"PERRY COMO"

Pierino Ronald "Perry" Como (Canonsburg, 18 de maio de 1912 – Jupiter Inlet Colony, 12 de maio de 2001) foi um cantor e apresentador de televisão norte-americano. Durante mais de cinquenta anos de carreira ele gravou exclusivamente para a RCA Victor, após ser contratado em 1943. "Mr. C", como era conhecido, vendeu milhões de discos para a RCA e obteve destaque no meio televisivo por seu pioneirismo, ao apresentar um novo programa musical e de variedades, "The Perry Como Show", que foi um grande sucesso e estabeleceu-se como referência para o gênero, tornando-se um dos programas mais bem-sucedidos da História. O sucesso alcançado por Como na televisão e na música não foi igualado por nenhum outro artista da época.

Perry Como foi responsável por inúmeros sucessos, com vendagens tão altas, que a gravadora literalmente parou de contabilizar os números a pedido do próprio cantor. Os seus programas semanais e especiais de televisão eram transmitidos ao redor do mundo e sua popularidade aparentava não possuir barreiras geográficas ou culturais.
Ele se sentia igualmente à vontade em grandes apresentações ao vivo ou na quietude de um estúdio de gravação. O apelo de sua música atravessou gerações, tornando-o um artista respeitado tanto por seu profissionalismo quanto por sua conduta de vida pessoal. No obtuário feito em sua memória pela gravadora RCA Victor na revista Billboard americana, a sua vida foi resumida em poucas palavras:
"Cinquenta anos de música e vida bem vividos. Um exemplo para todos."
O compositor Ervin Drake disse sobre ele, "às vezes alguém como Perry surge e simplesmente não 'vai na onda dos outros', e mesmo assim prevalece, apesar de ser importunado pelos que o cercam para que ceda aos seus valores corrompidos. Mas isso só acontece às vezes." Perry Como foi agraciado com a Honraria do Kennedy Center em 1987, que representa o reconhecimento por contribuição significativa para a Cultura Americana através das artes cênicas e do espetáculo. Em 2006 o artista foi inserido no "Long Island Music Hall of Fame". Perry Como ainda tem a distinção de possuir três estrelas na Calçada da Fama de Hollywood, cada uma representando o seu trabalho no rádio, na televisão e na música.

Perry Como nasceu em Canonsburg, Pensilvânia, que fica aproximadamente 30 quilômetros ao sul de Pittsburgh. É o sétimo dos treze filhos do casal Pietro Como e Lucia Travaglini, que imigraram para os Estados Unidos em 1900, vindos da Itália, originários de Palena, na região de Abruzos.Ele era católico. Seu pai era barítono amador e colocou todos os filhos para estudar música, mesmo tendo dificuldades para pagar as aulas. Para ajudar no orçamento doméstico, o jovem Perry começou a trabalhar na barbearia de Steve Fragapane aos 10 anos de idade,
recebendo 50 centavos por semana.
Apesar de sempre ter gostado de cantar e, ainda na adolescência, ter mostrado talento para tocar trombone na fanfarra da cidade e órgão na igreja local, a primeira grande ambição de Perry Como era ser o melhor barbeiro da sua cidade. Com 14 anos de idade ele já era dono de sua própria barbearia. Em 31 de julho de 1933, ele se casou com a namoradinha da adolescência, Roselle Belline, que ele conheceu num piquenique em Chartier's Creek, na Pensilvânia, no ano de 1929, quando ele tinha 17 anos. Eles tiveram três filhos: Ronald, David e Therese. Em 1993 ele sobreviveu a um câncer de bexiga, depois de um tratamento bem-sucedido. Perry e Roselle continuaram casados até a morte dela em agosto de 1998, aos 84 anos. Como ficou devastado pelo falecimento de sua esposa.

Carreira

Em 1933, Perry uniu-se à banda de Freddy Carlone em Ohio, e três anos mais tarde foi trabalhar na Ted Weems' Orchestra, onde fez as suas primeiras gravações. A primeira delas foi uma canção intitulada "You Can't Pull the Wool Over My Eyes", gravada para o selo Decca Records.
Em 1942, o maestro Ted Weems dissolveu a banda, e então Perry decidiu retornar para Canonsburg, para ficar próximo à sua família e voltar a exercer a profissão de barbeiro. Ele estava cansado de viver viajando sem a companhia da esposa e do filho pequeno. Ainda quando negociava o aluguel de uma loja para reabrir sua barbearia, Perry recebeu uma ligação da General Artists Corporation, oferecendo-lhe seu próprio programa de rádio na emissora CBS, além de um contrato de gravação com a RCA Victor. Quem proporcionou o estímulo inicial para Perry recomeçar sua carreira foi a esposa, Roselle, que disse "Você sempre poderá abrir uma outra barbearia se não der certo!"

"Goodbye Sue", de 1943, composta por Jimmy Rule, Lou Ricca e Jules Loman, foi a primeira canção gravada na RCA Victor.Perry se tornaria o artista que mais tempo esteve contratado pela gravadora -- mais de 40 anos. No final do ano de 1944, ele foi para a rádio NBC fazer o programa Chesterfield Supper Club. Mais tarde, ele se tornaria um artista de grande sucesso no teatro e em apresentações em casas noturnas. No início dos anos 1940, houve ocasiões em que Frank Sinatra solicitava a Perry Como para substituí-lo em apresentações no Paramount Theater.
Em 1945, Como gravou a balada "Till the End of Time" (baseada na "Polonesa Heróica" de Chopin), que foi o marco inicial de sua carreira de sucesso. Ele se tornou também o primeiro cantor popular a alcançar a marca de dois milhões de discos vendidos, com dois LPs ao mesmo tempo no mercado, "Till the End of Time" e "If I Loved you", naquele mesmo ano. Perry Como foi o primeiro artista a ver dez de seus discos alcançarem a marca de um milhão de cópias vendidas. Da mesma forma, o seu programa de televisão alcançou uma audiência muito maior do que qualquer outro programa musical apresentado por um cantor até hoje.
Como obteve, segundo a pesquisa de Joel Whitburn das Paradas de Sucesso Americanas, quatorze músicas que chegaram ao topo em pelo menos uma das três listas da Billboard (cópias vendidas, disc jockeys e jukeboxes): "Till The End Of Time" (1945); "Prisoner of Love" (1946); "Surrender" (1946); "Chi-Baba, Chi-Baba" (1947); "A - You're Adorable" (1949); "Some Enchanted Evening" (1949); "Hoop-De-Doo" (1950); "If" (1951); "Don't Let The Stars Get In Your Eyes" (1952); "No Other Love" (1953); "Wanted" (1954); "Hot Diggity (Dog Ziggity Boom)" (1956); "Round And Round" (1957); and "Catch a Falling Star" (1957).
Em 14 de março de 1958, a RIAA, a associação das grandes gravadoras americanas, certificou o hit "Catch a Falling Star" como o primeiro Disco de Ouro da entidade."Catch a Falling Star" foi composta por Paul Vance e Lee Pockriss. A dupla também foi responsável pela canção "Itsy Bitsy Teeny Weeny Yellow Polka Dot Bikini." Nesse mesmo ano, Perry Como foi premiado na primeira edição do Grammy, na categoria Melhor Performance Vocal Masculina, com a música "Catch a Falling Star". O seu último hit Top 40 foi uma versão da música de Don McLean, "And I Love You So",
gravada em 1973.





Ele gravou muitos discos para a RCA entre 1952 e 1987, e são atribuídos a ele numerosos discos de ouro. Perry Como possuía tantos discos que alcançaram esse status, que ele simplesmente se negou a certificar a vendagem de muitos deles. Era a simplicidade que tanto o diferenciava dos seus colegas do meio artístico, e que o fazia ser adorado por legiões de fãs ao redor do mundo. Sabe-se que Perry Como vendeu milhões de discos durante sua carreira, mas ele evitava constantemente que esses números fossem divulgados.

Após 27 anos sem se apresentar em casas noturnas, ele decidiu aceitar um convite para cantar no International Hotel em Las Vegas, em junho de 1970. Desde 1944 que ele não fazia apresentações, tendo cantado a última vez no famoso nightclub Nova Iorquino, Copacabana. Ainda que tenha continuado a apresentar-se regularmente em Las Vegas, ele limitou suas apresentações apenas a essa cidade. Foi também nos anos 1970 que Como fez a sua primeira grande apresentação fora dos Estados Unidos, em um show no London Palladium, destinado a arrecadar fundos para instituições de caridade infantil, em maio de 1974. Perry voltaria ao Reino Unido em novembro, novamente ao Palladium, para uma apresentação para a Família Real Britânica, também para arrecadar fundos para instituições de caridade. Logo depois disso, em 1975, ele anunciou sua primeira turnê, que começaria pelo Reino Unido.

Nos anos 1980, o clima no ambiente de gravação já não era mais o mesmo dos velhos tempos da RCA Victor. No início de sua carreira, as sessões em estúdio eram repletas de diversão e alegria. Em uma gravação de 1959 da música "Santa Claus is Comin' to Town", um ouvinte mais atento poderá escutar Perry gargalhando no momento de uma entrada da orquestra. Mas em anos recentes, o ambiente de estúdio tornou-se muito mais sombrio. Por esse motivo, ele abandonou a gravação do que seria seu último álbum de estúdio, no início dos anos 1980. Em 1987 ele voltou a gravar para a RCA, dessa vez, com uma pessoa de sua inteira confiança: o amigo e parceiro Nick Perito. Sua gravação de "The Wind Beneath My Wings" era quase autobiográfica -- uma conclusão perfeita para uma carreira longa e bem-sucedida. Ele gravou apenas mais uma vez, em 1994, para o seu Concerto de Natal na Irlanda.
A partir de 1989 até o ano de sua morte, 2001, Como apresentou um programa de rádio semanal com John Knox, chamado "Weekend With Perry".

Características vocais

Segundo Perry Como, o artista que mais influenciou a sua maneira de cantar foi Bing Crosby. O estilo de Perry Como é amplamente conhecido por suas "acrobacias" vocais, como registrada na canção "Hot Diggity (Dog Ziggity Boom)". Mas essa era apenas uma de suas facetas, como descrito pelo crítico musical Gene Lees no encarte do LP de 1968, "Look To Your Heart":

Apesar da sua imensa popularidade, Perry Como é raramente reconhecido pelo que está tão evidente em sua obra: que ele é um dos maiores cantores e um dos maiores artistas da atualidade. Talvez o fato dele não fazer tanto alarde sobre seus formidáveis atributos vocais seja uma das razões pela qual as pessoas raramente falam sobre eles. A celebrada personalidade casual e tranquila de Perry Como sempre foi mal compreendida. Para se atingir a simplicidade em qualquer esforço artístico precisa-se ter o domínio sobre pequenos detalhes, que no fim formam o todo. Dessa forma, pratica-se tanto a execução desses detalhes, que eles se unem de forma indissolúvel, até que se pode esquecer as tecnicidades para se concentrar apenas no ato de fazer determinada coisa. Como atingiu tanta perfeição na execução das minúcias de sua arte que parece não fazer esforço ao executá-las. Porém, foi preciso muita dedicação e esforço para que ele chegasse a esse resultado. Perry Como é reconhecido por ser meticuloso em relação aos ensaios para as gravações dos seus discos. Ele tenta cantar em tons diferentes, pensa sobre a canção, conversa, dá sugestões, tenta de novo, e de novo, até ficar satisfeito com o resultado final. Esse trabalho que ninguém vê, o faz parecer o Sr. Casual, e, inclusive, muitas pessoas acreditam piamente que ele é apenas isso. Mas eu, como crítico musical, dediquei muitos anos ao estudo da arte de cantar, e a obra de Perry sempre me impressiona. A sua técnica é fantástica. Convido o ouvinte a sentir a perfeição da sua entonação, a beleza do som que ele produz, o constante e confortável controle da respiração. E atente para suas notas mais agudas. Leigos são frequentemente impressionados pelas longas notas agudas que ele consegue sustentar. Profissionais do meio sabem que é muito mais dificil se alcançar uma nota aguda partindo do silêncio. Perry Como brilha ao cantar um Dó ou Ré tão suavemente quanto um pássaro cantando numa árvore -- com absoluto controle e perfeição. E depois tem o seu fraseado. Muitos cantores sabem frasear bem. O jeito comum de se fazer um fraseado é pensar como seria a letra de uma música se ela fosse falada, e então se aproximar do ritmo e das inflexões dessa fala na hora de cantar. Isso implica alterar a melodia, mas é uma prática louvável e, quando bem executada, proporciona resultados impressionantes. Mas Como é muito mais que isso. Ele não acha necessário mudar a linha melódica de uma canção para colocar emoção nela. Um grande trompetista de Jazz me disse uma vez, "Depois de quinze anos tocando, concluí que uma das coisas mais difíceis de se fazer é executar a melodia corretamente e ao mesmo tempo dar emoção a ela." Perry Como vem fazendo isso desde o início. Em matéria de estilo, ele vem da escola Bing Crosby-Russ Colombo. Mas isso foi há muito tempo. Como já vem andando com as próprias pernas há muitos anos. Sua voz é única, ele não soa como nenhum outro artista. E também, nenhum outro soa como ele. É tão difícil imitá-lo justamente por seu trabalho ser tão livre de malabarismos. Não existe nenhum maneirismo que um outro cantor possa copiar. Tudo o que podem fazer é tentar cantar tão bem e tão honestamente quanto Perry, e qualquer artista que fizer isso vai acabar soando como ele mesmo, não Perry Como.

Cinema

Em 1943 Perry começou a fazer filmes em Hollywood, assinando um contrato de 7 anos com a 20th Century-Fox. Ele trabalhou em cinco fitas: "Alegria, Rapazes" (Something for The Boys, 1944), "Sonhos de Estrela" (Doll Face, 1945) - ambos com participações de Carmen Miranda -, "March of Time" (1945), "Se Eu Fosse Feliz" (If I'm Lucky, 1946) - também com participação de Miranda -, e "Minha Vida É uma Canção" (Words and Music, 1948), mas ele nunca pareceu estar à vontade fazendo filmes. Outro problema era o declínio em popularidade dos musicais junto ao público, o que forçou os estúdios a deixarem de produzir esse gênero de filme. Em 1948, Como solicitou uma rescisão de contrato e foi liberado amigavelmente pela Fox.Citando o próprio, "Eu estava disperdiçando o tempo deles e eles o meu." Enquanto fazia o seu programa semanal de televisão, Perry recebeu algumas propostas interessantes para fazer cinema, mas ele raramente tinha tempo para se dedicar aos filmes.

Televisão

Perry Como iniciou sua nova carreira quando a NBC passou a transmitir pela TV o programa de rádio Chesterfield Supper Club em 24 de dezembro de 1948. Um convidado muito especial nesse primeiro programa foi o seu filho de 8 anos, Ronnie, que participou de um coral de crianças. Durante a temporada de 1949-1950, o programa durava meia hora, e era exibido nas noites de domingo, concorrendo diretamente com o programa Toast of The Town, de Ed Sullivan. Em 1950, Perry foi para a CBS e o nome do programa foi mudado para The Perry Como Show, novamente patrocinado pela marca de cigarros Chesterfield. A atração tinha 15 minutos, indo ao ar às segundas, quartas e sextas-feiras, logo após o CBS Television News (mais tarde conhecido como Douglas Edwards with the News). O programa também era simultaneamente transmitido no rádio através do Mutual Broadcasting System. A atração continuou a ser exibida no início anos 1950 até retornar para a NBC no outono de 1955, agora apenas aos sábados, com uma hora de duração, e continuando a apresentar números musicais, esquetes de humor e participações especiais de artistas da época. A música de abertura era "Dream Along With Me".

Perry recebia milhares de cartas com pedidos para cantar determinadas músicas, e foi nessa época que ele começou a usar os característicos casacos de lã (cardigans) que se tornariam a sua marca registrada. O tema de encerramento do programa era a música "You Are Never Far From Me". O locutor Frank Gallop se tornou uma espécie de "escada" para as brincadeiras e piadas de Perry, pois ele era a "voz invisível que vinha do céu" durante a primeira temporada do programa. Havia um clima de descontração tanto nos ensaios como no programa em si. Em dezembro de 1955 os telespectadores puderam ver pela primeira vez o que Perry fazia antes de se tornar um cantor profissional. O ator Kirk Douglas era um dos convidados do programa, e tinha deixado a barba crescer para interpretar Vincent Van Gogh no filme "Sede de Viver" (Lust for Life, 1956), que ele tinha terminado de filmar naquela semana. Perry Como fez a barba de Kirk Douglas ao vivo em rede nacional. Em 15 de setembro de 1956, o primeiro programa da nova temporada do Perry Como Show foi transmitido em cores diretamente dos novos estúdios da NBC no Ziegfeld Theatre em Nova Iorque, tornando-o um dos primeiros programas semanais a ser transmitido em cores. Em 1959, o programa de Como passou para as noites de quarta-feira, agora com o nome "Perry Como's Kraft Music Hall". O programa duraria 8 anos, e nos últimos quatro (1963-1967) foi transmitido mensalmente na forma de especial, revezando-se com os programas "Kraft Suspense Theatre", "The Andy Williams Show" e finalmente "The Road West".

Obra

Gravou versões que ficaram famosas em sua voz:

Magic Moments
Papa Loves Mambo
Catch A Falling Star
It's Impossible
And I Love You So
(There's No Place Like) Home For The Holidays
I'll Be Home for Christmas
Some Enchanted Evening
Don't Let The Stars Get In Your Eyes
Moon River
Prisoner Of Love
Santa Claus Is Coming to Town
Winter Wonderland
I've Got You Under My Skin
If

"DINAH WASHINGTON"

Dinah Washington, pseudônimo de Ruth Lee Jones (Tuscaloosa, Alabama, EUA, 29 de agosto de 1924 - 14 de dezembro de 1963), americana,
cantora de jazz, blues e música religiosa.
De família de baixa renda, mudou-se para Chicago aos quatro anos. Teve uma infância solitária, já que seu pai, um apreciador de cassinos, raramente estava em casa, e sua mãe passava os dias na rua atrás do dinheiro para sustentar Dinah,
suas irmãs e pagar as freqüentes dívidas do marido.
Sozinhas em casa, as meninas começaram a se refugiar na igreja, onde passavam as tardes. Dinah tocava piano, assim como sua mãe, e todas cantavam no coral.
Antes da adolescência, Dinah começou a fazer sucesso nas redondezas do bairro onde vivia, e logo tocava piano e cantava gospel por toda Chicago, até vencer um concurso de calouros cantando blues. O concurso lhe rendeu um convite para participar do conjunto vocal Sarah Martin Singers, pouco antes de completar doze anos. Aos quinze anos, diante das proibições de sua mãe, começou a fugir pela janela de seu quarto para cantar à noite em bares e clubes, onde também
começou desenvolver seu gosto pela bebida.
Apesar da pouca idade, seu fantástico senso de fraseado, tonalidade e ataque fizeram com que o bandleader Lionel Hampton a contratasse imediatamente quando a viu cantar no ano de 1943. Foi nessa época que mudou seu nome de Ruth Lee Jones (nomes comuns nos EUA) para o mais pomposo Dinah Washington. Depois do debut com o bandleader, Dinah Washington conquistou prestígio pleno, gravando, apresentando-se e vendendo muito até sua morte. Passou três anos junto a banda de Hampton.
Gravou diversos estilos de música, um de seus grandes sucessos foi a canção do astro country Hank Williams Senior “Cold Cold Heart”, apenas não gostando de gravar gospel, pois dizia que não gostava de misturar assuntos espirituais com profanos.
Apesar de seus discos lhe renderem bastante dinheiro, possuía um estilo de vida bastante dispendioso, comprando jóias e carros, além de querer dar para a filha uma infância de luxo, diferente da sua.
Morreu aos 39 anos de idade após ingerir inibidores de apetite com bebida alcoólica.

"DEAN MARTIN"

Dean Martin (Steubenville, 7 de junho de 1917 — Beverly Hills, 25 de Dezembro de 1995) foi um dos mais influentes artistas do século 20, tanto na música, televisão, bem como no cinema. Seu nome de batismo é Dino Paul Crocetti.
Era integrante da "Rat Pack", um grupo de amigos formado por Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr., Peter Lawford e Joey Bishop que realizaram algumas atividades artísticas em conjunto na década de 1960. É bastante reconhecido por sua parceria de enorme êxito com Jerry Lewis. Morreu em decorrência de câncer no pulmão.
Possui três estrelas na "calçada da fama", uma (6519 Hollywood Boulevard) por seu trabalho no cinema, a segunda (1817 Vine) por suas gravações, e a terceira (6651 Hollywood Boulevard) por seu trabalho na televisão.
Era pai do também cantor e ator Dean Paul Martin, cuja morte prematura fez o pai encerrar a carreira.




1953 - Dean Martin Sings
1955 - Swingin' Down Yonder
1955 - Dean Martin
1957 - Pretty Baby
1959 - Sleep Warm
1959 - A Winter Romance
1960 - This Time I'm Swingin'!
1961 - Dean Martin
1962 - Dino: Italian Love Songs
1962 - Cha Cha de Amor
1962 - French Style
1963 - Country Style
1963 - Dean "Tex" Martin Rides Again
1963 - Dino Latino
1964 - Dream with Dean
1964 - Everybody Loves Somebody
1964 - The Door Is Still Open to My Heart
1964 - Live at the Sands Hotel
1965 - Holiday Cheer
1965 - (Remember Me) I'm the One Who Loves You
1965 - Dean Martin Hits Again
1965 - Houston
1966 - Somewhere There's a Someone
1966 - The Hit Sound of Dean Martin
1966 - The Best of Dean Martin
1966 - Christmas Album
1966 - Songs From The Silencers
1966 - The Dean Martin TV Show
1967 - Happiness Is Dean Martin
1967 - Welcome to My World
1968 - Gentle on My Mind
1969 - I Take a Lot of Pride in What I Am
1970 - My Woman, My Woman, My Wife
1971 - For the Good Times
1972 - Dino
1973 - Sittin' on Top of the World
1973 - You're the Best Thing That Ever Happened to Me
1978 - Once in a While

Filmografia

1949 – My Friend Irma (Amiga da Onça)
1950 – My Friend Irma Goes West (Minha Amiga Maluca)
1950 – At War with the Army (O Palhaço do Batalhão)
1951 – That's My Boy (O Filhinho do Papai)
1952 – Sailor Beware (O Marujo Foi na Onda)
1952 – Jumping Jacks (Malucos do Ar)
1952 – Road to Bali (De Tanga e de Sarong)
1953 – The Stooge (O Biruta e o Folgado)
1953 – Scared Stiff (Morrendo de Medo)
1953 – The Caddy (Sofrendo da Bola)
1953 – Money from Home (A Barbada do Biruta)
1954 – Living It Up (A Farra dos Malandros)
1954 – 3 Ring Circus (O Rei do Circo)
1955 – You're Never Too Young (O Meninão)
1955 – Artists and Models (Artistas e Modelos)
1956 – Pardners (O Rei do Laço)
1956 – Hollywood Or Bust (Ou Vai ou Racha)
1957 – Ten Thousand Bedrooms (10 Mil Alcovas)
1958 – The Young Lions (Os Deuses Vencidos)
1958 – Some Came Running (Deus Sabe Quanto Amei)
1959 – Rio Bravo (Onde Começa o Inferno)
1959 – Career (O Calvário da Glória)
1960 – Who Was That Lady? (Quem Era Aquela Pequena?)
1960 – Bells Are Ringing (Essa Loura Vale Um Milhão)
1960 – Ocean's Eleven (Onze Homens e Um Segredo)
1960 – Pepe
1961 – All in a Night's Work (A Dama da Madrugada)
1961 – Ada
1962 – Something's Got to Give (filme não concluído)
1962 – Sergeants 3 (Os 3 Sargentos)
1962 – The Road to Hong Kong (Dois Errados no Espaço)
1962 – Who's Got the Action? (... Ela Topou a Parada)
1963 – Come Blow Your Horn (O Bem Amado)
1963 – Toys in the Attic (Na Voragem das Paixões)
1963 – 4 for Texas (Quatro Heróis do Texas)
1963 – Who's Been Sleeping in My Bed? (Quem Anda Dormindo em Minha Cama?)
1964 – What a Way to Go! (A Senhora e Seus Maridos)
1964 – Robin and the 7 Hoods (Robin Hood de Chicago)
1964 – Kiss Me, Stupid (Beija-Me Idiota)
1965 – The Sons of Katie Elder (Os Filhos de Katie Elder)
1965 – Marriage on the Rocks (Vamos Casar Outra Vez)
1966 – The Silencers (O Agente Secreto Matt Helm)
1966 – Texas Across the River (Dois Contra o Oeste)
1966 – Murderers' Row (Matt Helm Contra o Mundo do Crime)
1967 – Rough Night in Jericho (A Noite dos Pistoleiros)
1967 – The Ambushers (Emboscada Para Matt Helm)
1968 – How to Save a Marriage (and Ruin Your Life) (Como Salvar Um Casamento e Arruinar Sua Vida)
1968 – Bandolero! (O Preço de Um Covarde)
1968 – 5 Card Stud (Pôquer de Sangue)
1969 – The Wrecking Crew (Arma Secreta contra Matt Helm)
1970 – Airport (Aeroporto)
1971 – Something Big (Os Renegados)
1973 – Showdown (Inimigos a Força)
1975 – Mr. Ricco
1981 – The Cannonball Run (Quem Não Corre, Voa)
1984 – Cannonball Run II (Um Rally Muito Louco)

"LOUIS ARMSTRONG"

Louis Daniel Armstrong (Nova Orleans, 4 de agosto de 1901 — Nova Iorque, 6 de julho de 1971) é considerado "a personificação do jazz".
Louis Armstrong é famoso tanto como cantor quanto como solista, com seu trompete.
Armstrong nasceu numa família muito pobre. Passou a sua juventude na pobreza num bairro de Nova Orleans, conhecido como "as costas da cidade". O seu pai, William Armstrong, abandonou a família quando Louis ainda era criança e casou-se com outra mulher. A sua mãe, Mary Albert Armstrong, deixou Louis com a sua tia, o seu tio e a sua avó. Aos cinco anos ele voltou a viver com a sua mãe e via o pai muito raramente. Ele esteve na Fisk School for Boys onde pela primeira vez entrou em contacto com a música. Levou algum dinheiro para casa como entrega-jornais e sapateiro ambulante. Contudo, isso não era suficiente para manter a sua mãe longe da prostituição. Passou a entrar à socapa em bares de música perto de sua casa para ouvir e ver os cantores.
Conheceu dias muito difíceis, e olhava para a sua juventude como o pior momento da sua vida e, por vezes, até retirava inspiração dela: "Every time I close my eyes blowing that trumpet of mine, I look right in the heart of good old New Orleans...It has given me something to live for." ("Todas as vezes que eu fecho os meus olhos tocando aquele meu trompete, eu olho logo no coração da boa velha Nova Orleans... Ela deu-me algo pelo que viver.")
Conseguiu comprar um trompete, com dinheiro emprestado de uma família imigrante russo-judia, os Karnofskys que, até ao final da sua vida, considerou como membros da família visto que cuidaram dele vários dias e noites, enquanto a sua mãe trabalhava. Por essa razão, Louis usou uma Estrela de David pelo o resto de sua vida.
Após sair da Fisk School aos 11 anos, Armstrong formou um quarteto que tocava na rua para ganhar algum dinheiro e também por esta altura ele começou a meter-se em sarilhos.
O tocador de corneta Bunk Johnson ensinou-o a tocar de ouvido no Dago Tony's Tonk em Nova Orleans, apesar de Louis ter dado crédito a um músico, de seu nome, Oliver, nos anos seguintes. Armstrong desenvolveu fortemente a sua maneira de tocar trompete na banda "New Orleans Home for Colored Waifs", onde ele fora várias vezes enviado por delinquência juvenil (mais notavelmente por disparar a arma do seu padrasto para o ar numa celebração de Véspera de Ano Novo, assim confirmam os registos policiais). O professor Peter Davis instalou disciplina e providenciou educação musical ao rapaz. Eventualmente, Davis fez Armstrong o líder da banda.
A Home tocou por toda Nova Orleans e o rapaz de 13 anos passou a chamar atenção pelo modo como tocava trompete, começando uma nova carreira musical. Aos 14 anos ele saiu da Home e viveu com o seu pai e a nova madrasta e depois com a sua mãe e as ruas. Armstrong ganhou o seu primeiro emprego noturno no Henry Ponce's, onde Black Benny se tornou o seu protector e tutor. Queimava carvão na fábrica de dia e tocava trompete à noite.
Ele tocou frequentemente nas Brass Band Parades e ouviu os músicos mais velhos sempre que podia, aprendendo com Bunk Johnson, Buddy Petit, Kid Ori e, acima de tudo, com Joe "King" Oliver, que atuou como mentor e figura paternal para o jovem músico. Mais tarde, ele tocou nos riverboats de Nova Orleans, trabalhando com Fate Marable subindo e descendo o Mississipi. Ele descreveu o tempo passado com Marable como "indo para a universidade", o que lhe proporcionou uma experiência única.
Em 19 Março de 1918, Satchmo (a alcunha de Armstrong) desposou Daisy Parker de Gretna, Louisiana. Eles adotaram uma criança de 3 anos, Clarence Armstrong, cuja mãe, a prima de Louis, Flora, morrera no parto (problematica mental). Clarence Armstrong foi doente mental (resultado de uma pancada em tenra idade) e Louis passaria o resto da sua vida a tomar conta dele. Louis divorciou-se de Daisy e pouco depois, esta faleceu.
Durante as suas experiências de "Riverboat", a música de Armstrong começou a amadurecer. Aos vinte anos, já conseguia ler partituras e começou a tocar grandes e prolongados solos de trompeta, sendo um dos primeiros Jazzmen a fazê-lo e introduzindo a sua personalidade e estilo nos seus solo turns. Ele acabara de aprender como criar um som único, e começara a cantar nas suas performances. Em 1922, Armstrong foi para Chicago, por convite de Joe "King" Oliver, para se juntar à sua "Creole Jazz Band" onde ganhava o suficiente sem ter de atuar nos velhos clubes nocturnos. Chicago, a cidade do vento, estava povoada de muitos negros, que após trabalharem nas fábricas, tinham algum dinheiro para gastar numa ida ao bar.
Armstrong viveu em Chicago no seu próprio apartamento, com a sua própria casa de banho privada (a sua primeira). Entusiasmado de se encontrar nesta cidade, começou a escrever cartas nostálgicas aos seus amigos em Nova Orleães. À medida que a carreira de Armstrong crescia, ele era desafiado a "cutting contests" (competições nas quais um músico tenta roubar o emprego do outro tocando melhor do que ele) por hornmen tentando acabar com o novo fenómeno. No entanto, falharam. Armstrong fez as suas primeiras gravações nas Gennett e Okeh labels (os recordes de jazz estavam a começar a rebentar por todo o país), incluindo alguns solos e breaks, enquanto segundo trompete na banda de Oliver em 1923. Por esta altura, ele conheceu Hoagy Carmichael (com quem ele colaboraria depois) que foi introduzida por Bix Beiderbecke, seu amigo, que agora possuía a sua "Chicago band".
A sua segunda mulher, a pianista Lil Hardin Armstrong, fez com que Armstrong desenvolvesse o seu novo estilo afastado de Oliver. Ela convenceu o seu marido a tocar música clássica nas igrejas, para aperfeiçoar o seu estilo e a experimentar a tocar sem banda, além dos solos, e com coral religioso. A influência de Lil determinou eventualmente a relação entre Armstrong e o seu mentor, especialmente as questões do salário e dos dinheiros adicionais que Oliver afastava dele e dos outros membros da banda. A banda desfez-se em 1924 e Armstrong foi convidado a ir à cidade de Nova Iorque para tocar com a Fletcher Henderson Orchestra, a banda Américo-Africana de mais sucesso naquele período. Louis aprendeu como tocar em orquestra pela primeira vez.






Armstrong rapidamente adaptou-se ao mais controlado estilo de Henderson e os outros músicos rapidamente tomaram Armstrong como um músico emocional e natural.
Durante esta altura, Armstrong efectuou várias gravações, arranjadas por um seu velho amigo de Nova Orleães, o pianista Clarence Williams, estas incluíam concertos de banda Williams Blue Five (na qual Armstrong entrava), alguns solos de jazz e uma série de acompanhamentos com tocadores de Blues, incluindo Bessie Smith, Ma Rainey e Alberta Hunter.
Armstrong regressou a Chicago em 1925 devido à sua mulher, que queria incentivá-lo a prosseguir com a sua carreira. Ele gostou muito de Nova Iorque e admitiu que a Henderson Orchestra era bastante limitada. Ele começou a fazer gravações com o seu próprio nome com os famosos Hot Five e Hot Seven, produzindo grandes êxitos como Potato Head Blues, Muggles (uma referência à marijuana) e West End Blues.
O grupo incluia Kid Ory (trombone), Johnny Dodds (clarinete), Johnny St. Cyr (banjo), a mulher de Armstrong e, normalmente, nenhum tamborista. Sobre Armstrong, St. Cry disse: "One felt so relaxed working with him...he always did his best to feature each indidual" ("Todos relaxavam ao trabalhar com ele...ele fazia sempre o seu melhor para realçar cada um dos membros da banda.") As suas gravações com o pianista Earl "Fatha" Hines e a introdução de Armstrong em West End Blues permanecem as mais famosas influências na história do Jazz. Armstrong era agora livre para desenvolver o seu estilo pessoal como ele quisesse.
Armstrong também tocou com "Erskine Tate's Little Symphony", no teatro de Vendome. Eles forneceram música para filmes mudos e shows ao vivo, incluido versões de música clássica "jazzeadas" entre as quais Madame Butterfly, o que proporcionou a Armstrong experiência com novos tipos de música e actuações perante uma grande audiência. Tornaram-se a banda de Jazz mais famosa na América.
Após separar-se de Lil, Armstrong começou a tocar no café Sunset para Joe Glaser, um associado de Al Capone. Na Carrol Dickerson Orchestra, com Earl Hines no piano, que rapidamente foi transformada na Louis Armstrong's Stompers, Armstong fez amizade vitalícia com Hines e dirigiu, pela primeira vez, um grupo musical.
Armstrong regressou a Nova Iorque em 1929, onde ele tocou na orquestra do musical Hot Chocolate e fez uma partipação especial na banda de Charles John Degoniah. Ele começou a trabalhar no Connie's Inn em Harlem, o segundo clube nocturno mais famoso da Grande Maçã. Armstrong teve também um sucesso considerável com as gravações vocais, incluindo versões das famosas músicas compostas pelo seu velho amigo Hoagy Carmichael. As suas gravações de 1930 ganharam vantagem total devido ao "ribbon microphone" (microfone de peito) sobre todas as outras gravações de bandas da época, com menos qualidade. A mais famosa foi: "Stardust", que até hoje permanece uma das gravações com mais lucro de Armstrong.
A Depressão dos anos 30 atacou de forma violenta o jazz. Bix Beiderbecke faleceu e a banda de Fletcher Henderson dispersou-se. Muitos músicos deixaram de tocar nos clubes nocturnos e alguns deixaram mesmo de ser músicos. King Oliver fez algumas gravações mas não tiveram êxito nenhum. Sidney Bechet tornou-se alfaiate e Kid Ory regressou a Nova Orleães para criar galinhas. Armstrong deslocou-se para Los Angeles em 1930 à procura de novas oportunidades. Ele tocou no New Cotton Club em L.A. com Lionel Hampton nos tambores. Em 1931 Armstrong apareceu no seu primeiro filme: Ex-Flame. Ele regressou a Chicago em Dezembro de 1931 e tocou nas bandas de Guy Lombardo e Raphael Minsby onde foi relembrado pelo público. Viajou por quase todos os estados e em Março de 1934 regressou a Nova Orleães, onde foi recebido como um herói. Ele patrocinou uma equipa de basquetbol local, "Armstrong's Secret Nine", e deram-lhe o seu nome a um tipo de cigarro. Mas pouco tempo depois, ele regressou à estrada e foi novamente esquecido, o que fez com que ele fugisse para a Europa.
Após regressar aos E.U.A., ele tomou várias longas e exaustivas digressões. O seu agente, Johnny Collins, fez com que Armstrong ficasse com pouco dinheiro. Ele despediu-o e contractou Joe Glaser, que resolveu as suas dividas e os seus processos.
Ele regressou ao cinema e participou num programa de radio, Rudy Valley's Show, em que ele entrevistou muitos músicos e tocou alguns solos. Divorciou-se de Lil em 1938 e casou com a sua nova namorada, Alpha.
Após muitos anos na estrada, ele fez residência em Queens, Nova Iorque, em 1943 com a sua quarta mulher, Lucille. Apesar de alguns ataques racistas (roubar o correio, atirar pedras à casa) integrou-se com os negros e alguns brancos do seu bairro.
Durante os trinta anos seguintes da sua vida, Armstrong tocou inúmeros solos e com inúmeras bandas, participou de filmes. Enfrentou algumas críticas por parte dos ativistas negros norte-americanos, pelo fato de não militar mais ativamente no movimento dos direitos civis. Porém é preciso lembrar que, naquela época, Louis já se aproximava dos 60 anos de idade, e pertencia a uma geração diferente daquela que estava assumindo a linha de frente dos protestos e da militância no final dos anos 50 e ao longo dos anos 60. Armstrong trabalhou até os seus últimos dias, e morreu dormindo em sua casa, em Nova Iorque, em 6 de julho de 1971.

Os All Stars

O agente de Armstrong, Joe Glaser, acabou com uma banda que ele tinha formado, e recomendou a Armstrong a criação de uma nova banda formada por pessoas suas amigas. O grupo chamou-se os All Stars e incluiu Earl "Fatha" Hines, Barney Bigard, Edmond Hall, Jack Taegerdon, Jesmiah Burt, Trummy Young, Arvell Shaw, Billy Kyle, Marty Napoleon, Big Sid Catlett, Cozy Cole, Barrett Deems e Danny Barcelona.
Em 1964 ele atingiu o maior recorde de vendas, ultrapassando ainda as suas antigas gravações com "Hello, Dolly!". A música ficou em primeiro lugar nos Top 10, fazendo com que Armstrong, com 63 anos de idade, a pessoa mais idosa a conseguir tal feito, destronando até os Beatles, que estavam, por 14 semanas seguintes, em 1º lugar.
Antes de morrer, em 1971, andou por todos os continentes, excepto a Oceânia e a Antárctica, em digressão, ganhando o nome de "Embaixador Satch".
Nos seus primeiros anos, Armstrong foi mais conhecido por tocar corneta e trompete. Também nos seus primeiros anos, a melhor e mais conhecida música foi os Hot Five e Hot Seven. Ainda hoje ele é conhecido por isso.
Resta dizer que Armstrong foi fortemente influenciado por Martin Luther King no tipo de músicas que ele tocava e nas letras, que eram algumas vezes acerca do racismo e da necessidade, da altura, de acabar com este.
Louis Armstrong morreu de ataque cardíaco em 6 de Julho de 1971 com a idade de 69 em Corona, Queens, Nova Iorque, 11 meses após tocar o seu último solo na Sala Imperial do Waldorf-Astoria. As suas últimas palavras foram: "I had my trumpet, I had a beautiful life, I had a family, I had Jazz. Now I am complete." ("Eu tive o meu trompete, uma vida linda, uma família, o Jazz. Agora estou completo."). Encontra-se sepultado no Cemitério Flushing, em Flushing, Nova York.

Discografia

1923: King Oliver’s Creole Jazz Band
1924-1925: Clarence Williams’ Blue Five
1925-1927: Louis Armstrong & His Hot 5/Louis Armstrong & His Hot 7
1947: Satchmo at Symphony Hall
1951: Satchmo at Passadena
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy
1955: Louis Armstrong at the Crescendo
1956: Ella & Louis
1957: Ella & Louis Again (Porgy and Bess)
1961: Together for the First Time
1963: Hello, Dolly!
1997: The Complete Ella & Louis on Verve
1998: Here comes Louis! (compilação)

Filmografia

1930- Ex-Flame
1932- Black and Blue
1932- I’ll Be Glad When You’re Dead
1936- Pennies From Heaven
1937- Artists & Models
1937- Every Day Is a Holiday
1938- Dr. Rhythm
1943- Going Places
1943- Cabin in the Sky
1944- Show Business at War
1944- Jam Session
1944- Atlantic City
1945- Pillow to Post
1947- New Orleans
1948- A Song Is Born
1950- Young Man with a Horn
1950- I am in the Revue
1951- The Strip
1952- Glory Alley
1953- The Road to Happiness
1953- The Glenn Miller Story
1956- High Society
1957- Roses Are For Ladies
1958- Satchmo, the Great (documentário)
1959- The Night Before the Premiere
1959- The Five Pennies
1959- The Beat Generation
1959- La Paloma
1959- Koerlighedens Melodi
1960- Jazz on a Summer’s Day
1961- Paris Blues
1961- Auf Wiedersehen
1965- When the Boys Meet the Girls
1969- Hello, Dolly!

"MUDDY WATERS"

McKinley Morganfield ou Muddy Waters (4 de abril de 1915 - Condado de Issaquena, Mississippi – 30 de abril de 1983 - Westmont, Illinois) foi um músico de blues norte-americano, considerado o pai do Chicago blues. Atribui-se a Muddy Waters a ideia de invenção da guitarra elétrica.
O nome artístico (em português, Águas Lamacentas) ele ganhou devido ao costume de quando criança brincar em um rio. Seu primeiro instrumento foi a Harmónica, que aprendeu a tocar aos 13 anos, tocava nas esquinas por trocados e comida junto com um amigo. Enquanto ainda jovem, viu Charley Patton e Son House tocarem, Son House inclusive foi uma grande influência, ele mostrou a Muddy como tocar guitarra slide com uma garrafa de vidro, o que o levou a trocar de instrumento aos 17 anos.
Ele mudaria-se mais tarde de Mississipi para Chicago, Illinois, onde trocou o violão pela guitarra elétrica. Sua popularidade começou a crescer entre os músicos negros, e isso o permitiu passar a se apresentar em clubes de grande movimento. A técnica de Waters é fortemente característica devido a seu uso da braçadeira na guitarra. Suas primeiras gravações pela Chess Records apresentavam Waters na guitarra e vocais apoiado por um violoncelo. Posteriormente, ele adicionaria uma seção rítmica e a gaita de Little Walter, inventando a formação clássica de Chicago Blues.
Com sua voz profunda, rica, uma personalidade carismática e o apoio de excelentes músicos, Waters rapidamente tornou-se a figura mais famosa do Chicago Blues. Até mesmo B. B. King referiria-se a ele mais tarde como o "Chefe de Chicago". Suas bandas eram um "quem é quem" dos músicos de Chicago Blues: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Willie Dixon, Otis Spann, Pinetop Perkins, Buddy Guy, e muitos outros.
As gravações de Waters do final dos anos 1950 e começo dos 60 foram particularmente suas melhores. Muitas das canções tocadas por ele tornaram-se sucesso: I’ve Got My Mojo Working, Hoochie Coochie Man, She’s Nineteen Years Old e Rolling and Tumbling, grandes clássicos que ganhariam versões de várias bandas dos estilos mais diversos.
Sua influência foi enorme em muitos gêneros musicais: blues, rhythm and blues, rock, folk, country. Foi Waters quem ajudou Chuck Berry a conseguir seu primeiro contrato.
Suas turnês pela Inglaterra no começo dos anos 1960 marcaram provavelmente a primeira vez que uma banda pesada, amplificada, se apresentou por ali (certo crítico sentiu-se obrigado a sair de um show para escrever sua análise por achar que a banda tocava muito alto). As canções de Waters inclusive exerceram grande influência nas bandas britânicas. O grupo Rolling Stones tirou seu nome de Rollin’ Stone, de 1950, mais conhecida como "Catfish Blues". Um dos maiores sucessos do grupo Led Zeppelin, Whole Lotta Love, foi baseado em You Need Love, composta por Willie Dixon . Foi Dixon quem compôs algumas das canções mais conhecidas de Muddy Waters, como I Just Want to Make Love to You, Hoochie Coochie Man e I’m Ready.
No final da década de 70 sua carreira renasceu ao fazer uma parceria com Johnny Winter que rendeu seus últimos quatro discos pela gravadora "Blue Sky". Nas gravações do último deles, "King Bee" (1981), a banda que na época era composta pelos guitarristas Sammy Lawhorn, Bob Margolin e Luther Johnson, pianista Pinetop Perkins, gaitista Jerry Portnoy, baixista Calvin "Fuzz" Jones e o baterista Willie "Big Eyes" Smith, estava se dissolvendo, e Muddy mostrava sinais de cansaço, todos continuaram grandes amigos, mas não conseguiram gravar material suficiente para terminar o álbum. Johnny Winter então completou com gravações não lançadas de antigas sessões da banda. A última apresentação de Muddy foi na Flórida no outono de 1982 com a banda de Eric Clapton.
Em 30 de abril de 1983 Muddy Waters morreu vítima de Insuficiência cardíaca enquanto dormia na sua casa em Westmont, Illinois. Foi enterrado no "Restvale Cemetery" em Alsip, Illinois. A cidade de Chicago e o subúrbio de Westmont homenageram Muddy colocando seu nome em vias públicas.
Entre outras canções com as quais Waters tornou-se conhecido estão Long Distance Call, Mannish Boy e o hino do rock/blues I’ve Got My Mojo Working.
Um pouco da história de Muddy Waters e da Chess Records foi retratada no filme Caddilac Records de 2008.
Muddy Waters foi induzido ao "Blues Hall of Fame" em 1980 e ao "Rock and Roll Hall of Fame" em 1987.



Discografia

1941 - Stovall's Plantation
1941 - First Recording Sessions 1941-1946
1948 - I can't be satisfied
1950 - Rolling Stone
1953 - Baby Please don't go
1954 - (I'm Your) Hoochie Coochie Man
1955 - Mannish Boy
1956 - Got My Mojo Working
1956 - Louisiana Blues
1956 - Mississippi Blues
1960 - At Newport
1960 - Muddy Watersy sings Big Bill Broonzy
1963 - Folk Festival of the Blues
1964 - The best of Muddy Waters
1964 - Folk Singer
1964 - Muddy Waters
1965 - Live Recordings 1965-1973
1965 - Muddy Waters with Little Walter
1965 - The Real Folk Blues
1966 - Down on Stovall's Plantation
1966 - Muddy Waters: The Blues Man
1966 - Muddy, Brass and Blues
1967 - Blues from Big Bill's Copacabana
1967 - Muddy Brass & the Blues
1967 - More Real Folk Blues
1967 - Super Blues (Muddy Waters, Bo Diddley, Little Walter)
1967 - The Super Super Blues Band (Muddy Waters, Bo Diddley, Howlin' Wolf)
1968 - Electric Mud
1969 - After the Rain
1969 - Fathers and Sons
1969 - Sail on
1970 - Vintage Mud
1970 - Back in the Good Old Days
1970 - Good News
1970 - Goin'Home: Live in Paris 1970
1970 - They call me Muddy Waters 1
1971 - They call me Muddy Waters 2
1971 - Live at Mister Kelly's
1977 - Hard Again
1978 - I'm Ready
1979 - Muddy "Mississippi" Waters
1981 - King Bee

"NAT KING COLE"

Nat King Cole, nome artístico de Nathaniel Adams Coles, (Montegomery, 17 de março de 1919 — Santa Mônica, 15 de fevereiro de 1965) foi um cantor e músico de jazz norte-americano, pai da cantora Natalie Cole. O apelido de "King Cole" veio de uma popular cantiga de roda inglesa conhecida como Old King Cole.
Sua voz marcante imortalizou várias canções, como: Mona Lisa, Stardust, Unforgettable, Nature Boy, Christmas Song, "Quizás, Quizás, Quizás", entre outras, algumas das quais nas línguas espanhola e portuguesa.
Suas músicas românticas tinham um toque especial junto a sua voz associada ao piano, tornando-o assim um artista de grande sucesso.
Sua então revolucionária formação piano, guitarra e baixo ao tempo das big bands tornou-se popular para trios de jazz.
Nat King Cole aprendeu a tocar piano na igreja onde seu pai era pastor. Desde criança ele esteve ligado à música, tocando junto ao coral da mesma igreja. Cole lutou contra o racismo durante toda a sua vida, sempre recusando-se a cantar em platéias com segregação racial
Por ter um hábito de fumar diariamente três maços de cigarro, o cantor morreu vítima de câncer. Um de seus últimos trabalhos foi no filme Cat Ballou, onde canta a balada da personagem título, interpretada por Jane Fonda.
Seu pai, Don Edward Coles, era açougueiro e diácono da Igreja Batista. Sua família mudou-se para Chicago quando Nat ainda era criança. Lá, o pai tornou-se pastor e a mãe, Perlina Adams, ficou encarregada de tocar o órgão da igreja. Foi a única professora de piano que Nat teve em toda sua vida. Aprendeu tanto jazz como música gospel, sem esquecer a música clássica.

Seu primeiro sucesso como cantor foi a gravação em 1943 pela Capitol Records de "Straighten Up and Fly Right" baseada num conto popular negro que seu havia usado como tema para um sermão. Vendeu mais de 500 mil cópias. Embora Cole nunca viesse a ser considerado um roqueiro, a canção pode ser vista como antecipando os as primeiras gravações de rock. De fato, Bo Didley, que fez semelhantes transformações de materiais folclóricos creditava Cole como uma influência.
Em 5 de novembro de 1956, The Nat King Cole Show estreou na NBC-TV. Foi o primeiro programa deste tipo comandado por um afro-americano, causando controvérsia na época. Ficou no ar por um ano e pouco, mas teve de ser encerrado, por iniciativa do próprio Nat King Cole, por não ter conseguido nenhum patrocínio de âmbito nacional.

Cole lutou contra o racismo toda sua vida e raramente apresentou-se em lugares segregacionistas. Em 1956 foi atacado no palco durante um show em Birmingham, Alabama, enquanto cantava "Little Girl", por três membros do North Alabama White Citizens Council que aparentemente tentavam sequestrá-lo. Os três agressores avançaram pelos corredores da plateia. Embora a segurança tenha rapidamente acabado com a invasão, Cole foi derrubado de seu banco e machucou as costas. Ele não acabou o show e nunca mais se apresentou no Sul dos EUA. Os agressores foram julgados e condenados.
Em 1948 comprou uma casa em um condomínio só de brancos nos arredores de Los Angeles. A KKK ateou fogo em uma cruz em frente à sua casa. O conselho do condomínio disse-lhe que não queriam indesejáveis mudando-se para lá. Ele concordou e disse "Eu também não, se eu vir alguém indesejável mudando-se, serei o primeiro a reclamar".
Em 1956 foi contratado para se apresentar em Cuba e quis ficar no Hotel Nacional de Cuba, mas não lhe foi permitido porque tinham restrição (color bar) para negros. Cole honrou seu contrato e seu show no Tropicana foi um grande sucesso. No ano seguinte voltou a Cuba para outro show, cantando várias músicas em espanhol. Hoje existe um tributo a ele na forma de um busto e uma jukebox no Hotel Nacional.





Filmografia

Citizen Kane (1941)
Here Comes Elmer (1943)
Pistol Packin' Mama (1943)
Pin Up Girl (1944)
Stars on Parade (1944)
Swing in the Saddle (1944)
See My Lawyer (1945)
Breakfast in Hollywood (1946)
Killer Diller (1948)
Make Believe Ballroom (1949)
The Blue Gardenia (1953)
Small Town Girl (1953)
Rock 'n' Roll Revue (1955)
Rhythm and Blues Revue (1955)
Basin Street Revue (1956)
The Scarlet Hour (1956)
Istanbul (1957)
China Gate (1957)
St. Louis Blues (1958)
Night of the Quarter Moon (1959)
Schlager-Raketen (1960)
Cat Ballou (1965)

"THE SKYLINERS"

Grupo vocal de Pittsburgh, Estados Unidos, surgiu em meados dos anos 50, composto por Jimmy Beaumont, Jackie Taylor e Wally Lester, que, originalmente formavam o grupo Crescents, além de Joe VerScharen e Janet Vogel, também provenientes de outro grupo, El Rios. Seu grande sucesso “Since I Don’t Have You”, balada de 1959 foi regravada nos anos 90 pela banda Guns n' roses e,está entre os maiores clássicos do R&B de todos os tempos.

"MICKEY & SYLVIA"

Mickey & Sylvia foram uma dupla de R&B composta por Mickey “Guitar” Baker e Sylvia Vanderpool Robinson.
Mickey era professor de música e Sylvia uma de suas alunas.
Ele se inpirou a formar um grupo depois do sucesso de Les Paul & Mary Ford.
Chegaram aos 20 mais com o hit “love is Strange” em 1957.
O disco chegou á 1 milhão de cópias e ganhou o disco de ouro.
A dupla comprou um clube noturno e estabeleceram uma compahia e
fundaram sua propria gravadora. Continuaram a gravar juntos até 1965.
Mickey teve sucesso como músico e Sylvia ainda gravou o hit “Pilow Talk” em 1973.

"PAT BOONE"

Nascido em Jacksonville, Florida, Pat Boone costuma dizer que é um descendente direto do pioneiro americano Daniel Boone. Em Nashville, Tennessee, freqüentou a David Lipscomb College e começou a gravar em 1954 pela gravadora Republic Records.
Sua versão de “Ain’t That a Shame” de Fats Domino, em 1955, foi um grande sucesso. Esta foi a marca do início de sua carreira, focada na regravação de canções de Rythm’n’Blues (originalmente interpretadas por artistas negros)
para o público branco.

Seis dos sucessos de Boone eram versões de Rhythm’n’Blues: “Ain’t That a Shame” de Fats Domino, “Tutti Frutti” e “Long Tall Sally” de Little Richard, e “At My Front Door (Crazy Little Mama)” do grupo El Dorados. As outras duas versões de R&B era “baladas blues”: “I Almost Lost My Mind” de Ivory Joe Hunter e “Chains of Love”, um sucesso de Big Joe Turner e, depois, de B.B. King que foram compostas por Ahmet Ertegün. A partir de 1957, Boone concentrou-se “musica de meio de estrada”. Apesar disso, continuaria a gravar canções de R&B (como “Two Little Kisses,” uma versão “não-alcoólica de “One Mint Julep”) e (suas versões de The Capris’ song e “There’s a Moon Out Tonight”.
Em 2003, Pat Boone foi recebido no GMA Gospel Music Hall of Fame

"BOBBY VEE"

Bobby Vee (Robert Thomas Velline) nasceu em 30 de abril de 1943 em , Fargo, Dakota do Norte, estados Unidos.
Cantor de música pop, teve 38 de suas músicas entre as top100 da Billboard,
10 destas entre as top20.
Em 1959 a música “Take Good Care of My Baby” ficou em 1ro na lista da Billboard
e em 3ro na lista inglesa UK Singles Chart.

"BEN E.KING"

Ben E. King (nascido Benjamin Earl Nelson em 30 de novembro de 1936, em Henderson, Carolina do Norte) mudou-se para o Harlem, em New York, com a idade de 9 anos. Começou como cantor de soul no ínicio dos anos sessenta. Em 1958, Ben Nelson juntou-se a um grupo de “doo wop” chamado “The Five Crowns”. Mais tarde, naquele ano, o agente do “The Drifters” despediu todos os membros e trocou-os pelo pessoal do”The Five Crowns”. Nelson ajudou a escrever “There Goes My Baby”, o primeiro sucesso dessa nova versão dos “The Drifters”. Também fez o vocal solo em “Save the Last Dance for Me”, uma canção escrita por Doc Pomus e Mort Shuman. Cantou, também, em “Dance With Me”, “This Magic Moment”, “I Count the Tears” e “Lonely Winds”. Ben E. King gravou dez canções com o “The Drifters”. Em 1960, deixou o “The Drifters” após não ter conseguido um aumento de salário. Neste ponto ele assumiu o nome de Ben E. King em preparação para a carreira solo. Permanecendo na Atlantic Records, King acertou em seu primeiro sucesso com estilo: a balada “Spanish Harlem” (1961). “Stand by Me” foi sua próxima gravação. Escrita por King junto com Jerry Leiber e Mike Stoller, “Stand by Me” foi votada com uma das Canções do Século pela “Recording Industry Association of America”. “Stand by Me” e “Spanish Harlem” foram nomeadas como duas das “500 Canções que Moldaram o Rock and Roll” pelo “The Rock and Roll Hall of Fame” e, ambas, ganharam um “Grammy Hall of Fame Award”. Seus outros clássicos são “Don’t Play That Song (You Lied)” (que foi regravada por Aretha Franklin), “Amor”, “Seven Letters”, “How Can I Forget”, “On the Horizon”, “Young Boy Blues”, e outras. As gravações de King continuaram indo bem até 1964. As bandas pop inglesas começaram a dominar o cenário musical, mas King continuou a fazer sucesso no “R&B”. No verão de 1963, Ben E. King colocou uma canção entre as 30 mais: a poderosa “I (Who Have Nothing)”, (essa até o Status Quo regravou). Outros sucessos foram: “What is Soul?” (1967), “Supernatural Thing, part 1” (1975), e a reedição, em 1986, de “Stand by Me,” que foi parte da trilha-sonora do filme com o mesmo nome, chamado, no Brasil, de “Conta Comigo” (filme baseado no conto “The Body” de Stephen King). Em 1998, gravou um álbum infantil intitulado “I Have Songs In My Pocket”, escrito e produzido por Bobby Susser, o qual ganhou um prêmio “Best Vacation Products Award For Children”. Em 2007, King apresentou “Stand By Me” no programa “Late Show with David Letterman”. Ahmet Ertegun disse que King tem uma das grandes vozes na história do Soul. Atualmente, King trabalha em sua fundação: a “Stand By Me Foundation”.