Limbo Rock" (2º lugar)
"Popeye The Hitchhiker" (10º lugar) 1963:
"Twenty Miles" (15º lugar)
"Let's Limbo Some More" (20º lugar)
"Birdland" (12º lugar)
"Twist It Up" (25ºlugar)
"Loddy Lo" (12º lugar)
"Hooka Tooka" (17º lugar) 1964:
"Hey, Bobba Needle" (23º lugar)
"Lazy Elsie Molly" (40º lugar) 1965:
"Let's Do the Freddie" (40º lugar) 1988:
"The Twist (Yo, Twist!)" (com os Fat Boys; 16º lugar)
("Knock Down the Walls" liderou a parada de dance em julho de 2008; porém não foi listada no Billboard Hot 100.)

" HANK WILLIANS "

2009-07-25T03:14:00.002-03:00

Hank Williams (Georgiana, Alabama, 17 de setembro de 1923 - Oak Hill, Virgínia Ocidental, 1 de janeiro de 1953) foi um cantor e compositor norte-americano que se tornou um ícone da música country e um dos mais influentes músicos e compositores do século XX. Um dos principais pioneiros do estilo honky tonk, ele emplacou vários hits nas paradas americanas, e suas permormances carismáticas e composições concisas aumentaram sua fama. Seu repertório é um dos pilares da música country, e algumas de suas canções foram as mais populares de seu estilo. Teve uma morte precoce, aos 29 anos de idade. Seus filhos, Hank Williams Jr. e Jett Williams, e seus netos Hank Williams III, Holly Williams e Hilary Williams também são cantores.
Influenciou muito George Thorogood que chegou a gravar uma música sua: o hit de 1947, Move It On Over.

" JOHNNY CASH "

2009-07-25T03:10:00.001-03:00

John R. Cash, mais conhecido como Johnny Cash, (Kingsland, 26 de fevereiro de 1932 — Nashville, 12 de setembro de 2003) foi um
cantor e compositor americano de música country, conhecido por seus fãs como "O Homem de Preto". Em uma carreira que durou quase cinco décadas ele foi para muitas pessoas a personificação do country. Sua voz sepulcral e o distintivo som
"boom chicka boom" de sua banda de apoio "Tennessee Two" são algumas de suas
"marcas registradas".

Cash nasceu no estado do Arkansas, filho de um fazendeiro pobre. Sua família mudou-se pouco depois para uma fazenda em Dyess, no mesmo estado. O pai de Cash era alcóolatra e abusava física e emocionalmente de seus filhos. Com cinco anos de idade, Cash
começou a trabalhar em um campo de algodão, cantando com sua família enquanto cultivavam. Ele era muito próximo a Jack, seu irmão mais velho, e um acidente ocorrido em 1944 o afetaria pelo resto de sua vida. Jack foi puxado por uma serra de madeira no moinho em que trabalhava, sendo quase partido ao meio. Jack ainda sofreria uma semana antes de morrer. Cash sempre falou da
enorme culpa que sentia pelo incidente porque tinha saído para pescar nesse dia. Em seu leito de morte, o jovem teve visões do céu e de anjos, e quase sessenta anos depois do acontecido Cash ainda falava esperar encontrar Jack no paraíso. Suas memórias de infância eram dominadas pela música gospel. Cash começou a tocar violão e a compor ainda jovem. Ele passou a ser chamado de "John" depois de entrar para a Força Aérea Americana (que recusava iniciais como nome). Antes disso ele era conhecido como Johnny ou John R. Enquanto servia na Alemanha Cash compôs uma de suas músicas mais famosas, "Folsom Prison Blues".

Princípio de carreira

Depois de ser dispensado Cash casou-se com Vivian Liberto em 1954 com quem teria 4 filhas, mudou para Memphis, Tennessee,
onde vendia ferramentas e estudava para ser locutor de rádio. Durante a noite, Cash tocava com o guitarrista Luther Perkins e o
baixista Marshall Grant, enquanto criava coragem para visitar os estúdios da Sun Records para tentar conseguir um contrato. Um
produtor da Sun, Cowboy Jack Clement, foi quem tratou com o jovem cantor da primeira vez, e sugeriu que Cash voltasse e
conversasse com Sam Phillips. Depois de fazer um teste, cantando na maioria músicas gospel, Phillips disse à Cash para "voltar
para casa e pecar, e depois voltar com uma música que eu possa vender". Cash conseqüentemente convenceria Clement e Phillips
com suas canções frenéticas, e as gravações de "Hey Porter" e "Cry Cry Cry" (lançadas em 1955) tornariam-se um destaque nas
paradas de sucesso Rock.No início da década seguinte ele se divorcia de Vivian Liberto.
Johnny Cash e June Carter, que foi sua segunda esposa.A gravação seguinte de Cash, "Folsom Prison Blues", entrou para o Top 5 do country e "I Walk the Line" conseguiu a primeira colocação na mesma parada de sucesso. Em 1957 Johnny Cash tornou-se o primeiro artista da Sun Records a lançar um álbum completo. Embora fosse o cantor mais prolífico e mais lucrativo da gravadora na
época, Cash começou a se sentir limitado por seu contrato. Elvis Presley já havia deixado o selo, e Phillips estava focando sua
atenção em promover Jerry Lee Lewis. No ano seguinte, Cash saiu da Sun e acertou com a Columbia Records depois de uma lucrativa proposta. Ali, seu compacto "Don't Take Your Guns to Town" tornaria-se um de seus maiores sucessos.

" ROY ORBINSON "

2009-07-25T03:05:00.001-03:00

Roy Kelton Orbison (23 de abril de 1936, Vernon – 6 de dezembro de 1988, Hendersonville, Tennessee), apelidado de "The Big O", foi
um influente cantor e compositor norte-americano e um dos pioneiros do rock and roll, e cuja carreira estendeu-se por mais de quatro
décadas. Orbison foi internacionalmente reconhecido por suas baladas sobre amores perdidos, por suas melodias ritmicamente
avançadas, seu timbre vocal de três oitavas, seus característicos óculos escuras e um ocasional uso de falsete, tipificado nas
canções como "Only The Lonely", "Oh, Pretty Woman" e "Crying". Em 1988foi incluido postumamente na galeria da Fama de compositores de música.
Roy Orbison nasceu no dia 23 de abril de 1936 em Vernon, no Texas, Estados Unidos. Seus pais Orbie Lee e Nardine, deram sua
primeira guitarra quando tinha 6 anos de idade. Como era de se esperar, para um jovem morando no Texas, suas influências musicais foram o gospel e o country.

Estimulado pelo pai e pelo tio, Roy começou a cantar em shows e no rádio antes dos dez anos de idade. Aos dez, ele recebeu seu
primeiro pagamento como cantor num concurso de talentos. No começo de sua adolescência, ele já viajava pelo Texas. Sua primeira
banda, aos treze anos, foi The Wink Westerners formada por amigos de escola. Depois ele mudou para The Teen King. Roy Orbison
estudou o primeiro grau em escolas de Vernon, Fort Worth e Wink, no Texas. Ele fez o colegial na Wink High School de 1950 a 1954.
Roy estudou por dois anos na Universidade do Texas. Ele pretendia estudar geologia, pois seu pai trabalhava nos campos de petróleo. Enquanto ele estava na universidade, Pat Boone, um amigo, convenceu-o a formar uma nova banda. Após se formar, Roy
trabalhava no campo de petróleo e tocava à noite.
Suas apresentações ao vivo fizeram entrar em contato com Johnny Cash, que aconselhou Roy a mandar uma cópia de "Ooby Dooby"
para a Sam Phillips da Sun Records, gravadora de Elvis Presley e Jerry Lee Lewis. Em junho de 1956, estava gravado o seu primeiro
grande sucesso, "Ooby Dooby", vendendo 20.000 cópias. À princípio pretendia ser apenas um compositor de rock, mas com o
tempo, decidiu gravar suas próprias canções e impressionou o mundo com sua voz forte e frequentemente preferindo permanecer em
tons agudos.Roy Orbison, assim como aconteceu com seu amigo Elvis Presley, foi confundido, no início de sua carreira, por disc jockeys e por
quem ouvia sua músicas, como um cantor negro, devido ao seu tipo de voz. O primeiro grupo famoso à gravar uma música de Roy foi The Everly Brothers: "Claudette", uma de suas primeiras composições e que Roy dedicou à sua primeira esposa, em 1958.

Alguns anos depois, Roy Orbison, como em agradecimento aos Everly Brothers, gravou dois de seus grandes sucessos: "Bye Bye Love" no seu álbum Lonely & Blue, em 1960 e "All I Have To Do is Dream", no seu álbum In Dreams, em 1963. Ainda com relação à
gravação de Claudette, Roy Orbison usou seus direitos autorais resultantes deste sucesso para livrá-lo do contrato com a SUN RECORDS e assinar com a gravadora Monument. Sua primeira gravação Up Town, em 1960, já constava da lista de sucessos dos Estados Unidos. Neste mesmo ano, sua canção "Only The Lonely" foi rejeitada por Elvis Presley e os Everly Brothers e Orbison

decidiu ele mesmo gravar. O resultado foi sensacional: a canção atingiu o topo das paradas da Inglaterra e por pouco não chegou ao

ponto máximo dos EUA, vendendo dois milhões de discos.

Comenta-se que Roy Orbison, uma pessoa tímida e de poucas palavras, usava óculos escuros para corrigir o seu astigmatismo

crônico. Ainda na década de 60, gozou de sucesso sem precedentes, tanto na Inglaterra como nos EUA, usando seu estilo de

baladas românticas como "Blue Angel", "Running Scared", "Crying", "Dream Baby", "Blue Bayou" e "In Dreams" . Mesmo durante o

sucesso dos Beatles (de quem tornou-se amigo) na América, Orbison foi um dos poucos artistas americanos que manteve seu

sucesso comercial.

Durante o auge dos Beatles nas paradas de sucesso, ele foi por duas vezes o número um na Inglaterra com o poderoso "It's Over" e

o seu maior sucesso "Oh, Pretty Woman", vendendo 7 milhões de discos em 1964. Sua fama era tão grande, que os Beatles se

sentiram orgulhosos por terem feito uma turnê com ele em 1963 (existe o comentário de que música Please Please Me teve grande

influência do estilo de Roy Orbison). Roy considerava a Inglaterra sua segunda pátria, consequência de seu grande sucesso naquele

país e das turnês frequentes que lá ele fazia.

Em 1965, Roy Orbison assinou com a MGM, pensando na possibilidade de ser um ator de cinema, como foi Elvis Presley. De fato,

ele chegou a gravar um filme em 1968: The Fastest Guitar Alive, no entanto, de pouco sucesso. Roy Orbison sempre gostou de

música country e nunca escondeu sua admiração pelo cantor e compositor Don Gibson. Tanto é assim, que em 1967 Roy gravou um

álbum chamado Roy Orbison Sings Don Gibson, o que se tornou algo inédito, pelo fato de Roy ser o autor da maioria de suas

canções gravadas. Apenas para lembrar, Roy gravou, de autoria de Don Gibson: "I Can't Stop Loving You", "I'd Be a Legend in My

Time", "Too Soon to Know", entre outros.

Roy Orbison sofreu grande tragédia em sua vida, quando em 1966, sua esposa Claudette Frady morreu num acidente ao cair do

banco traseiro de sua moto e em 1968, quando um incêndio destruiu sua casa, matando dois de seus três filhos (Roy Duwayne

Orbison e Anthony King Orbison).

Roy Orbison se casaria novamente, em 1969, com Barbara Orbison. Os anos que se seguiram foram tempos obscuros em sua

carreira. Na década de 70, além de passar por problemas financeiros, sofreu uma operação do coração em 1979, e só foi relançado

em 1980, quando conquistou um Grammy pelo seu dueto com Emmylou Harris na música "That Lovin' You Fellin' Again", do filme

Roadie. Em 1986, seu outro sucesso, "In Dreams", fez parte da trilha sonora do filme Blue Velvet (Veludo Azul).

Em 1987 Roy Orbison foi incluído no Hall da Fama do Rock'n Roll e nesta cerimônia ele cantou "Oh, Pretty Woman" com Bruce

Springsteen. Neste mesmo ano, Orbison assinou contrato com a Virgin Records, onde regravou todos seus sucessos, pois muitas

das gravações originais estavam "presas" devido ao processo de falência. O resultado foi o álbum In Dreams. Em 1988, Roy ganhou

o Grammy pelo dueto com K. D. Lang na música "Crying". Em 1988 produziu o álbum e o vídeo A Black And White Night (Roy

Orbison and Friends) onde aparecem vários astros da música, como Bruce Springsteen, Tom Waits e Elvis Costello.

Neste mesmo ano juntou-se a George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty e Jeff Lynne formando os Traveling Wilburys. No entanto,

nesta banda, eles não revelaram seus nomes verdadeiros e diziam que era composta por quatro irmãos (Roy, neste caso, era

conhecido como Lefty Wilbury). O lançamento deste álbum foi esplêndido a conquistaram o Grammy em 1989. Todos esperavam que

a carreira de Roy Orbison estouraria novamente, quando sofreu um ataque cardíaco fatal, em Nashville.

O lançamento do disco Mystery Girl, finalizado postumamente em 1989, foi considerado pela crítica como o mais bem sucedido

álbum de toda sua careira, não simplesmente como uma homenagem póstuma mas pelo fato deste disco conter canções que

mostravam um homem descontraído e com uma voz que nunca havia soado melhor, como por exemplo "You Got It", "She's a Mistery

to Me", "Califórnia Blue", "A Love So Beautiful", "In The Real World", "The Comedians", etc. Em 1992, foi lançado o álbum King of

Hearts, contendo algumas músicas inéditas.

Sobre este álbum, Barbara Orbison comentou: "Uma das perguntas que me faziam nestes três últimos anos, era se Roy havia

deixado material suficiente para mais um álbum. Este disco, é a resposta". Roy Orbison ficou conhecido como o lendário Big "O".

Alguns de seus sucessos foram temas de filmes, como Wild Heart (Insignificance), In Dreams (Veludo Azul), Oh, Pretty Woman

(Uma Linda Mulher), Crying, em dueto com K.D.Lang (Hiding Out) e A Love So Beautiful (Proposta Indecente).

É fantástico ver a legião que Roy nos deixou e como o mundo reconheceu. Em 1989, Roy e k. d. lang ganharam o Grammy pelo

dueto de Crying. Em fevereiro de 1990, o Roy Orbison Tribute Concert to Benefit the Homeless (Concerto em Tributo a Roy Orbison

em Benefício aos Desabrigados) reuniu vários músicos. Don Was, Gary Busey, Dean Stockwell, Patrick Swayze, Bernie Taupin, The

Original Byrds (David Crosby, Chris Hillman and Roger McQuinn), Cindy Bullens, T-Bone Burnett, Johnny Cash, Bob Dylan, Chris

Frantz, Larry Gatlin, Emmylou Harris, John Hiatt, John Lee Hooker, Chris Isaak, B. B. King, k. d. lang, Michael McDonald, NRBQ,

Iggy Pop, Bonnie Raitt, Michelle Shocked, Ricky Skaggs, Stray Cats, Pete Townshend, Was (Not Was), Dwight Yoakam and Tina

Weymouth lembraram Roy cantando suas músicas. No final de 1990, Roy entrou para o Songwriters Hall Of Fame (Hall da Fama dos

Compositores). No mesmo ano, You Got It e Mystery Girl foram grandes sucessos no mundo todo.
Em 1991, Roy recebeu um Grammy por "Oh, Pretty Woman" do álbum A Black and White Night Live, um show ao vivo com a presença de Jackson Browne, T-Bone Burnett, Elvis Costello, k. d. lang, Bonnie Raitt, Steven Soles, J. D. Souther, Bruce Springsteen, Tom Waits and Jennifer Warnes. Esse ano, duas músicas de Roy estiveram entre as vinte melhores no Reino Unido.
Ele tem estado nas paradas por mais de quatro décadas. Inacreditável para um homem que quando perguntavam como gostaria de ser lembrado simplesmente respondia, "Eu só gostaria de ser lembrado."
Em novembro de 1996, outro álbum, The Very Best of Roy Orbison, foi lançado. Neste disco estão todos os grandes sucessos, desde o começo de sua carreira até o final. Roy Orbison está enterrado no Westwood emorial Park em Los Angeles, Califórnia.
Seu túmulo está sem identificação, porém, os registros do cemitério indicam que está na seção D, número 97.

" THE CRICKETS "

2009-07-25T03:01:00.002-03:00

The Crickets foi uma banda estado-unidense.
O nome da banda surgiu por causa de um grilo que insistia em “acompanhar” os ensaios de Buddy Holly e seus colegas. De tanto ouvirem o grilo, eles não tiveram dúvida: batizaram a banda de The Crickets ou Os Grilos, em inglês.

Mais tarde, inspirado pela escolha de Buddy Holly, surgia em Liverpool um quarteto que também tinha um inseto como nome: The Beatles ou Os Besouros. Aqui vale um adendo: a palavra correta é “beetles”, mas John Lennon quis fazer um trocadilho com a
palavra “beat” tanto por significar “ritmo” em inglês quanto por batizar a Geração Beat, que reunia, entre outros, poetas como Jack Kerouac, autor do clássico
“On The Road”.

" BUDDY HOLLY "

2009-07-25T02:50:00.003-03:00

Charles Hardin Holley (Lubbock, 7 de Setembro de 1936 — perto de Mason City, 3 de Fevereiro de 1959), mais conhecido como
Buddy Holly, era um cantor Americano, compositor e precursor do Rock.
Holly nasceu em Lubbock, Texas. Os Holleys eram uma família de músicos e cedo Buddy aprendeu a tocar violino, piano e guitarra.
Ainda adolescente já tocava como profissional num duo de música country. A sua grande oportunidade surgiu quando fez a abertura de um concerto de Bill Haley and The Comets num espectáculo local. Assinou contrato pela "Decca Records" para uma gravação a
solo, mas o seu sucesso prematuro iludiu-o.
De volta a Lubbock, Holly formou a sua própria banda, The Crickets, e começou a gravar discos no estúdio de Norman Petty em Clovis, Novo México. Entre as músicas que gravou encontrava-se "That'll Be The Day", que foi buscar o título a uma frase que John Wayne repetia ao longo do filme The Searchers. Norman tinha conhecimentos na indústria musical, e como acreditava qu "That'll Be The Day" seria um grande sucesso fez contactos com editoras. A Coral Records, subsidiária da Decca, contratou Buddy e os Crickets, pondo-o na caricata situação de ter dois contratos ao mesmo tempo.

A música de Holly era sofisticada para seu dias, incluindo o uso de novos instrumentos (para o rock and roll). Holly era um bom guitarrista ritmico, notável em músicas como "Peggy Sue" e "Not Fade Away". Holly podia fazer músicas do tipo garoto-ama-garota como o melhor de seus contemporâneos, outras músicas tinham letras mais sofisticadas, harmonias e melodias muito bem trabalhadas e complexas, que nunca foram mostradas no genêro.

Holly também conseguiu controlar algumas das "guerras" raciais que puntuavam o rock, conseguiu ganhar uma platéia quase toda de negros, quando acidentalmente tocou no Teatro Apollo em Nova York (Diferente do que aparece no filme de sua biografia, levou
muitas perfomances para a audiência se convencer de seu talento).

Depois do lançamento de muitas músicas de sucesso, em Março de 1958, ele e os Crickets fizeram uma turne na Inglaterra. Na audiência tinham dois adolescente que futuramente entrariam para a história do rock, Paul McCartney, que depois citou Holly como uma de suas principais influências (o nome da sua banda The Beatles, foi escolhida boa parte, em função do nome da banda de Holly, The Crickets), o outro era Mick Jagger que também recebeu forte influência musical de Holly, tanto que um dos primeiros sucessos de sua banda, os Rolling Stones foi uma versão de "Not Fade Away", e até hoje eles a tocam em suas apresentações .
O estilo pessoal de Holly, mais controlado e cerebral que Elvis Presley e mais jovial e inovador que os astros western de sua época, teve uma influência na cultura jovem nos dois lados do Atlantico por décadas, refletindo particulamente na música New Wave, movimento de artistas como Elvis Costello e Marshall Crenshaw, e também em bandas anteriores, como The Byrds e The Turtles.

Ele se casou com Maria Elena Santiago em 15 de Agosto de 1958.
Em 1959, Holly saiu dos Crickets e começou uma carreira solo com outros artistas famosos, incluindo Ritchie Valens e J.P. Richardson.

Depois de uma performace no dia 2 de Fevereiro no Surf Ballroom em Clear Lake, Iowa, o pequeno avião Beechcraft Bonanza, no qual viajava com mais 3 passageiros, entrou em uma tempestade de neve cega e bateu no milharal de Albet Juhl, algumas milhas depois,
às 1:05 da manhã. A batida matou Holly, Valens, Richardson e o piloto Roger Peterson, deixando a mulher de Holly, que estava grávida na época, viúva. Esse evento inspirou o cantor Don McLean a criar uma popular música de 1971, chamada "American Pie", e
imortalizou o dia 3 de Fevereiro como o dia que o rock morreu. Serviços de funeral foram requisitados na Igreja Batista em Lubbock, Texas, e Buddy Holly foi enterrado no cemitério de Lubbock.

" RICHIE VALLENS "

2009-07-25T02:41:00.002-03:00

Richard Steven Valenzuela, mais conhecido como Ritchie Valens (13 de Maio de 1941 – 3 de Fevereiro de 1959) foi um músico descendente de mexicanos,
nascido em Pacoima (Vale de São Fernando), no subúrbio de Los Angeles,
Califórnia, Estados Unidos.

Ficou famoso interpretando músicas de rock. Seu grande sucesso foi a canção "La Bamba", que mais tarde nomearia um filme sobre sua vida.
Também fora regravada pelo grupo Los Lobos.

Durante a chamada Era Rockabilly, a carreira de Ritchie Valens estava em ascendência. No entando, em 3 de fevereiro de 1959, Buddy Holly, Big Bopper e Valens morreram em um acidente de avião. Esse incidente ficou conhecido como "o dia em que a música
morreu", retratado posteriormente na canção American Pie, de Don McLean.

O roqueiro brasileiro, Raul Seixas preferiu dizer que o dia 3 de fevereiro de 1959 foi "o dia em que o rock bateu as botas". Com tal afirmação, Seixas sugeria que a morte precoce dos músicos deixou o rock sem uma possível significativa contribuição, que poderia influenciar tudo o que é hoje conhecido acerca deste estilo musical.

Ritchie Valens, durante sua breve carreira, produziu dois álbums. Quando se interessou pelo rock, Valens já possuia uma base musical sedimentada no pop, no jazz e na música folclórica mexicana, apesar de não falar bem a língua espanhola.

O início

Ao completar 15 anos comprou sua primeira guitarra e, em 1957 já com 16 anos, formou uma banda chamada Satellites, formada por dois negros, um americano de ascendência mexicana e um de origem japonesa.

Meses depois Valens foi descoberto por Bob Keane e depois de 60 tentativas (como descritas no filme La Bamba) conseguiu chegar ao take definitivo de "Come On Let's Go" e, assim, chegou as lojas seu primeiro compacto já com o seu nome artístico.

No segundo semestre de 1958 sua carreira tomou um grande impulso quando participou do filme Go Johnny Go e logo depois produziu seus dois grandes hits: "Donna", uma balada romântica que fizera para uma paixão de colégio e que alcançou o segundo lugar nas paradas norte-americanas, bem como, "La Bamba", que é a releitura de uma canção folclórica mexicana de mesmo nome, a qual tomou a decisão de gravá-la após cruzar a fronteira e dar um passeio em Tijuana. Outras baladas que fizeram deste jovem artista conhecido no cenário musical "Ooh! My Head" e o cover de "We Belong Together" que chegaram as mais altas paradas de sucesso dos Estados Unidos.
Depois de sua morte, pouco do material inédito disponível de Valens
foi lançado em disco.

" CHUCK BERRY "

2009-07-24T18:31:00.000-03:00

Chuck Berry ou Charles Edward Anderson Berry (Saint Louis, Missouri, 18 de outubro de 1926) é um compositor, cantor e guitarrista americano. É apontado por muitos como o inventor do Rock and Roll. Conhecido com o Rei do Rock.

Berry foi influenciado por Nat King Cole, Louis Jordan e Muddy Waters, que acabaria o apresentando a Leonard Chess, da gravadora Chess. Enquanto ainda existem controvérsias sobre quem lançou o primeiro disco de rock, as primeiras gravações de Chuck Berry, como "Maybellene", de 1955, sintetizavam totalmente o formato rock and roll, combinando blues com música country e versos juvenis sobre garotas e carros, com dicção impecável e diferentes solos de guitarra.

A maioria de suas gravações mais famosas foram lançadas pela Chess Records, com o pianista Johnnie Johnson, o baixista Willie Dixon e o baterista Fred Below. Juntamente com o guitarrista Berry, eles se tornaram o sumário de uma banda de rock.

Durante sua carreira ele gravaria tanto baladas românticas (como "Havana Moon") quanto blues ("Wee Wee Hours"), mas foi no recém-nascido rock que Berry ganhou sua fama. Ele gravou mais de trinta sucessos a aparecerem no Top Ten, e suas canções ganharam versões de centenas de músicos de blues, country e rock and roll. Entre seus clássicos podemos citar "Roll Over Beethoven", "Sweet Little Sixteen", "Route 66", "Memphis, Tennessee", "Johnny B. Goode" (que possui provavelmente a mais famosa introdução de guitarra da história do rock), "Nadine", entre outras.

Quando jovem, Berry passou três anos em um reformatório por tentativa de assalto. Mas acusação pior viria em 1959, quando ele convidou uma índia apache de 14 anos que havia conhecido no México para trabalhar em seu clube noturno em St. Louis. A garota acabaria sendo pega pela polícia, assim como Berry, que foi acusado de entrar com uma menor nos limites do estado com propósitos sexuais. Ele foi condenado a cinco anos de prisão e multado em 5,000 dólares. Chuck foi solto em 1963, mas seus dias de glória ficaram para trás. Mesmo assim ele ainda obteve sucessos com "You never can tell" e "No particular no place to go", lançada em 1964. Em 1966 ele gravou pelo selo Mercury Records uma compilação de todos os seus sucessos, utilizando técnicas mais modernas de gravação. A partir de então, Chuck Berry raramente voltaria a lançar músicas novas, preferindo capitalizar para si o sucesso que suas canções clássicas tinham junto ao público.

Como exemplo de sua influência profunda, podemos lembrar das bandas inglesas dos anos 60. The Beatles, Animals, Rolling Stones, entre outros, regravaram suas músicas. Os Rolling Stones literalmente basearam seu estilo de tocar rock 'n' roll no dele. Quando Keith Richards premiou Berry no Hall da Fama, disse: "É difícil pra mim apresentar Chuck Berry, porque eu copiei todos os acordes que ele já tocou!"

Chuck Berry em show ao vivo em 1997Chuck viajou em turnê por muitos anos carregando apenas sua guitarra Gibson, confiante no fato de que poderia contratar uma banda que conhecia suas músicas em qualquer lugar que ele fosse. Entre os muitos artistas que serviram de apoio para Berry estiveram Bruce Springsteen e Steve Miller.

Depois de tocar seus maiores sucessos durante os anos 70, inclusive lançando um álbum ao vivo que foi grande sucesso comercial (London Sessions, de 1972), Berry teve problemas legais novamente em 1979, quando foi considerado culpado de sonegação de impostos. Ele foi sentenciado a quatro meses de prisão e a cumprir 1,000 horas de trabalho comunitário fazendo shows beneficentes.

Em 1986, Keith Richards organizou para seu ídolo confesso um grande show para comemorar seus 60 anos, realizado em Saint Louis. Nele foi filmado o documentário "Hail!Hail!Rock 'n' Roll", no qual Chuck Berry, acompanhado de Etta James, Julian Lennon, Robert Cray, Eric Clapton, entre outros convidados, celebrava sua carreira. Foi o seu último grande momento artístico na mídia, embora tenha continuado nos anos seguintes a fazer turnês. Chuck Berry teve seis de suas músicas incluidas na Lista das 500 melhores canções de sempre da Revista Rolling Stone, sendo "Johnny B. Goode" a sétima da lista. Com relação à sua música mais famosa, "Johnny B. Goode", há, ainda, a curiosidade de ser um dos sons humanos levados pelas naves Voyager 1 e 2 para o espaço, caso haja contato com seres extraterrestres.

Em junho de 2008, Chuck Berry realizou shows nas cidades de Rio de Janeiro, São Paulo, Curitiba e Porto Alegre.

Discografia

2002 - Chuck Berry - In Concert

2001 - Johnny B. Goode (Columbia River)

2001 - Blast From The Past: Chuck Berry

2000 - Live On Stage

2000 - Johnny B. Goode (Legacy)

2000 - Live!

2000 - Chuck Berry - Anthology

1999 - 20th Century Masters - The Best Of Chuck Berry

1998 - Rock & Roll Music

1998 - Live: Roots Of Rock 'N' Roll

1998 - The Latest & The Greatest / You Can Never Tell

1997 - Guitar Legends

1997 - Chuck Berry - His Best, Vol. 1

1996 - Let It Rock

1996 - Roll Over Beethoven

1996 - The Best Of Chuck Berry

1994 - On The Blues Side

1994 - Live At The Fillmore Auditorium (Bonus Tracks)

1988 - The Chess Box (Box Set)

1987 - Hail! Hail! Rock 'N' Roll

1986 - Rock 'N' Roll Rarities

1983 - 20 Hits

1982 - Chuck Berry (picture disc)

1982 - Chuck Berry

1982 - Reelin' And Rockin'

1982 - "Retro Rock" - Chuck Berry - Broadcast Week

1982 - The Great Twenty-Eight

1982 - Toronto Rock 'N' Roll Revival 1969 Vol. III

1982 - Toronto Rock 'N' Roll Revival 1969 Vol. II

1981 - Chuck Berry Live

1981 - Alive And Rockin'

1979 - Chuck Berry All-Time Hits

1979 - Rock It

1978 - Chuck Berry Live In Concert

1978 - Chuck Berry's 16 Greatest Hits

1978 - The Best Of The Best Of Chuck Berry

1976 - Chuck Berry's Greatest Hits

1975 - Chuck Berry

1974 - Chuck And His Friends

1974 - Flashback

1974 - Chuck Berry's Golden Decade Vol. 3

1974 - Wild Berrys

1973 - Sweet Little Rock And Roller

1973 - Bio

1973 - Chuck Berry's Golden Decade Vol. 2

1972 - Johnny B. Goode

1972 - St. Louie To Frisco To Memphis

1972 - The London Chuck Berry Sessions

1971 - San Francisco Dues

1970 - Back Home

1969 - Concerto In B. Goode

1968 - From St. Louie To Frisco

1967 - Live At The Fillmore Auditorium, San Francisco

1967 - Chuck Berry In Memphis

1967 - Chuck Berry's Golden Hits

1967 - Chuck Berry's Golden Decade

1965 - Fresh Berry's

1965 - Chuck Berry In London

1964 - St. Louis To Liverpool

1964 - Two Great Guitars - Chuck Berry And Bo Diddley

1964 - Chuck Berry's Greatest Hits

1963 - Chuck Berry On Stage

1962 - Chuck Berry Twist

1961 - New Juke-Box Hits

1960 - Rockin' At The Hops

1959 - Berry Is On Top

1958 - After School Session

1958 - One Dozen Berrys

1957 - Rock Rock Rock

" CURIOSIDADES "

No filme De Volta para o Futuro, quando o personagem Marty McFly está no baile da escola tocando uma música de rock, que na época (1955) ainda não existia, o primo de Chuck Berry, Marvin Berry (que também estava tocando no mesmo baile com sua banda Marvin Berry and the Starlighters) liga para Chuck falando da "nova música que ele estava procurando". A música em questão era "Johnny B. Goode", originalmente gravada por Chuck Berry, e um dos maiores sucessos do cantor e compositor. Marty interpretou-a no estilo psicodélico de Jimi Hendrix, que somente surgiria mais de dez anos depois, provocando um choque na platéia. O sucesso "Sweet Little Sixteen" foi cantado na Lua na primeira viagem do homem.

" BILL HALLEY AND THE COMETS "

2009-07-24T18:29:00.002-03:00

Bill Haley & His Comets foi uma banda de rock and roll que teve início nos anos 1950 e que continuou até a morte de Haley em 1981. Esta banda, também conhecida pelos nomes Bill Haley and The Comets e Bill Haley’s Comets, foi um dos primeiros grupos de músicos brancos a levar o rock às grandes platéias norte-americanas e ao redor do mundo. Seu líder, Bill Haley, era um músico de country; depois de gravar uma versão country de “Rocket 88”, uma cancão de R&B, ele mudou seu estilo para um novo som chamado rock and roll.

Embora diversos integrantes do Comets tenham ficado famosos, foi Bill Haley quem permaneceu como o astro. Com sua postura energética ao palco, muitos fãs consideram-nos tão revolucionários para sua época quanto os Beatles e os Rolling Stones foram para as suas.

Mais de 100 músicos tocaram com Bill Haley & His Comets entre 1952 e 1981, muitos tornando-se favoritos dos fãs. Várias tentativas de reunir a banda têm sido feita desde os anos 80.

Os Comets originais, que tocaram com Haley entre 1954 e 1955, iniciaram uma turnê mundial em 2005, tocando em casas de concerto nos Estados Unidos e na Europa. Dois outros grupos também clamam a posse do nome Bill Haley’s Comets, e também se apresentam nos Estados Unidos: um trazendo o baterista (de 1965 a 1968) John “Bam-Bam” Lane e o outro o baixista (de 1959 a 1969) Al Rappa.

Em março e julho de 2005 os integrantes do grupo de 1954-55, agora chamados simplesmente de The Comets, fizeram várias aparições em Nova Iorque e em Los Angeles como parte das comemorações dos 50 anos do rock and roll e dos 80 anos de Bill Haley.

" ELVIS PRESLEY "

2009-07-24T18:27:00.001-03:00

Um dos maiores fenômenos da música de todos os tempos. Uma das personalidades mais conhecidas em todo o mundo. Possui uma legião de fãs que qualquer outro artista nem sonha em conseguir. Conhecido simplesmente como “Rei”. Isso é Elvis Presley. Isso é Rock N’Roll.

Nascido no dia 8 de janeiro de 1935, em Tupelo, Mississipi, Elvis Aaron Presley cresceu numa família religiosa e começou a cantar desde criança nos corais das igrejas. Aos oito anos de idade venceu seu primeiro concurso de calouros e três anos depois já aprendia os primeiros acordes de guitarra.

Em 1948, sua família muda-se para Memphis e Elvis trabalha em várias lugares, de porteiro de cinema até motorista de caminhão. Em 1953, visita o Memphis Recording Service, um selo da Sun Records, e grava duas músicas para presentar sua mãe. Eram elas “My Happiness” e “That’s When Your Heartaches Begin”. O desempenho do cantor atraiu a atenção da gravadora e ele é contratado como músico de estúdio.

No ano seguinte, gravou o primeiro compacto com fins comerciais e começou a chamar a atenção da mídia com o seu potencial. O empresário Tom Parker levou Elvis para a ‘major’ RCA onde gravou seu primeiro grande sucesso, o EP “Heartbreak Hotel”. O disco entra no topo da parada da Billboard e após uma apresentação no programa de TV de Ed Sullivan, Elvis já era o novo herói americano.

Enquanto os mais velhos e conservadores se chocavam com a maneira ousada e indecente do cantor dançar, os mais jovens viam nele o símbolo de rebeldia, de libertação. Os ‘hits’ vieram um atrás do outro: “Blue Suedes Shoes”, “Hound Dog”, “All Shook up”, “Don’t Be Cruel”, assim corno os primeiros filmes – “Love me Tender”, “Loving You”, “Jailhouse Rock”, “King Creole”.

Em 1958, foi convocado e passou dois anos no Exército, onde conheceu sua futura esposa, Priscilla Beaulieu. Durante os próximos sete anos, Elvis trabalhou apenas como ator, estrelando filmes como “Flaming Star”, “Foolow That Dream”, “Wild in the Country”.

Em 1967, casou-se com Priscilla e, no ano seguinte, nasceu sua filha Lisa Marie. O cantor decide então que é hora de voltar aos palcos e, mesmo com as músicas mais lentas e românticas do que as que fazia no início de carreira, os shows de Elvis Presley continuam a ser disputadíssimos.

Uma bem sucedida temporada no Hotel Internacional de Las Vegas, em 1969, preparou-o para grandes excursões por todo os Estados Unidos. No início da década de 70, foram lançados os documentários “Elvis: Thats the Way it ls” e “Elvis on Tour”, e o famoso especial de TV, que também virou disco, “Elvis: Aloha from Hawaii via Satélite”.

O divórcio com Priscilla acontece em 1973 e o Rei viveu os três anos seguintes com a Miss Tennessee, Linda Thompson. Nessa época, Elvis teve vários problemas de saúde e excesso de peso, sendo hospitalizado mais de cinco vezes em quatro anos. Uma cirurgia para correção de um glaucoma secundário resultou em cegueira parcial, tornando-o dependente de vários remédios. Seu estado de saúde piorava a cada dia diante de todos mas ele se recusa a parar de cantar.

Anuncia seu terceiro casamento, desta vez com a Miss Memphis, Ginger Alden, em dezembro de 1977. Porém, foi encontrado inconsciente e levado ao hospital em 16 de Agosto do mesmo ano. Horas depois, Elvis Presley foi declarado morto, vitíma de um ataque cardíaco. A necrópsia revelou a ingestão de onze drogas (entre elas morfina, valium e valmid), que causaram arritmia cardíaca no cantor. Elvis foi enterrado em Memphis mas por questões de segurança, a família transferiu seu caixão para Graceland, em 1982.

É impossível avaliarmos a importância de Elvis Presley na música (especificamente no Rock) e o impacto que ele causou em toda uma geração. Suas roupas, seu topete, sua atitude, sua rebeldia, sua forma de dançar, suas músicas, seus filmes, ou seja, tudo em Elvis Presley fascina e é por isso que ele é conhecido até hoje como “Rei”.

" LITTLE RICHARD "

2009-07-24T18:23:00.001-03:00

Nasceu Richard Wayne Penniman, no dia 5 de dezembro de 1932 em Macon, Georgia, Estados Unidos Little Richard tem lugar cativo na história do rock’n’roll como um de seus pioneiros e maiores nomes em todos os tempos. Sua postura cênica, seu confrontamento radical aos tabus raciais e sexuais, o ritmo selvagem e primitivo de sua música, seu estilo de vida, seu jeito de vestir-se, falar e dançar o transformaram-no perante a juventude, num símbolo da rejeição aos valores da classe média.

Assim que sua música e sua voz começaram a ser ouvidas para além dos pequenos bares e clubes da Georgia, Richard conheceu o sucesso com hits inesquecíveis como
“Tutti Frutti” (de onde veio o grito de guerra
(“A wop-bop-a-loo-mop-alop-bam-boom”),
“Rip it up”, “Ready Teddy”,
“Long Tall Sally”, “Good Golly Miss Molly”
e tantos outros.

No início dos anos 60 (após escapar ileso de um acidente aéreo), Richard abandonou o rock e tornou-se pastor evangélico. Tentou voltar em 1975 com uma turnê desastrosa (vibrante pela Europa), mas a morte de um irmão o levou de volta à igreja para somente na segunda metade da década de 80 voltar a emplacar um sucesso nas paradas, “Great Gosh a Mighty”
do filme Beverly Hills Cop.
Isto lhe permitiu uma volta também ao meio artístico e uma aparição histórica na entrega dos prêmios Grammy ao clamar para si próprio o troféu que deveria entregar.
Continua a atuar e a ser uma das figuras mais bizarras e revolucionárias do rock.

" THE BEATLES "

2007-07-08T14:11:00.003-03:00

O grupo The Beatles surgiu em meados da década de 50, na Inglaterra. Os quatro garotos de Liverpool se tornaram uma das mais importantes bandas de rock de todos os tempos graças à sua genial criatividade e ao pioneirismo que ousaram usar em quase tudo que fizeram. Introduziram novos padrões musicais e comportamentais e foram um dos primeiros grupos pop a utilizar técnicas instrumentais avançadas e arranjos complexos em suas músicas. Foram, também, os inventores dos videoclipes.

A história da banda começa em 1956 quando John Winston Lennon, até então um estudante forma a sua primeira banda de rock. Visto que todos os componentes eram alunos da Quarry Bank High School a banda é nomeada The Quarrymen e passa a tocar em igrejas e festas escolares. Lennon era o líder da banda e responsável pelos vocais e guitarra. Em uma das apresentações a banda é observada e admirada por James Paul McCartney que logo se identifica com John Lennon visto que ambos apreciavam os mesmo estilos musicais e tinham ambições semelhantes. Paul McCartney foi convidado a entrar para o grupo e trouxe consigo George Harrison, que também tocava guitarra. John convenceu um amigo, Stuart Sutcliffe, a comprar um contrabaixo e se juntar a eles. O baterista Pete Best se juntou aos outros rapazes para completar a banda.

Porém, alguns do membros não estudavam mais no Quarry Bank High School, o que forçou a banda a mudar o seu nome. Durante algum tempo se apresentaram com nomes diferentes, e mais tarde se batizaram The Beetles (Os Bezouros), alusão à banda The Crickets (Os Grilos) de Buddy Holy. A grafia correta foi mudada para The Beatles, fazendo analogia à geração rebelde dos anos 50, chamada "beat".

Os Beatles foram convidados, em 1960, para se apresentar em Hamburgo, Alemanha, numa pequena excursão com outras bandas de Liverpool. Foi quando conheceram Ringo Starr, que assumiu definitivamente a bateria. Nessa época, Stuart deixa a banda, e Paul passa a tocar baixo. Durante os shows foi gravado um CD que se tornou uma das piratarias mais disputadas.

Os garotos foram descobertos pelo empresário Brian Epstein, responsável pelo sucesso e fama dos Beatles. Foram aceitos pelo selo Parlaphone, da gravadora EMI.

O primeiro álbum foi lançado em 1962, contendo canções como "Love Me Do" e "P.S. I Love You". Esse LP lançou a banda direto para os primeiros lugares das paradas, local que ocupou por diversos anos.

Dois anos mais tarde a beatlemania começou e foi registrada no filme "A Hard Day's Night", que documentava um dia na vida dos Beatles e que foi acompanhado pela trilha sonora de mesmo nome. Mais do que discos a banda vendia todos os tipos de material publicitário e artefatos relacionados à banda. Aproveitando a repercussão da turnê nos Estados Unidos é lançado às pressas o álbum "Beatles For Sale".

Em 1965 é lançado "Help!". O disco registrava o momento de pressão por que passava a banda para atender aos fãs e à gravadora. A banda, principalmente Lennon, aumenta a sua experiência com drogas até que então decidem não mais se apresentar ao vivo. No final deste mesmo ano foi lançado mais um LP, Rubber Soul, com arranjos complexos, instrumentos exóticos e letras elaboradas, ao invés das músicas simples do começo da carreira. Assim teve início a fase psicodélica da banda e o fim da beatlemania.

Em 1967, é lançado o álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". O disco disputa com "Piper at Gates of Dawn", do Pink Floyd, o marco inicial do rock progressivo. Sucesso absoluto de público e crítica.

A decadência da banda começa no mesmo ano, com a morte de Brian Epstein por overdose. As coisas ficavam cada vez mais difíceis, e apesar do lançamento de bons álbuns, a banda não conseguia quitar as dívidas de sua nova gravadora, a Apple.

O clima ficou pesado nas gravações do "White Album". O disco foi duramente criticado pela mídia em geral por ser considerado uma espécie de auto-indulgência. Depois deste ainda viriam "Yellow Submarine" e "Abey Road" , todos gravados com a intenção de fazer o nome dos Beatles voltar a ser tão disputado quanto antes. Enquanto isso, Paul McCartney e John Lennon já se arriscavam carreiras solo, sem admitir problemas internos no grupo.

Os Beatles anunciaram sua separação oficial logo após o lançamento de Let it Be,no ano de 1970.

Várias coletâneas e músicas inéditas ainda são lançadas até hoje e muitos fãs que esperavam a volta do grupo e só perderam as esperanças quando, em 1980, John Lennon foi assassinado, segundo a polícia de New York, por um fã alucinado, bem em frente a porta de seu prédio.

Em 1994, Paul, Ringo e George se reuniram para acabar uma canção deixada por Lennon, chamda "Free as a Bird". Aproveitaram e lançaram o álbum Anthology 1, reunindo essa música junto com materiais raros da banda. Eles lançaram "Real Love", outra composição de Lennon, que aparece no álbum Anthology 2; e em 1996 os ex-Beatles soltam o Anthology 3, completando a trilogia.

Em 2003, chega uma nova versão de "Let It Be", intitulada "Let It Be...Naked", sem os arranjos e intervenções do produtor Phil Spectore que, segundo Paul McCartney, é como o disco deveria ter sido conhecido desde o princípio. Em 2005 chegou`às lojas algumas coletâneas da banda e uma nova versão do álbum “Rubber Soul”, trazendo o repertório original do material na voz de grandes nomes do cenário musical. O álbum, batizado de “This Bird Has Flown - A 40th Anniversary Tribute To The Beatles”, chegou em outubro ao mercado com a presença de artistas como Ben Harper, The Donnas,
Ben Lee, Ted Leo, entre outros.